Interview

(Die deutsche Version folgt unten)
Une tradition, c’est une tradition. Pour notre plus grande joie, la dernière soirée d’Igloofest est consacrée à la musique techno. Bien entendu, qui pense musique techno pense aussitôt à l’Al… (devinez le reste!). La grande finale de l'édition passée s’est avérée magistrale avec la performance démente du duo berlinois Ben Klock et Marcel Dettmann; cette année le sera tout autant avec au menu les 5 étoiles de Tommy Four Seven et surtout de la légende Chris Liebing. Tout simplement : «Achtung !»

Parler de Chris Liebing, c’est évoquer un acteur-clé de l’évolution du techno depuis ses débuts dans les années 90 : vingt ans derrière les masques de producteur, DJ et directeur d’étiquettes, dont l’incontournable CLR, à explorer les différentes âmes, vitesses et sonorités de ce genre musical auquel son nom est immanquablement associé en Allemagne. Son album Evolution publié en 2003 témoigne de cette fulgurance sonore qui anime toujours cet infatigable musicien de Francfort : une sensibilité féroce, hypnotique, quasi métallique. Aux abonnés de son populaire podcast pour qui le « It’s Monday… » inaugural sonne à leurs oreilles comme la clochette au chien de Pavlov, le moment est venu de ressentir son orchestration toute puissante lors d’une performance qui nous rappellera pourquoi le techno doit faire partie de notre vie (!). Entrevue Q/R avec un monstre sacré au sujet de l'évolution du techno, sa « manie » du remix, son profil Facebook et de la quête impossible de la satisfaction.

Igloofest à Montréal signifie performer dehors à -20°C devant des milliers de personnes en habit de ski. Avez-vous hâte ?

Bien sûr! Il faut dire que je suis un passionné de ski alors les habits de ski, ça me connaît! Ma valise contient déjà de longs sous-vêtements ainsi que mes bottes. J’ai déjà performé en hiver lors de festivals dans les Alpes, mais à Montréal il y a quand même plusieurs degrés en moins... Je m’en réjouis ainsi que mes collègues!

Vous baignez dans le monde de la musique techno depuis plus de vingt ans. Comment a évolué votre relation avec cette scène musicale et ce son particuliers ?

Ce qui est bien avec le techno et que j’ai remarqué depuis le tout début consiste à se trouver constamment en évolution. On n’est jamais vraiment satisfait et content pour longtemps avec ce que l’on produit, ce que l’on joue, comment on le joue et de ce que la musique même à offrir. On travaille de manière permanente à améliorer nos productions et notre DJ-ing. Cela procure beaucoup de plaisir! Le techno a d'ailleurs un énorme potentiel caché, voire aucune limite à ce que l’on peut créer en terme d’effets, d’échantillonnages (samplings) et de boucles (loops). Cette évolution ne cessera pas! Aussi longtemps que j’éprouverai du plaisir –et cela fait 20 ans que j’en ai-, aussi longtemps j’espère que les auditeurs en éprouveront.

Chris Liebing - CLR Podcast 188 - 01-10-2012 by Mixing.Dj Livesets on Mixcloud

Vos performances sont l’occasion pour vous d’une véritable orchestration avec de nombreux équipements techniques sophistiqués. Quelle importance accordez-vous au progrès technologique réalisé dans le domaine de la musique électronique ?

Comme je disais, l’évolution en musique électronique occupe une très grande importance. Ce progrès permet de traduire dans la réalité ce que l’on veut exprimer en termes de son et d’atmosphère. Il y a quinze ans, ce qui était impossible à créer avec de simples tables tournantes et un seul mixer, l’est aujourd’hui grâce aux systèmes assistés par ordinateur. Avec la musique électronique, l’évolution technologique et la prestation musicale vont de pair avec l’évolution des ordinateurs. Cela produit des développements surprenants et auxquels on aurait jamais pensés, par exemple l’utilisation de Touchpad ou de Ipad. C’est très stimulant!

Vous avez déjà dit que les producteurs vous détestent parce que vous ne pouvez pas vous empêcher de modifier leur morceau lorsque vous les insérez dans vos sets. Pourquoi cette « manie » chez vous ?

En fait, je ne suis pas certain qu’ils me trouvent insupportable. Je peux seulement m’imaginer qu’un producteur souffrirait d’entendre dans un club son morceau remixé radicalement lors de ma performance, alors qu’il l’a ajusté de la façon dont il aimerait qu’il sonne et soit entendu. C’est ce que je m’imagine, du moins s’il était un vrai puriste. Cette « manie » provient de mon impression à pouvoir soutirer davantage d’un morceau. Je tends à réinterpréter tous les morceaux, à placer l’accent là où je crois qu’il devrait être et à les remanier de façon à engendrer l’atmosphère recherchée. Ce n’est pas la faute au producteur, qui a fait ce dont il avait envie ! La beauté avec la musique électronique réside dans cette possibilité qu’elle m’offre de laisser les choses comme elles sont ou de les arranger à ma manière. C'est constant chez moi même lorsque je performe, j’essaie de mettre de l'avant cette « manie » de vouloir tout perfectionner.

Lors des 10 ans de l’étiquette CLR, vous avez changé son nom « Chris Liebing Records » pour « Create Learn Realize », effaçant du coup votre nom ou votre égo, comme vous avez mentionné. Pourquoi était-ce important de vous « effacer » ainsi ?

Je ne pense pas que l’on puisse effacer complètement son égo. On doit simplement apprendre à vivre avec et le discipliner – si on réussit ça, on aura gagné beaucoup! Le retrait de mon nom de l’étiquette tient au fait que je désirais publier d’autres musiciens et leur témoigner un certain respect. Je ne tenais pas à ce que leur travail contribue également à la publicité de mon nom ! Maintenant, tout apparaît plus neutre et plus juste.



Votre profil Facebook mentionne : « Since then he (Chris Liebing) has never stopped working on his dj and production setup’s and has finally reached a point of complete satisfaction with his technical and artistic possibilities. » Rendu à ce niveau de satisfaction, comment envisagez-vous l’avenir ?

C’est ce qu’on trouve sur mon profil Facebook… Ça, c’est intéressant! Il me faut le regarder plus attentivement et redéfinir ce passage! Je dois avouer, ainsi que je l’ai mentionné, que ce stade de satisfaction totale ne dure pas longtemps. Ce qu’on a atteint, on veut le transformer assez rapidement. Bien entendu, on est souvent content du travail réalisé; mais ce contentement disparaît assez vite et de cette disparaition naît l’ambition de s’améliorer constamment. Une telle satisfaction éliminerait en quelque sorte cette ambition et je ne veux pas ça – en fait, personne ne souhaite ça!


Vous avec publié une tonne de remix dont dernièrement les excellents « Lie Down In Darkness » de Moby et « Man Made Machine » de Motor. Quelle place occupe ce travail par rapport à vos créations?

Tout d’abord, merci! En ce qui concerne mes remix, je dois admettre que ne je suis comblé qu’avec seulement quelques-uns d’entre eux. Lesquels? Je devrais y réfléchir longuement. Lorsque j’entends un morceau, l’idée d’un remix me vient assez facilement. Si le produit final détonne souvent de l’idée originale est une autre question. Une fois qu’un remix est terminé, j’en suis content sinon je n’arrêterais jamais d’y travailler! Toutefois, un mois plus tard, je me dis que j’aurais pu faire ceci ou cela autrement et je pense sans cesse que j’aurais pu mieux le réaliser. J'ai donc encore des choses à apprendre avant de dire que remixer à une grande importance pour moi.

Le philosophe allemand Nietzsche a écrit: « Sans la musique, la vie serait une erreur. » Qu’en dites-vous?

Cet aimable Nietzsche a écrit beaucoup, mais beaucoup de bonnes choses dans sa vie et j'oserais croire qu'il a ici encore raison. La musique réunit les hommes à un tout autre niveau, inatteignable par d'autres moyens, parce qu'elle génère des sentiments partagés et cultive justement un haut degré d'unité et d'appartenance. Si nous étions dépourvus de tout cela, je crois que nous ne serions même plus en vie!



„Sind Sie zufrieden, Herr Liebing?“? Interview mit Chris Liebing beim Igloofest 2013

Tradition ist eben Tradition. Zu unserer großen Freude ist der letzte Abend des Igloofestes der Technomusik gewidmet. Wer an Technomusik denkt, denkt selbstverständlich sofort auch an Deu…. (den Rest müsst ihr erraten). Nachdem sich mit der abgedrehten Performance des Berliner Duos Ben Klock und Marcel Dettmann das große Finale der vergangenen Ausgabe als absolut meisterhaft erwiesen hat, wird es das dieses Jahr mit dem Besten von Tommy Four Seven und vor allen Dingen vom legendären Chris Liebing ebenfalls sein. Ganz einfach: „Achtung!“

Wenn man von Chris Liebing spricht, spricht man von einer der Schlüsselfiguren der Entwicklung des Techno in seinen jüngsten Anfängen in den neunziger Jahren: zwanzig Jahren als Produzent, DJ und Labelchef – u.a. vom unumgänglichen Label CLR– um die verschiedenen Seelen, Geschwindigkeiten und Klänge jener Musikrichtung zu erkunden, an der sein Name in Deutschland unausbleiblich haftet. Sein Album „Evolution“ von 2003 zeugt von diesen klanglichen Geistesblitzen, die den unermüdlichen Frankfurter Musiker immer wieder antreiben: ein mitreißendes hypnotisches, quasi metallenes Empfinden. Für die Hörer seines beliebten Podcasts, denen das Eröffnungs-„It’s Monday…“ in den Ohren klingt wie der Glockenklang dem Pawlowschen Hund, ist der Moment gekommen, anlässlich seines Auftritts seine allgewaltige Orchestrierung zu erleben, die uns daran erinnert, warum Techno Teil unseres Lebens sein muss (!). Ein Interview mit einer Berühmtheit über die Entwicklung des Techno, seine Remix-„Manie“, sein Facebook-Profil und die unmögliche Suche nach Zufriedenheit.

Sie werden am 25. Januar in Montréal auflegen, draußen, im Winter bei -20°C , wo Leute in Skianzügen tanzen. Freuen Sie sich darauf?

Auf jeden Fall! Ich bin selbst ein leidenschaftlicher Skifahrer, deshalb kenne ich mich mit Skianzügen aus, und habe auch schon die langen Unterhosen und die dicken Schuhe eigepackt. Es ist nicht das erste Mal, dass ich bei sehr kühlen Temperaturen open air spiele, das habe ich schon bei diversen Schnee-Festivals in den Alpen getan, aber in Montreal kommt da natürlich noch mal eine zusätzliche Schippe Minusgrade drauf. Ich bin schon sehr gespannt und wir freuen uns alle darauf.

Seit mehr als 20 Jahren sind Sie in der Welt des Techno zu Hause. Wie hat sich Ihre Beziehung zu diesem Sound und seiner Szene weiterentwickelt?

Das ist das Schöne am Techno, und das habe ich auch schon von Anfang an gemerkt. Ich beziehe mich hier darauf, dass man sich in einer permanenten Weiterentwicklung befindet, und man irgendwie nie wirklich über einen längeren Zeitraum zufrieden und happy mit dem ist, was man selbst macht, was man spielt, wie man es spielt oder wie man die Musik quasi darbietet. Man ist permanent damit beschäftigt daran zu arbeiten wie man die Produktionen und auch das DJ-ing verbessern kann. Das macht unglaublich viel Spaß, und es steckt auch gerade beim Techno unglaublich viel Potential darin – dadurch, dass im Grunde genommen keine Grenzen existieren und sich die Musik auch prima dafür eignet mit Samples, Loops und Effekten zu arbeiten. Das kann man alles sehr schön als einzelner Künstler – also nicht notwendigerweise in einer Band, sondern als Solokünstler live umsetzen. Diese Entwicklung wird nie aufhören, und so lange ich Spaß daran habe – und ich habe schon seit 20 Jahren Spaß daran – so lange hoffe ich, dass auch die Leute die zuhören Spaß daran haben.

Chris Liebing - CLR Podcast 188 - 01-10-2012 by Mixing.Dj Livesets on Mixcloud

Ihre Auftritte bieten Ihnen den Anlass für eine wahre Orchestrierung zahlreicher raffinierter technischer Klangwerkzeuge. Welche Bedeutung sprechen Sie dem technischen Fortschritt im Bereich der elektronischen Musik zu?

Wie schon in meiner letzten Antwort angedeutet, hat gerade bei der elektronischen Musik die technische Entwicklung einen sehr hohen Stellenwert. Dieser Fortschritt ermöglicht es einem letztendlich das, was man eigentlich machen will, das was man an Klängen, Sounds und Atmosphären erzeugen will, tatsächlich in Echtzeit umzusetzen. Dinge, die vor fünfzehn Jahren mit Plattenspielern und einem einzelnen Mischpult noch nicht möglich waren, sind inzwischen durch auf Computern basierenden Systemen viel besser möglich. Die technische Entwicklung in Hinblick auf die elektronische Musik und die Darbietung elektronischer Musik geht Hand in Hand mit der Weiterentwicklung von Computern und Computerchips. Das führt manchmal zu überraschenden Entwicklungen und Möglichkeiten die man vorher gar nicht im Kopf hatte und die plötzlich gegeben sind – zum Beispiel Dinge wie Touchpads oder iPads, die man auf einmal zur Verfügung hat und integrieren kann. Das ist sehr spannend und die Bedeutung vom technischen Fortschritt – gerade in der elektronischen Musik – ist wirklich extrem hoch.

Sie haben bereits gesagt, dass die Produzenten Sie nicht ausstehen können, weil Sie nicht davon ablassen können ihr Stück zu verändern, wenn Sie es in Ihre Sets einbringen. Warum diese „Manie“?

Ich bin mir eigentlich gar nicht sicher, dass die mich nicht leiden können. Ich könnte mir nur grundsätzlich vorstellen, dass jemand der ein komplettes Stück arrangiert und das gerne auch so gespielt haben würde, wenn der zufällig in einem Club landet, in dem ich spiele und dort dieses von ihm produzierte Stück gerade quasi live remixe – indem ich etwas völlig anderes daraus mache – dass dieser Produzent das einfach nur als schmerzhaft empfindet. Zumindest stelle ich mir das so vor, gerade wenn er vielleicht ein totaler Purist ist. Man kann das eventuell auch eine Manie von mir nennen, und zwar kommt sie daher, dass ich immer das Gefühl habe, dass man noch ein kleines bisschen mehr rausholen kann. Ich denke immer, dass ich in die einzelnen Stücke noch wesentlich mehr hineininterpretieren, und quasi das hervorheben kann worauf meiner Meinung nach die Betonung liegen sollte, wenn es um eine bestimmte Atmosphäre geht, die ich erzeugen will. Die Schuld gebe ich natürlich nicht dem Produzenten, der hat sein Stück so produziert wie er das will, aber das Schöne an der elektronischen Musik ist wiederum, dass sie es mir überlässt, ob ich das so stehen lassen will, oder ob ich das, was ich in diesem Track höre noch einen Tick verbessern und in meinem Sinne verstärken möchte. Das passiert mir dauernd, und beim Spielen versuche ich das dann – was tatsächlich an eine Art von Manie grenzt – permanent hervorzuholen.

Anlässlich des 10-jährigen Bestehens des Labels CLR haben Sie seinen Namen in “Create Learn Realize” abgeändert, wodurch Sie Ihren Namen oder Ihr Ego gelöscht haben, wie Sie sagten. Warum war es wichtig, Sie auf diese Art und Weise „auszulöschen“ ?

Ich glaube mittlerweile, dass man sein Ego gar nicht auslöschen kann, man muss nur lernen damit zu leben und es quasi dazu disziplinieren, dass es sich unterordnet – dann hat man schon viel gewonnen. Was das Eliminieren des Egos im Label-Namen anging, hatte das eine besondere Bedeutung. Ich wollte auch den anderen Künstlern, die auf dem Label veröffentlichen einen gewissen Respekt zollen, und wollte niemandem auferlegen, dass die Veröffentlichung von einem seiner Musikstücke bei mir auch automatisch mit einer Promotion für meinen Namen einhergehen muss. Das fand ich nicht wirklich gerechtfertigt, deshalb wollte ich das ganze einfach auf neutralere Beine stellen.



In Ihrem Facebook-Profil kann man lesen : “Since then he (Chris Liebing) has never stopped working on his dj and production setup’s and has finally reached a point of complete satisfaction with his technical and artistic possibilities.“ Wenn Sie nun auf dieser Ebene von Zufriedenheit angelangt sind, wie sehen Sie der Zukunft entgegen?

So, das steht in meinem facebook-Profil, das ist hochinteressant zu lesen Da müsste im Nachsatz dann eigentlich stehen, dass dieser Punkt der totalen Zufriedenheit – wie ich anfangs schon erwähnt hatte – nicht lange anhält. Dann hat man vielleicht etwas erreicht, will es aber auch bald wieder weiter verändern. Von daher haben Sie mich hier auf etwas aufmerksam gemacht und mich animiert mir mein facebook-Profil noch einmal genau durchzulesen und dies eventuell noch besser zu definieren. Aber natürlich, es ist schon so, dass man daran arbeitet und irgendwann mal mit dem zufrieden ist was man hat, oder man ist auch mal mit einem Abend zufrieden, aber diese Zufriedenheit schwindet ziemlich schnell. Daraus entsteht ja auch dieser gewisse Ehrgeiz sich immer weiter zu entwickeln. Ich glaube komplette Zufriedenheit würde auch irgendwann jeglichen Drang zur Weiterentwicklung ausmerzen, und das will ich nicht, und das wollen wir ja wohl alle nicht.


Sie haben jede Menge Remixe veröffentlicht, u.A. erst letztens die wunderbaren „Lie Down In Darkness“ von Moby und „Man Made Machine“ von Motor. Vor dem Hintergrund Ihrer Kreationen: welche Bedeutung sprechen Sie dieser Arbeit zu?

Erstmal danke für die netten Worte, aber wenn es um Zufriedenheit geht, muss ich selbst sagen, dass ich mit den wenigsten meiner Remixe wirklich zufrieden bin. Ich müsste jetzt lange nachdenken mit welchem Remix, den ich gemacht habe ich wirklich zufrieden bin. In dem Moment, in dem ich sie gemacht habe, war ich natürlich irgendwann zufrieden, sonst hätte ich sie ja nie zu einem Abschluss gebracht und abgegeben. Aber wie das mit der Zufriedenheit so ist, denke ich dann immer einen Monat später – ach, hätte ich das doch ganz anders gemacht, das kommt nicht so rüber, wie ich es wollte. Im Grunde genommen fällt es mir ziemlich leicht eine Idee für einen Remix zu haben, wenn ich etwas höre, doch die Idee wird dann natürlich während des Entstehungsprozesses geformt, und ob das Endprodukt dann auch so ist wie ich es mir ursprünglich vorgestellt hatte, ist eine andere Frage. Ich denke mir immer, dass ich es doch eigentlich viel besser hätte machen können, oder dass ich es gerne viel besser können würde. Von daher muss ich sagen, dass ich noch einiges lernen und noch viel an mir arbeiten muss, bevor ich dieser Arbeit von mir eine größere Bedeutung zusprechen würde.

Wahrscheinlich kennen Sie schon das Nietzsche-Zitat „Ohne Musik wäre das Leben ein Irrtum“. Was halten Sie davon?^

Der gute Friedrich Nietzsche hat viele, viele sehr gute Zitate in seinem Leben hervorgebracht, und ich würde mal behaupten, dass er auch damit Recht hatte. Musik vereint uns Menschen auf einer ganz anderen Ebene als andere Dinge es tun könnten, weil es gemeinsame Gefühle erzeugt und definitiv einen höheren Grad der Einheit und der Zusammengehörigkeit fördert. Hätten wir das nicht – würde ich fast behaupten – wären wir vielleicht auch gar nicht mehr am Leben, von daher wäre das Leben ein Irrtum. Guter Mann!

(Die deutsche Version folgt unten)
Radieux et débordant d’une énergie contagieuse, le duo de Berlin Pan-Pot composé de Tassilo Ippenberger et Thomas Benedix saura immanquablement conduire la foule d’Igloofest vers une (autre) transe heureuse ce vendredi. Les deux hommes se sont rencontrés jadis à l’école de son SAE Institut de Berlin et leur passion commune pour la musique techno a tôt fait de les réunir. Depuis, ils sont devenus l’exemple même d’une collaboration fructueuse comme le démontre leur album Pan-O-rama (2007), un classique inspiré du techno minimal, leur nombreux EP et multiples remix. On décrit souvent Tassilo comme le membre plus anarchique du duo alors que Thomas serait le plus affairé. Quoiqu’il en soit, leurs mélanges savamment calculés de house joyeux inspiré par un techno plus stricte ont établi leur nom et ils comptent aujourd’hui parmi les DJs allemands les plus convoités. Questions/réponses au sujet de leur collaboration, de leur dernier EP « White Fiction » et du documentaire « Pan-Pot. Back to Back », tous deux parus récemment. Équilibre entre rire, plaisir et (beaucoup de) travail.

Anja Schneider de Mobilee Records a déjà dit que la chimie entre vous explique votre succès. Qu’en pensez-vous?

Tassilo: Cette chimie entre nous est certainement une partie de notre succès puisque nous nous complétons bien. Cela dit, nous croyons davantage au dur labeur et à la continuité qu’à la chimie. ☺

Comme votre nom de DJ, Pan pot est l’abréviation utilisée pour désigner le potentiomètre panoramique, une fonction qui permet pour une piste stéréo donnée, d'augmenter ou de diminuer l'intensité relative du signal entrant entre deux canaux de sortie (merci Wikipedia!). Est-ce un peu comme vous, de deux musiciens émanent un morceau de musique harmonisé ?

Thomas: Le nom Pan-Pot est parfait pour un duo de DJ et nous sommes vraiment bien "accordés" (eingepegelt).

Depuis l’album à succès « Pan-O-Rama » (2007) vous avez produit plusieurs singles, remix et EP mais aucun autre album. Est-ce quelque chose que vous aimeriez réaliser à nouveau?

Tassilo: En 2012, nous avons produit la compilation « Back to Back Compilation » en plus de participer à notre documentaire de 60 minutes. C’est presqu’un projet d’album, du moins en terme de temps consacré. Nous sommes de nouveau assidus et tenterons dès que possible d’en publier un autre.



Dernièrement, vous avez publié le EP « White Fiction ». En terme de son et rythme, que cherchiez-vous à atteindre?

Tassilo: Principalement, nous voulons que les gens dansent. ☺ Ce EP est une combinaison de différents genres. « White Fiction » est un morceau dance assez tech-house, plutôt minimal et sombre avec des voix qui devaient être utilisées sur d’anciens morceaux. « Mental Rush » est un morceau techno percutant avec des « hooklines » qui à la fois s’entrechoquent et s’harmonisent avant d’atteindre un sommet pour après s’effondrer ensemble.

Thomas: « Kepler » est un morceau dupstep réalisé par amusement, sans être capital pour notre création. Nous le percevons davantage comme une expérimentation et le fruit de notre liberté d’artiste. C’est d’ailleurs pourquoi figure son remix par Sidney Charles qui rend le tout plus "dansable".



Dans le documentaire « Pan-Pot - Back to Back » (2012) Tassilo mentionne que votre succès vous pousse à davantage de « business » en plus de la musique. Comment vivez-vous ce mélange d’affaire et de créativité?

Tassilo: Malheureusement, nous devons de plus en plus prendre des décisions d’affaires plutôt qu’artistiques. Nous travaillons cependant très fort pour changer cette situation.
Si ce n’était que de nous, nous passerions nos journées à créer de la musique penchés sur nos synthétiseurs et nos "drum machines". Notre succès grandissant et l’intérêt du public impliquent toutefois que nous ayons de plus en plus à traiter de planification.

Vous avez jadis tous les deux rejoint la ville de Berlin à laquelle vous êtes aujourd’hui associée. Comment à évoluer votre relation avec cette ville?

Thomas: Je crois que nous voulions depuis toujours partir à Berlin. Nous sommes toutefois restés très attachés aux villes d’où nous venons. Bien entendu, Berlin nous donne cette liberté artistique et une scène pour en profiter et réaliser ce que nous faisons. Je crois que la ville subit un changement extrême en ce moment, dans le sens positif du terme, et nous sommes heureux d’en faire partie et avons même le sentiment d’y contribuer en quelque sorte. C’est pourquoi je dirais : « J’ suis un Berlinois! » ☺ ("Ick bin ein Berliner")

Vous jouez ce soir à Montréal, dehors à -20Celsius, devant des milliers de personnes vêtus de leur habit de ski. Avez-vous hâte?

Tassilo : Quoi! Personne ne nous a parlé de ce -20! ☺ Mettez-nous de côté des habits de ski et surtout beaucoup de Glühwein! (ndlr: vin chaud épicé et alcoolisé servi durant Noël)

Thomas : Dans tous les cas, on se réjouit d’être à Igloofest; ce nom est en soi très prometteur. Anja Schneider y a déjà joué et nous a raconté. Elle était très impressionée et nous avons été très heureux lorsque l’invitation nous est parvenue.





Vor ansteckender Energie strotzend wird das Berliner Duo Pan-Pot, welches sich aus Tassilo Ippenberger und Thomas Benedix zusammensetzt, an diesem Freitag die Menge beim Igloofest in eine (andere) glückselige Trance versetzen. Die zwei Männer, die sich seinerzeit am SAE Institut in Berlin kennengelernt haben, hat ihre gemeinsame Leidenschaft für Technomusik früh zusammen gebracht. Wie man an ihrem Album Pan-O-rama (2007), einem vom Minimal-Techno inspirierten Klassiker, sowie an ihren zahlreichen Singles und Remixen sehen kann, sind sie seitdem das Musterbeispiel für eine einträgliche Zusammenarbeit geworden. Oft wird Tassilo als der „gesetzlosere“ Teil des Duos beschrieben, wohingegen Thomas der Geschäftigere sei. Wie dem auch sei, durch ihre geschickt zusammengesetzten, fröhlichen House-Remixe, die von einem strengeren Techno inspiriert sind, haben sich die Beiden einen Namen gemacht und zählen heute zu den begehrtesten deutschen DJs. Fragen/Antworten zu ihrer Zusammenarbeit, ihrer letzten EP White Fiction und der Dokumentation Pan-Pot. Back to Back, die beide gerade auf den Markt gekommen sind. Eine Balance aus Lachen, Freude und (viel) Arbeit.

Mit dem Panoramaregler oder Pan Pot, wie euer DJ-Name, wird die Lautstärkenverteilung eines Audiosignals auf zwei Kanäle geregelt. Arbeiten Sie so wie ein Pan-Pot, nämlich, dass zwei Musiker ein Stück regeln… daher der Name?

Thomas: Der Name Pan-Pot passt perfekt für ein DJ Duo, da wir uns wirklich gut "eingepegelt" haben.

Anja Schneider von Mobilee Records sagte, dass der Grund für euren Erfolgt die Chemie zwischen euch sei. Was halten Sie davon?

Tassilo: Die Chemie zwischen uns ist mit Sicherheit ein Teil des Erfolges, da wir uns gut ergänzen. Allerdings glauben wir eher an harte Arbeit und Kontinuität als nur an Chemie.

Seit dem erfolgreichen Album Panorama (2007) haben Sie viele Singles, Remixe und EPs produziert, aber kein Album. Ist ein neues Album in Planung??

Tassilo: Wir haben 2012 die Back to Back Compilation produziert und an unserem 60-minütigen Dokumentarfilm gearbeitet, was vom Zeitaufwand her einem Albumprojekt ähnelt.

Thomas: Leider haben wir aus ständigem Zeitmangel kein weiteres Album nach Pan-O-Rama veröffentlicht. Wir sind aber weiterhin fleißig und versuchen sobald wie möglich wieder eins zu veröffentlichen..

Jetzt ist die frische EP White Fiction herausgekommen. Was wollten Sie bezüglich Ton und Rhythmus genau erreichen?

Tassilo: Hauptsächlich wollen wir, dass Leute tanzen. Die "White Fiction" EP ist eine Kombination aus unterschiedlichen Genres. White Fiction ist ein Tech-House orientierter Dance Track, eher minimal und düster gehalten mit Pan-Pot eigenen Vocals, die an unsere früheren Tracks anknüpfen sollen. Mental Rush ist ein perkussiver Techno Track, der sich mit zwei gegeneinander- aber doch miteinander laufenden Hooklines zu einem Höhepunkt aufschaukelt und dann in sich zusammenfällt.

Thomas: Kepler ist ein Dupstep Track, den wir als Spaß-Track und nicht als ausschlaggebend für unser Schaffen ansehen, sondern eher als Experiment und als künstlerische Freiheit. Deshalb gibt es auch einen Sidney Charles Remix dazu, der das Original tanzbar macht.



Im Dokumentarfilm Pan-Pot - Back to Back (2012) sagt Tassilo, dass Sie zusätzlich zur Musik immer mehr mit Business zu tun haben. Wie erleben Sie diese Mischung aus Kreativität und Business?

Tassilo: Leider müssen wir immer häufiger geschäftliche und weniger künstlerische Entscheidungen treffen. Wir arbeiten aber stark daran, dies zu ändern. Wir arbeiten aber stark daran, dies zu ändern.
Wenn es nach uns gehen würde, würden wir den ganzen Tag nur Musik machen und mit Synthesizern und Drum Machines arbeiten. Jedoch müssen wir uns wegen des wachsenden Erfolgs und Interesses des Publikums uns mehr und mehr organisatorischen und geschäftlichen Themen widmen.

Sie sind beide nach Berlin gezogen und heute eng mit dieser Stadt verbunden. Wie hat sich seitdem Ihre Beziehung zu Berlin verändert?

Thomas: Ich glaube wir beide wollten schon immer nach Berlin und sind trotzdem sehr heimatnah und verbunden mit den Orten, wo wir herkommen.
Berlin gibt uns natürlich die gewisse künstlerische Freiheit und die Plattform genau das auszuleben und zu tun, was wir beide gerade machen. Ich glaube die Stadt durchlebt einen extremen Wandel im positiven Sinne und wir sind froh ein Teil davon zu sein, vielleicht sogar das Gefühl zu haben dort etwas mitzubewegen. Daher würde ich sagen "Ick bin ein Berliner!"

Sie werden am 25. Januar in Montréal auflegen, draußen, im Winter -20 °C, wo Leute in Skianzügen tanzen. Freuen Sie sich darauf?

Tassilo: Also von -20 Grad hat uns keiner etwas erzählt. Am besten haltet ihr schon einmal ein paar Skianzüge für uns bereit und genügend Glühwein.

Thomas: Wir freuen uns auf alle Fälle auf das Igloofest, alleine der Name verspricht schon Besonderes.

(Die deutsche Version folgt unten)

Le set du DJ techhouse Mathias Kaden de Iéna en Allemagne a été un des moments forts de l'ouverture du festival Igloofest la fin de semaine dernière. Arrivé à Montréal par un froid glacial, le DJ très connu de l'étiquette "Freude am Tanzen" en a profité pour visiter le Goethe-Institut et nous parler de son objectif de réchauffer le public avec son unique "samba minimale" et comment on retrouve parfois dans ses morceaux des chants d'oiseaux dissimulés...
Entretien réalisé par Astrid Deixler

Vous jouerez à Igloofest au Vieux-Port de Montréal, dehors, en hiver à -20°C, où les gens dansent en habit de ski. Avez-vous hâte et comment vous êtes-vous préparé?

Oui, je m’en réjouis. Ma musique est très énergique et je crois qu’elle est parfaite pour ce contexte. Aussi, je ne laisse personne se reposer dans mes sets! Je ne me suis pas préparé différemment qu’à l’habitude sauf que j’ai apporté des bottes en extra ainsi que des sous-vêtements de ski au cas où il ferait trop froid!

Aviez-vous déjà entendu parler de ce festival?

Je connais Igloofest depuis son tout début, il y a sept ans. J’ai de nombreux amis canadiens à Berlin avec lesquels j’en ai souvent discuté. Qu’il fasse si froid durant ce festival rend tout cela très beau. Je suis bien heureux d’être enfin de la partie

Dans une entrevue à propos de votre album « Studio 10 » (2010), vous aviez mentionné que tous les morceaux doivent être « intemporels ». Que vouliez-vous dire?

C’est important pour moi de ne pas récupérer la tendance actuelle. Par exemple, il y a certains sons ou rythmes qui, une fois qu’on les entend, nous conduisent directement à 2012. J’essaie le plus possible d’éviter ça. Ma musique doit être conçue de façon intemporelle, c’est-à-dire qu’en l’écoutant on pourrait penser qu’elle a été produite il y a dix ans ou même dans dix ans. On peut bien sûr se disputer à ce sujet…




Vous avez parfois décrit votre musique comme « Minimal Samba » ou « House funkadélique ». Dans tous les cas, on y trouve beaucoup d’influences d’Amérique latine et d’Afrique. Quelle importance accordez-vous à celles-ci?

Je me suis fait prendre à mon propre jeu! En fait, j’ai inventé ce terme. Si j’avais répondu à la question de savoir quel est mon style de musique un mélange de house et de techno, personne ne m’aurait questionné davantage. Maintenant, on m’interroge à propos de ce Minimal Samba qu’aucun autre DJ ne produit. J’utilise beaucoup de sonorités influencées par l’Amérique latine et je travaille avec différentes sortes de bongos; peut-être un peu moins depuis trois ans cependant. J’adore jouer des morceaux avec des percussions et des rythmes différents, c’est le plus intemporel qui existe!

Vous travaillez à un nouvel album : comment avance le projet ?

Très bien. Le projet créé avec le band de mes amis « Marcel Rocel » s’appellera « Karocel ». Mon percussionniste, Michael Nagler, y figure également. L’album sortira en juin prochain. Pour le plaisir, j’ai nommé ce projet « Uptempo-Jazz ». Personne ne sait exactement de quoi il en retourne, mais disons qu’en principe c’est très house. C’est de la musique house qui n’est pas jouée lors d’une performance en direct ou par un DJ, mais par un sextet avec piano, saxophone, du chant et des percussions. Tous les rythmes de fond sont de mon ressort.

On parle beaucoup d’un « Sound of Berlin ». L’étiquette « Freude am Tanzen » est établie à Iéna où la scène musicale est très vivante avec des musiciens comme Krause Duo ou Marek Hemmannn. Diriez-vous qu’il y a un « Sound of Iena »?

J’ai toujours nié cette appellation, mais entre-temps peut-être que ce son existe-t-il vraiment. Sur notre label, nous avons tous une sonorité particulière. Marek sonne différemment de moi et je sonne autrement que Krause Duo; cela sans compter Monkey Maffia, Douglas Reed et Taron Trekka. Nous sommes une équipe mais chacun a son style et élabore sa propre cuisine (kocht seine eigene Suppe), pour reprendre l’expression de notre compilation parue récemment (FAT5zig Compilation, 2012).



Quelles différences existent-t-ils entre les scènes de Iéna et Berlin?

Je pense que nous sommes davantage libres et moins influencés. À Berlin, on est inspiré et influencé trop rapidement parce qu’il s’y passe tellement de choses. Toute la nouveauté provient de Berlin étant donné que tous les artistes y habitent. Nous sommes à l’inverse plus indépendants, ce qui nous procure plus de liberté pour expérimenter.

Vous êtes bien impliqué dans « Freude am Tanzen ». Que cherchez-vous à atteindre ?

Je participe à la sélection musicale de l’étiquette fondée en 1998 et auquel je me suis joint en 2001 avec Marek Hemmann. Nous essayons de faire notre travail indépendamment des tendances et de publier une musique pour cette étiquette même si nous savons qu’elle ne sera pas un énorme hit. L’important pour nous est d’abord de conserver notre autonomie. Je crois que nous produirons encore pour longtemps. Plusieurs des étiquettes qui surfent à partir des tendances finissent par disparaître : cela ne nous arrivera pas! Si nous continuons à travailler de manière régulière, l'étiquette vivra longtemps; ce qui est d’ailleurs le but en plus d’offrir aux DJs une option musicale différente.

Le philosophe allemand Nietzsche a dit: "Sans la musique, la vie serait une erreur." Qu’en pensez-vous?

C’est vrai. Par ailleurs, je crois qu’un monde sans musique serait impossible. La musique se trouve partout même lorsqu’on ne l’a pas créée : une feuille tombe d’un arbre, il se forme déjà un certain rythme et si on ajoute à cela quelqu’un qui cause un bruit de fond, on pourrait presque obtenir une musique expérimentale. Pour ma part, je m’inspire souvent des bruits et des sons quotidiens; ce que j’ai fait surtout pour mon premier album. Par exemple, le morceau « Chazz » est constitué de bruits environnants : le kick drum provient de ma bouche, le bruit de train est celui qui passe devant chez moi, j’ai enregistré la descente de ma fenêtre d’auto et tout le beat de fond consiste en pièces de monnaie et des cuillères qui s’entrechoquent. Très souvent dans mes morceaux j'insère des chants d’oiseaux, tout simplement, pour qu’un certain sentiment d'espace apparaisse. En fait on ne les entend pas vraiment, mais si je pose la question « entends-tu l’oiseau qui chante? », on parvient à les remarquer.



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Das Set des House- und Techno-DJs Mathias Kaden aus dem deutschen Jena war eines der Highlights am Igloofest-Eröffnungswochenende. Einen Tag vor seinem Auftritt beim Igloofest hat uns der DJ vom Label „Freude am Tanzen“ im Goethe-Institut besucht und uns erzählt, wie er dem Montrealer Publikum mit Minimal Samba gegen die Kälte einheizen will und warum man in seinen Stücken zuweilen Vögel zwitschern hört.
Interview von Astrid Deixler

Du wirst morgen beim Igloofest im Vieux Port in Montréal auflegen, draußen und bei winterlichen Temperaturen um die -20°C. Freust du dich darauf und wie bereitest du dich auf die Herausforderung vor, dem Publikum bei dieser Kälte einzuheizen?

Ja, ich freue mich wirklich sehr darauf. Meine Musik ist immer energiegeladen und ich lasse den Leuten in meinen DJ-Sets kaum Platz zum Ausruhen, ich glaube also, das wird das Richtige sein. Daher habe ich mich nicht anders als sonst vorbereitet, habe mir aber anderes Schuhwerk und Ski-Unterwäsche mitgenommen, falls es doch zu kalt wird!

Du warst vor ein paar Jahren schon mal fürs MUTEK-Festival hier in Montréal, morgen bist du zum ersten Mal beim Igloofest. Hast du davor schon von diesem einzigartigen Festival gehört?

Ich kenne das Igloofest bereits, seit es vor sieben Jahren zum ersten Mal stattgefunden hat und freue mich sehr, endlich dabei zu sein. Mit kanadischen Freunden, die in Berlin wohnen, habe ich schon oft über das Igloofest gesprochen.



In einem Interview über deine LP « Studio 10 » (2010) hast du gesagt, dass alle Stücke « timeless » klingen sollen. Was genau meinst du damit und warum ist dir das so wichtig?

Mir ist es wichtig, dass ich nicht den aktuellen Hype aufgreife. Meine Musik soll möglichst zeitlos gestaltet sein, das heißt, wenn man das Stück hört, könnte es vor zehn Jahren, aber auch in zehn Jahren gemacht worden sein – ob das nun wirklich so ist, darüber kann man natürlich streiten. Es gibt aber gewisse Klänge oder Rythmusrichtungen, wenn man die anwendet, hört man genau, das ist 2012 entstanden – das versuche ich absolut zu vermeiden, deswegen zeitlos.

Du beschreibst deine Musik manchmal als „Minimal Samba“ oder „Funkadelic House“. Auf alle Fälle gibt es darin viele Einflüsse aus Afrika und Lateinamerika. Warum sind diese Einflüsse für dich wichtig?

Da hab ich mir was eingebrockt! (lacht) Das habe ich extra gesagt, weil „Minimal Samba“ einzigartig und viel interessanter klingt als zu sagen, ich mache eine Mischung zwischen House und Techno. Ich benutze viele Einflüsse aus Lateinamerika und arbeite viel mit verschiedenen Conga- oder Bongoarten, wenn auch seit zwei, drei Jahren etwas weniger. Ich mag es sehr, verschiedene Percussion- und Rhythmusarten aufzulegen, das ist das zeitloseste, das es gibt.

Du arbeitest gerade an einem neuen Album. Wie läuft’s bis jetzt?

Sehr gut, das ist wirklich ein interessantes Projekt. Ich habe mich dafür mit Freunden von mir, deren Band Marbert Rocel heißt, und meinem Percussion-Spieler Michael Nagler zusammengetan und unsere Formation heißt „Karocel“. Unser Album wird im Juni erscheinen und ich nenne es aus Spaß „Uptempo-Jazz“, weil niemand weiß, was das sein soll. Im Prinzip machen wir House-Musik, die aber nicht von einem DJ oder einem Live-Act gespielt wird, sondern von einer sechsköpfigen Band mit Klavier, Saxophon, Gesang und Percussions. Ich kümmere mich komplett um die Grundrhythmen.

Häufig ist von einem „Sound of Berlin“ die Rede. Dein Label « Freude am Tanzen » kommt aus Jena, wo es eine ziemlich lebendige Musikszene mit zahlreichen Musikern und DJs wie Krause Duo oder Marek Hemmann gibt. Würdest du sagen, es gibt auch einen « Sound of Jena » ?

Ich habe das eigentlich immer verneint, aber mittlerweile vielleicht schon. Wir sind zwar ein Team, aber haben alle einen unterschiedlichen Sound: Deswegen war auch das Motto unserer letzten „Freude am Tanzen“-Compilation, dass jeder „seine eigene Suppe kocht“ (FAT5zig Compilation, 2012). Jeder macht sein eigenes Ding, aber es gibt einen „Sound of Jena“: Man hört sofort einen Beat von Marek Hemmann raus, auch einen von Krause Duo, vielleicht auch meinen.



Was ist in Jena anders als in Berlin?

Ich denke, wir sind viel freier und werden nicht so viel beeinflusst – in Berlin wird man häufig zu schnell inspiriert, weil dort so viel stattfindet. So gut wie alles Neue in der Szene wird in Berlin geboren, weil dort ja fast alle Künstler wohnen. Wir dagegen sind ziemlich unabhängig, was uns auch mehr Raum gibt, zu experimentieren.

Du bist mit deinem Label « Freude am Tanzen » ziemlich beschäftigt. Was möchtest du durch diese Arbeit erreichen?

„Freude am Tanzen“ besteht seit 1998, ich bin 2001 dazugekommen und bin an der Musikauswahl beteiligt. Wir versuchen, unabhängig von den großen Hypes unser eigenes Ding durchzuziehen und releasen daher auch Musik, die vielleicht kein Superhit wird, aber von der wir einfach finden, dass sie gut zum Label passt. Wichtig ist uns, dass unsere Eigenständigkeit erhalten bleibt – ich denke, wir machen das schon so lange, uns wird es auch noch die nächsten zwanzig Jahre geben. Viele Labels gehen mit dem großen Hype, in dem sie mitschwimmen, unter, das wird uns nicht passieren. Wenn wir weiterhin so konstant arbeiten, dann gibt es das Label ewig, was eigentlich auch das Ziel ist – und vielleicht auch mal den DJs einen kleinen Impuls zu geben, dass es auch noch andere Musikrichtungen gibt und nicht nur das, was gerade aktuell ist.

Wahrscheinlich kennst du schon das Nietzsche-Zitat „Ohne Musik wäre das Leben ein Irrtum“. Was hältst du davon?

Ja, stimmt. Ich glaube, eine Welt ohne Musik wäre gar nicht möglich. Es ist überall Musik, auch wenn man sie gar nicht kreiert: Allein, wenn ein Vogel zwitschert, ein Auto vorbeikommt, das rattert und man steht daneben – im Prinzip könnte das schon fast ein Musikstück werden. Oder wenn ein Blatt am Baum weht, dann gibt’s ja schon einen Rhythmus – und wenn dazu jemand im Hintergrund redet, könnte es eine experimentelle Musik sein. Ich reise eigentlich immer mit dem Aufnahmegerät und lasse mich auch von Alltagsgeräuschen für meine Musik inspirieren, vor allem für mein erstes Album habe ich das gemacht. Zum Beispiel ist das Lied „Chazz“ ausschließlich aus Umweltgeräuschen entstanden: Der Kickdrum ist mein Mund, mein Autofenster und die Bahnschranke vor meinem Haus kommen vor, der komplette Grundbeat sind Münzen und Löffel. Ganz oft habe ich in meinen Titeln auch Vogelgezwitscher im Hintergrund, einfach nur, damit Raum entsteht. Eigentlich hört man es nicht, aber wenn ich sage „hörst du einen Vogel zwitschern“, dann fällt es einem auf.

Le premier morceau sur Ghosts, le dernier album de l’artiste allemand Monolake (Robert Henke), donne le ton. Une voix robotique s’exprime : « You do not exist.» Mais, peut-on se demander, qui ou qu’est-ce qui n’existe pas au juste? Des fantômes ? Quelqu’un hallucinant des fantômes ? Et ces derniers, quels seraient-ils ?
On cherche à répondre tout au long de l'écoute des douze morceaux qui oscillent entre des moments sonores nettement contemplatifs et d’autres plus exploratoires, aux rythmes lourds et abrasifs. Si la tonalité varie, l’atmosphère, elle, reste uniforme avec une puissante anxiété spectrale. «You do not exist… Anymore.» Constat, espoir ou délivrance devant ces fantômes ? À vous de le découvrir en sillonnant cet album complexe, exécuté avec ce contrôle et cette mesure qui ont consacré Monolake comme un des grands musiciens électroniques des dernières décennies. Robert Henke nous a parlé de son album, de sa présentation live, de ses fantômes et de sa conception de la musique lors de son passage au festival de musique électronique MUTEK, le printemps dernier.

Contrairement à l’album "Silence" paru en 2009, "Ghosts" contient davantage d’accents dub et sonne plus dramatique et robuste. Cherchiez-vous à nous faire peur avec cet album?

(Rires) Tout d’abord, je dois dire que je fais de la musique pour moi. Lorsque je compose, la musique reflète ma sensibilité et mon état d’âme. Une partie de cet album consiste certainement en une sorte d’exorcisme, par exemple le morceau « Ghosts », et réfère à l’état dans lequel j’étais lors de sa composition. La musique est un bon moyen pour digérer ce genre d’état...
Il y a aussi un lien avec le texte que j’écris en ce moment : un long fragment de science-fiction. L’album en contient un extrait, mais très succinct. J’aimerais composer un troisième album qui se rattacherait aux compositions Silence et Ghosts. L'idée de réunir cette histoire avec de la musique me plait énormément. En fait, le concept derrière l’album Ghosts s’est révélé au fur et à mesure. J’ai débuté par prendre des notes à propos des fantômes, j’ai lu sur le sujet tout en continuant à écrire mon texte. Il y a des morceaux sur l’album qui renvoient à cette histoire ou encore à mes lectures sur le sujet.



Vous avez voulu accompagner cet album d’une performance live plus poussée, avec une projection vidéo composée par l’artiste Tarik Barri. Que vouliez-vous atteindre avec ce projet visuel ?

La justification est de nature très pragmatique. Sur la scène, je voulais garder le contrôle des images projetées lorsque ma musique est jouée. Je voulais que les projections correspondent à ma musique, à l’album Ghosts en l'occurence. J’ai donc travaillé le visuel avec mon ami Tarik dont j’admire beaucoup le travail et avec qui j’avais déjà collaboré en tournée. L’esthétique visuelle est apparue à la suite de discussions sur l'apparence à donner à cette musique.
Tout le visuel du concert est à vrai dire un commentaire sur la musique, à un autre niveau et aussi en lien avec ce texte sur lequel je travaille: une sorte de science-fiction policière dans laquelle les recherches de scientifiques entrent en conflit avec des énergies fantomatiques qui produisent des effets imprévisibles et incompréhensibles pour leur raison scientifique.
L’album Ghosts traite beaucoup d’émotions et de peur. Le morceau «Aligning the Deamon» aborde le conflit entre l’ordre techno-scientifique, la croyance en lui, la science et la peur de perdre le contrôle de cette science. Ghosts in the machine… Un thème qui me fascine. Comment se produisent des erreurs techniques, comme Tchernobyl ou Fukushima ? C’est très fantomatique ! Une petite chose s’enchaîne à une autre et soudainement, la catastrophe. La projection vidéo joue avec tout cela. Certains éléments y apparaissent comme images de failles technologiques ou encore de calculs de données scientifiques.

Votre travail est très acoustique et immersif. Trouvez-vous un tel travail plus difficile à présenter aujourd’hui?

Je suis un optimiste culturel (Kulturoptimist). Pour plusieurs personnes, la musique n’est pas si importante. Pour plusieurs, la musique remplit une fonction sociale extérieure à la musique elle-même. Il y a aussi ceux qui s’intéressent à la musique : il y en a toujours eu et il y en aura toujours. Bien sur, certains écoutent au passage de la musique sur You Tube. En même temps, certains sont très heureux de retrouver sur You Tube des vieux morceaux devenus introuvables. C’est formidable ! Je n’ai pas l’impression que cette supposée dévalorisation de la musique existe vraiment. Je ne la vois pas.



Cependant, pour la jeune génération, souvent, écouter de la musique sur leur ordinateur sans véritable système de son suffit…

Oui, mais ils écoutent et téléchargent beaucoup de musique ainsi que des programmes pour en composer. Ils se questionnent pour parvenir à créer tel ou tel genre de musique. La curiosité est encore présente. Le fait que chacun puisse composer de la musique est magnifique ! Je ne crois pas que ce soit une évolution négative.

Plusieurs disent que la création de musique devient trop facile grâce aux logiciels. Certains proclament même un retour à la composition avec des instruments analogiques ! Qu'en pensez-vous?

N’importe qui peut prendre un crayon et dessiner quelque chose. Toutefois, certains peuvent dessiner quelque chose de grandiose tandis que d’autres ne peuvent tout simplement pas dessiner. Bien entendu, chacun peut créer de la musique. Cela signifie aussi que davantage de personnes sont en mesure d’évaluer la quantité de travail derrière chaque composition. Les jeunes de 15 ans qui ont grandi avec un ordinateur peuvent évaluer rapidement si un morceau est sans valeur ou s’il contient beaucoup de travail et d’efforts. Ils le reconnaissent immédiatement. C’est une génération qui connaît mieux la complexité de la musique.

Il suffit pour cela de suivre un seul cours à propos du logiciel Ableton pour s’en rendre compte…

Certains composent de la musique extrêmement complexe. Les vieux disent : « Ah ! Les jeunes ne font plus rien ! » Lorsqu’il s’agit de la musique, ce n’est pas vrai du tout. Les jeunes apprennent toujours à jouer d’un instrument, ils jouent dans des groupes, bref tout cela se produit encore. S'ils ne font pas cela, ils font par exemple du skate. Près de chez mois, chaque jour, des jeunes pratiquent ce sport quatre heures par jour, jusqu’au moment leur technique fonctionne. C’est épatant ! Si des jeunes comme ça existent, ils en existent aussi qui fournissent cet effort pour la musique, ceux qui essaient cent fois de créer un son particulier jusqu’à ce qu’il soit parfait.



Le philosophe allemand Nietzsche a écrit: « Sans la musique la vie serait une erreur.» Qu’en dites-vous?

Umm… (Long silence). La musique est une forme d’art très particulière. Par rapport à la nature, la musique est quelque chose d’abstrait. La peinture s’occupe des images, le théâtre raconte une histoire, le cinéma est à la fois de l’histoire et de la peinture. La musique comme telle est quelque chose de complètement abstrait, peu importe le style. C’est un art unique parmi les formes d’art et c’est justement pour cette raison que je le trouve si captivant. Cette abstraction, chacun peut se l’approprier. La musique permet davantage d’interprétation que les autres formes d’art et je crois que c’est pour cette raison que la musique fascine autant, parce qu’elle est tellement ouverte.

Site web de Monolake

Nietzsche disait que toute œuvre d’art résulte de la lutte féroce entre Apollon et Dionysos, les deux forces à l’œuvre dans toute création artistique. Inspiré par le dernier écrit du philosophe, l’opéra Dionysos - Scènes et Dithyrambes. Un opéra fantastique du compositeur et librettiste allemand Wolfgang Rihm en est un bel exemple. Imaginez un instant le combat : un opéra reporté trois fois à cause des aléas de la création échelonnée sur plus de quinze ans… Puis soudain, vlan! En moins de six mois, Rihm termine son opéra et ouvre le Festival de Salzbourg de 2010 en grande première mondiale; consécration. Bacchus lui-même serait surpris de ce déroulement.

Cet événement, la réalisatrice Bettina Ehrhardt l’a immortalisé. Elle est à Montréal pour présenter à la 30e édition du Festival international des films sur l’art (FIFA) le film en compétition officielle Je suis ton labyrinthe ? - Wolfgang Rihm. Nietzsche. Dionysos, qui plonge le spectateur dans le processus créatif de l’opéra entrecoupé d'une fiction insufflée par les derniers moments de la vie de Nietzsche. Par ailleurs, le Goethe-Institut projette la captation de deux heures de l’opéra que Ehrhardt a réalisée. Entretien en deux parties avec celle qui a observé, suivi et filmé l’éclosion dionysiaque de cet opéra couronné en Allemagne « Opéra de l’année 2010 ».



Dionysos ou l’écriture d’un opéra fantastique
En raison des renvois à plus tard ainsi que des difficultés liées à la composition comme telle de l’opéra, Wolfgang Rihm vivait une sorte de crise avec le projet Dionysos. Toutefois, après quinze ans d’insuccès, tout se bouscula : un engagement fut pris en décembre 2009 avec le Festival de Salzbourg, Rihm fit tabula rasa de tout le travail accompli, recommença et termina en avril 2010 presque tout le livret. Quelques semaines plus tard débutèrent l’orchestration et les répétitions de l’opéra en vue d’une présentation au festival tenu en juillet. Ouf!

Si l’écriture et la production de l’opéra Dionysos ne furent pas de tout repos, on peut en dire autant de la réalisation du documentaire et de la captation de l’opéra. « Ce fut une grande aventure! », avoue d’entrée de jeu Bettina Ehrhardt. Elle qui connaissait déjà le compositeur savait que ce dernier travaillait sur un projet d’opéra depuis longtemps. La réalisatrice avait d’ailleurs déjà entrepris des démarches pour obtenir les droits de filmer l’opéra. « Un véritable combat, conclut-elle. Pour la télévision, la musique contemporaine n’est pas ce qui attire le plus de cote d’écoute. »

Dès avril, Bettina Ehrhardt débute le tournage et les interviews. Wolfgang Rihm, qui n’avait pas complété le livret lui dit alors : « Comment voulez-vous que je parle de quelque chose que je n’ai pas encore terminé! » Qu’à cela ne tienne, la réalisatrice réussit malgré tout à suivre Rihm alors à Salzbourg, à filmer les répétitions et à interviewer les chanteurs Johann Martin Kränzle, Mojca Erdmann et Matthias Klink, le scénographe et enfant terrible de l’art contemporain allemand Jonathan Meese, le metteur en scène Pierre Audi et le chef d’orchestre Ingo Metzmacher. « C’était de la passion pure et c’est ce que j’ai cherché à filmer.»


Le labyrinthe de Nietzsche
Le recueil Dionysos-Dithyramben (Dithyrmabes à Dionysos) de Nietzsche constitue le dernier travail qu’il a édité avant de perdre la raison en janvier 1889. C’est ce texte, écrit à la limite de l’effondrement, qui a fourni les mots et l’inspiration pour l’opéra de Rihm. Lorsque Bettina Ehrhardt aborde cet épisode malheureux, sa voix douce et calme se remplit de compassion. « Les poèmes que Nietzsche a écrits à Sils-Maria sont très, très touchant. C’est passionnant de voir comment Rihm a travaillé avec cette poésie qui se laisse interpréter de plusieurs façons. » Pour la réalisatrice, il importait de situer et présenter ces moments dans le documentaire à la fois parce que Rihm s’en est inspiré, mais aussi pour que le film ne soit pas confiné à l’opéra et aux rues de Salzbourg. « Cela n’aurait eu aucun sens », tranche-t-elle.


Tourné dans les montagnes de Sils-Maria en Suisse, au lac Silvaplana et sur le rocher pyramidal près de Surlei, le film dévoile le décor fantasmagorique où Nietzsche eut plusieurs illuminations philosophiques. Des citations bouleversantes et évocatrices se superposent aux images splendides et bouclent ce portrait émouvant. « Sils-Maria était très important pour Nietzsche. J’ai cherché une manière d’en parler en insérant des poèmes ou des phrases écrites à cette époque. Avec ces citations, je pense que tout est dit », résume Bettina Ehrhardt. « Ces phrases extraordinaires traduisent l’état et la mentalité de Nietzsche. » Un bref silence, puis elle rajoute : « Une phrase me touche particulièrement lorsqu’il écrit : "Pendant un moment je baignais dans ma propre lumière et maintenant, c’est terminé." Ce pressentiment qu’il allait devenir malade est sidérant; cette intuition d’être en péril. »

Ce documentaire situe de manière admirable tous les éléments utiles à lacompréhension de ce complexe opéra contemporain à la réalisation presque tragique. C’est d’ailleurs ce qui captive Bettina Ehrhardt, une réalisatrice avec plusieurs documentaires musicaux à son actif. « Je suis toujours fasciné par ces situations qui sont comme des points de cristallisation. Ces instants où dans une phrase ou un moment particulier se concentre une complexité de sens à la fois riche en signification et très claire. » Que les dionysies commencent!

Site web: Ich bin dein Labyrinth. Wolfgang Rihm.Nietzsche. Dionysos - Ein film von Bettina Ehrhardt (En allemand)

P.s. À suivre : un portrait de la réalisatrice Bettina Erhhardt.

Lyonel Feininger (1871-1956), un artiste aux talents multiples : dessinateur, peintre, photographe et musicien. La rétrospective, la première en Amérique du Nord depuis 50 ans, que lui consacre le Musée des beaux-arts de Montréal jusqu’au 13 mai le prouve bien. Elle permet de parcourir l’œuvre impressionnante de cet artiste, né aux Etats-Unis de parents allemands, tous deux musiciens. D’ailleurs, la musique a occupé une place centrale dans la construction de l’univers artistique, du grand carnaval de Feininger. À ce sujet, Une fugue au Musée, l’événement musical de l’exposition élaboré par la Fondation Arte Musica, proposa la semaine dernière un captivant programme autour de celui qui a fortement inspiré l’artiste : Johannn Sebastian Bach. Après tout que serait un carnaval sans musique !


D’abord connu par ses caricatures et ses dessins publiés dans de nombreux magazines américains et allemands, Feininger s’est par la suite démarqué en peinture. Il a traversé les mouvements artistiques du début du XXe siècle et s’est imposé aux côtés d’autres grands artistes, comme Matisse et Klee. Bien qu’il ait pratiqué d'autres formes d'art, la peinture demeura son medium d’expression et de recherche formelle par excellence. Si les fugues de Bach ont été pour Feininger une indéniable source d’inspiration pour ses compositions, à la fois picturale et musicale, il faut cependant préciser que ce n’est pas la seule source à laquelle a puisé ce peintre aux nationalités américaine et allemande.

Pour Ulrich Luckhardt, directeur de la galerie des classiques modernes au Hamburger Kunsthalle en Allemagne et spécialiste reconnu de l’oeuvre de Feininger, la musique n’est pas tout pour Feininger. Court entretien avec celui qui présente une approche différente de l’œuvre de Feininger et un élément important, voire l’élément fondamental à l’origine de l’autonomie esthétique du peintre-musicien Lyonel Feininger.

Vous avez beaucoup écrit sur Feininger. Pour quelles raisons vous êtes-vous intéressé à cet artiste ?

Après la Deuxième Guerre mondiale, Feininger était très populaire à titre d’artiste moderne „tempéré“. Son oeuvre avait été condamnée par les Nazis comme „dégénérée“ et pour la jeune génération de l’époque, des soldats ou des prisonniers de guerre qui rentraient alors en Allemagne, l’art moderne était quelque chose de complètement nouveau. Comme les motifs des oeuvres de Feininger étaient reconnaissables et que ses compositions n’étaient jamais dénuées d’objet, ses tableaux ont rapidement été reproduits en grande quantité sous forme de gravures, de calendriers et de cartes postales. J’ai grandi dans ce genre de famille, où les reproductions des tableaux de Feininger étaient simplement toujours présentes.

Je me suis intéressé à l’art de Feininger pendant mes études lorsque j’ai découvert qu’il existait un „Feininger avant Feininger“, c’est-à-dire le caricaturiste.

Il s’agit de la première rétrospective de l’oeuvre de Feininger en Amérique du Nord depuis 50 ans. Comment expliquer cette longue attente ?

Aux yeux du public américain, Feininger était un peintre allemand. Le goût artistique nord-américain est aussi très francophile. L’art allemand a toujours éprouvé quelques difficultés aux États-Unis (à l’exception de l’art contemporain). Le Whitney Museum of American Art a récemment redécouvert le citoyen américain Feininger en tant qu’artiste.

Feininger est né en Amérique et il y est resté jusqu’à l’âge de 16 ans avant de quitter pour l’Allemagne. Il est resté attaché à l’Amérique tout en développant une appartenance à l’Allemagne. Comment décririez-vous cette double identité culturelle de Feininger ?

Feininger était citoyen américain, mais ce sur quoi toute son oeuvre repose provient de l’Allemagne et de la France. Il parlait couramment les trois langues. Son identité ne se laisse certainement pas réduire à une seule nationalité.

À l’origine, la littérature

Selon vous, le tableau « Émeute » est un point tournant dans l’œuvre de Feininger. Pourquoi?

« Émeute » est un exemple qui montre comment la composition et le contenu des premières oeuvres de Feininger renvoient à la littérature, dans ce cas-ci à la littérature française du 19e siècle. « Émeute » n’est pas l’illustration d’un modèle littéraire, mais bien une proposition artistique à part entière. Ainsi, pour la première fois dans son oeuvre, Feininger a trouvé des contenus autonomes.

Outre dans ses illustrations, le nom de Feininger n’est pas du tout associé à une oeuvre qu’on pourrait qualifier de «sociale», comme celle de certains peintres de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité). Est-ce un aspect de son oeuvre sur lequel on n’a pas assez insisté?

Je ne crois pas qu’il s’agisse pour Feininger de créer des contenus à caractère „sociaux“. Bien entendu, ces contenus sont fondamentaux pour cette littérature française du 19e siècle. Toutefois, dans la composition des tableaux de Feininger, ils demeurent sans importance.

Justement, comment expliqueriez-vous la relation, ou plutôt l’absence de relation chez Feininger avec la Neue Sachlichkeit?

Le mouvement de la „Nouvelle objectivité“ s’est toujours orienté sur la réalité sociale et l’a représentée. Pour Feininger, l’origine se trouve dans la littérature en tant qu’art et non en tant que réalité.

Ce positionnement de Feininger serait-il attribuable à sa spiritualité, à sa vision du monde (Weltanschauung)?

Je ne crois pas que Feininger ait eu une vision du monde. Avec „Émeute“ et d’autres oeuvres similaires, un monde artistique singulier s’est élaboré et ce dernier est demeuré longtemps caché jusqu’à ce que lien avec la littérature puisse être établi. Cela n’a rien à voir avec une spiritualité.

D'après vous, quelle est la quête ultime de l’artiste Feininger, depuis les caricatures jusqu’aux photographies et œuvres musicales?

Quelle est la dernière quête d’un artiste? Vraisemblablement le traitement artistique d’un instant respectif.

Depuis presque deux décennies, Ben Klock est une figure incontournable du techno allemand. Album, mix, remix, gestion de son étiquette, tournée et résidence au club berlinois Berghain décrivent la vie de cet artiste très sollicité. S’il y a bien une chose qui le distingue, outre ses DJ-sets épiques de plusieurs heures (parfois 8 ou 11 heures!), c’est l’importance qu’il accorde dans ses morceaux à la mélodie. Bien sûr le beat, mais superposé ou pigmenté de cette touche sensible et élévatrice qu’est la mélodie; parfois discrète en arrière champ ou bien mise en évidence. L’exploration qu’il fait avec le techno donne des résultats hypnotiques savamment orchestrés et avec un groove indéniable. Que ce soit avec des morceaux plus minimaux, ambiants ou durs, celui qui a jadis voulu être un pianiste jazz conduit le techno dans des sphères d’une qualité sonore exceptionnelle. Il a accepté de répondre à nos questions par courriel en vue de sa visite à Igloofest en compagnie de Marcel Dettmann pour un set en tandem de quatre heures... Achtung!

-Vous avez dit dernièrement dans une entrevue : « Techno is very popular at the moment, but I hope there will be some fresh ideas soon. … I definitely feel a lack of soul in many productions at the moment. »
Quelle serait cette âme dont vous parlez?

Ce que je veux dire, c’est que l’on sent que quelque chose de distinctif, d’authentique se transmet, que l’on perçoit l’artiste. Il existe une panoplie de styles en techno, c’est comme s’ils étaient faits d’après un patron. La musique provenant d’une machine doit montrer l’être humain derrière. Même la musique électronique dure peut toucher le cœur.

-On sent une attention porté aux mélodies dans votre travail, par exemple avec Init One sur l’album « One », Compressions Session 1 ou encore avec le récent Red Alert. Pourquoi cet aspect mélodique est-il si présent ?

C’est ma spécificité. Enfant et adolescent, j’ai joué du piano et les séquences mélodiques répétitives m’ont toujours intéressé. J’aime la conciliation entre un beat masculin dur et cet élément féminin qu’est la mélodie.

-Vous faites aussi beaucoup de remix et de mix (i.e. Berghain 04). Quelle importance accordez-vous à ce volet de votre travail?

Une très grande importance; presque aussi importante que pour un album.

-Vous jouez au Berghain depuis sept ans maintenant. Comment votre relation avec ce club si unique a-t-elle évolué au fil des ans?

J’aime le Berghain tout autant qu’il y a 7 ans – c’est ma cathédrale. Depuis quelques années je voyage beaucoup et je n’arrive plus à sortir au Berghain, simplement comme ça. Malgré cela, je me sens tout de même très attaché.



-Parlons de votre étiquette Klockworks. Que cherchez-vous à atteindre avec label, autrement dit comment s’inscrit-il dans votre exploration musicale par rapport au label Ostgut Ton?

Klockworks possède un autre caractère que la musique que je publie sur Ostgut. La musique n’est pas organisée de façon aussi épique. Elle est moins narrative et plus esquissée (skizzenartig). J’aime beaucoup cette esquissage (Skizzenhaftigkeit).

-Si vous deviez sortir un nouvel album, aurait-il la même dimension que « One » (2010), soit à la fois expérimental (Gold Rush), techno minimal « classique » (Check for Pulse) et atmosphérique (In a While) ?

Dans la deuxième moitié de l’année, je compte travailler sur un nouvel album.
Je ne peux pas encore dire quelle direction cela va prendre, plus monochrome ou bien plus différent en tant que tel. On verra bien.

-Le philosophe allemand Nietzsche a dit: „La vie sans la musique serait une erreur.“ Qu’en pensez-vous?

Cette citation me paraît un peu trop farfelue. Je suis plutôt de l’avis : sine musica nulla vita - sans musique, pas de vie. Car la vie et la musique sont inséparables. Tout est vibration, et cela n’est rien d’autre que de la musique. La distance séparant les planètes de notre système solaire est équivalente à celle séparant les notes de la gamme, et la trajectoire des planètes obéit à certains rythmes. Ça aussi, c’est de la musique. D’une certaine façon, l’univers entier est assujetti aux lois de la musique.

-Vous jouerez à Montréal avec Marcel Dettmann le 28 janvier prochain, dehors, en hiver, où les gens dansent en habit de ski. Avez-vous hâte? Que leur réservez-vous ?

Je m’en réjouis beaucoup. J’ai entendu de très bons commentaires sur ce festival et j’interromps même mes vacances pour y être. Nous allons bien réchauffer le plancher de danse. Peut-être quelqu’un va-t-il même retirer sa doudoune d’hiver!

Le techno de Marcel Dettmann est un envoûtant parfum sombre et inquiétant. C’est d’ailleurs là tout le charme du son dettmannien: une structure au beat clinique et métrique avec des sonorités rêveuses et hypnotiques qui nous laissent errer, divaguer, nous perdre dans une atmosphère contagieuse et stroboscopique; parfois plus gaie, parfois plus austère.

La grande finesse de Dettmann est de nous rendre accessible cette exploration. Rien n’y est à ce point accablant. Tout y est maîtrisé avec l’agilité de l’anesthésiste : des effluves émergent ici et là, des aguichages aux crescendos raffinés et absorbants, jamais vulgaires et jamais vite consommés. Juste assez de ce gaz pour nous permettre de continuer à avancer dans ce rêve enivrant, obscur et excitant. Cette inéluctable icône du techno allemand sera ce samedi à Igloofest en compagnie du tout aussi passionnant Ben Klock (à suivre demain, un Q/R avec lui). Il a bien voulu répondre par courriel à nos questions sur sa musique, le Berghain et ses remix.

-Vous avez déjà dit en entrevue :"Happy music is easy to consume, you can just put yourself in the music and see what happens. It's passive; you don't have to do anything for it. With techno, it is not only dark but also very subtle and intense. It can make you lose your mind, make you freak totally out."
Que recherchez-vous dans vos compositions, faire perdre la tête aux gens ?

J’avais fait cette déclaration en relation avec ma musique… Le « happy sound », que j’aime beaucoup d’ailleurs (par exemple le synthie pop dans les années 70/80), est simplement facile à consommer, à mon avis, car dans la plupart des cas tout est dicté à l’aide d’une mélodie claire.
Ma musique ne dicte rien... Elle laisse de la place aux interprétations individuelles ... Chacun peut découvrir sa propre mélodie. Cela peut devenir absolument hypnotique... On plonge dans un monde sonore, on disjoncte ou on ne fait qu’un avec la musique.

-Il me semble que vous avez trois grands genres techno : un techno plus ambiant et exploratoire (i.e. Landscape, Argon), un techno disons plus groovy (Reticle) et enfin un techno plus musclé et sombre (Motive, Translation One). Quel style aimez-vous le mieux composer, bref celui qui correspond le plus à ce que vous êtes?

Lorsque je compose, je me laisse toujours guider par mon état d’âme. Par conséquent, mes morceaux sont toujours très différents; parfois subtil, doux et à un autre moment plutôt brutal, rude et réduit.
Peu importe comment le morceau sonne à la fin, il correspond toujours à ma personnalité.

-Le EP « Translations » avec les morceaux Translation One/Two est vraiment ce à quoi on associe votre nom. Comment le situez-vous par rapport à l’album Dettmann paru en 2010 sur Ostgut Ton ?
On peut considérer mon album comme une sorte „d’œuvre d’art totale“ d’une certaine période de ma vie.
On retrouve sur Translation principalement des morceaux qu’on me demandait souvent dans les clubs. À un moment donné, j’ai fini par décider de les publier ensemble.



-Parlons de Marcel Dettmann Records. Que cherchez-vous à atteindre avec label, autrement dit comment s’inscrit-il dans votre exploration musicale par rapport au label Ostgut Ton?

J’ai fondé Marcel Dettmann Records en 2006 afin de publier avant tout la musique de mes amis. Cette année, aux côtés de Norman Nodge et Wincent Kunth, viendront peut être s’ajouter d’autres artistes… Je reçois constamment de très bons démos et ces jours-ci je mène de bonnes discussions à ce propos.

Ostgut Ton est mon étiquette principale pour mes propres productions.

-Planifiez-vous un autre album sur Ostgut Ton? Si oui, quelle direction prendra-t-il ?

Dernièrement, je me suis acheté du nouvel équipement et je suis en train de réorganiser mon studio. Au cours de l’année, je vais certainement réfléchir à un deuxième album. À ce sujet, je ne peux encore rien dire de plus.

-Vous faites aussi beaucoup de remix et de mix (i.e. Conducted). Quelle importance accordez-vous à ce volet de votre travail?

J’aime beaucoup faire des remix, particulièrement lorsqu’il s’agit de morceaux, qui sont différents des miens ... À la fin, il ne reste souvent plus grand-chose du morceau original.
Les mix sont très importants pour moi en tant que DJ. J’adore agencer un mix ; cela représente toujours, en quelque sorte, le portrait d’une phase musicale pour moi.

-Le Berghain est votre terrain de jeu depuis plus de 13 ans. Comment votre relation avec ce club si unique a-t-elle évolué au fil des ans?

C’est une relation très féconde. J’avais 21 ans lorsque j’ai joué la première fois dans l’ancien Ostgut. Depuis ce temps, j’ai quasiment grandi avec le club, j’ai évolué avec lui et j’ai beaucoup appris des personnes qui y travaillent.

-Je vous cite : “When you come back from a techno party, you should be dirty.”
Est-ce cela que Ben Klock et vous prévoyez à Igloofest, de salir les gens qui dansent dehors en plein hiver?

Laissez-vous surprendre

« I think heaven has sent you here, D.Diggler. » Tirée du film Boogie Nights, cette courte phrase exprime à souhait le sentiment éprouvé par ceux présents à Igloofest vendredi dernier lors du set du musicien et DJ allemand D.Diggler. La musique jouée par Andreas Mügge (son vrai nom) semblait en effet venir d’une autre sphère céleste et envoyée sur terre afin d’envoûter nos corps et nos esprits possédés par l’hiver : sonorités techno fouillées, atmosphériques, avec des rythmes hypnotiques maîtrisés par un DJ aguichant la foule avec justesse et sans relâche. L’essence de cette ambiance et de ce son techno par D.Diggler ? Infuser juste assez de psychédélisme! Long entretien avec un technoïde allemand, critique et psychédélique dans l’âme.



Précision. D.Diggler, ce nom qui chemine depuis plus de 15 ans les parcours du techno et du tech house, il faut l’expliquer. La rapide référence au splendide film de P.T. Anderson sorti en 1997 sur les tribulations d’un acteur porno dans les années 70/80 ne suffit pas. Ricanant, D.Diggler explique : « C’était à l’époque de la sortie de mon premier album en 1997/98 et je cherchais un nom d’artiste avec mon ami américain. Il m’a dit : “Choisis donc Dirk Diggler!”. J'ai trouvé ça vraiment cool et sur un coup de tête je l’ai adopté. Je dois t’avouer franchement que j’aurais peut-être dû choisir un autre nom. En fait, je prévoyais faire un ou deux albums sous ce nom puis changer. Chemin faisant, j’ai sorti plusieurs titres et puis tout le monde reconnaissait mon nom ainsi que la référence à ce film où se mélangent porno et cocaïne. C’était trop tard pour changer! », s’exclame-t-il en riant.

«Le nom est donc resté. Le changer aujourd’hui après 15 ans serait idiot.» D.Diggler se réconforte en sachant que la jeune génération ne connaît pas le film et toutes ses références décadentes. « C’est une partie de moi maintenant, même si je n’aime pas dire que je prends plein de cocaïne et possède la plus grosse queue du monde!», blague-t-il un peu gêné.

De l’importance du psychédélisme
Le froid de la nuit du vendredi était sec et mordant. Rien de bucolique dans le paysage montréalais; pas de petite neige tombante pour secourir un peu notre âme en quête de chaleur sur les Quais du Vieux-Port. Le set de qualité indéniable de Pearson Sound a su maintenir une confortable température corporelle. L’arrivée de D.Diggler avec son techno riche d’ambiance a apporté cette chaleur spirituelle qui manquait. Une corde sensible et quasi transcendantale était touchée; à dessein. « Je viens de la scène psychédélique rock et c’est important pour moi de créer une certaine atmosphère. Seulement du beat boom boom boom ne m’apporte absolument rien. C’est froid et sans cœur. J’ai besoin d’une touche psychédélique, exprime-t-il en reculant la tête et projetant son regard vers un virtuel inconnu, j’ai besoin d’engendrer un certain paf! dans la tête. Sans cela, la musique m’apparaît morte. »



Son grand problème, concède-t-il, est sa tendance à exagérer cette touche psychédélique. Tout son travail consiste justement à bien doser chaque élément : juste assez de minimal, juste assez de psychédélisme. Nous ne sommes plus dans les années 70 et aux longues explorations musicales de cette touche psychédélique dont parle D.Diggler. « Aujourd’hui, déplore-t-il, ce psychédélisme n’est plus actuel. Les gens ne prennent plus de LSD, ne mangent plus de champignons magiques et n’écoutent plus ce genre de musique. Là est la différence. Je dois trouver un moyen avec le minimal. Bien que, admet-il, je produise aussi de simples morceaux tech house qui n’ont rien de psychédélique! J’essaie de le faire tout en restant fidèle à mon style et loin de ce boom boom commercial.»

Boom boom boom! Critique.
On sent d’ailleurs chez lui une autre nostalgie, celle des premières années du techno. « Jadis, le boom boom boom n’était qu’un déclencheur pour quelque chose de plus grand. Le beat était bien sûr à l’avant plan, mais tout ce qui l’entourait était encore plus intéressant. C’est à cause de cet enrobage précisément que tu avais la chair de poule. Aujourd’hui, il y a toujours le beat, mais seulement des petites choses qui gravitent autour, et pourtant les gens délirent! C’est cool, mais ce n’est pas la compréhension que j’ai de la musique et ce pour quoi j’ai commencé à en produire. La musique, c’est pour moi beaucoup plus que ça. »

Pour D.Diggler, le problème avec la musique techno actuelle relève entre autres de sa composition. « La musique produite numériquement est froide. Tout ce minimal produit numériquement est insensible. Ça fonctionne sur le plancher de danse, mais, pour moi, il manque quelque chose.» Et que manque-t-il ? « Le son lui-même. Depuis l'arrivée du logiciel de musique Ableton, chacun peut, de sa chambre, produire son petit morceau techno. Je m’ennuie de ces personnes qui créaient une ambiance avec des synthétiseurs analogues. Une ambiance, observe-t-il, qui ne pourrait jamais être produite par de l’équipement numérique. Du moins pas aussi facilement! Aucun clubber âgé de 20 ans aujourd’hui ne connait Pink Floyd. C’est ça qui manque : ce psychédélisme. Cette ouverture d’esprit manque.»

Mais il y a de l’espoir. Il remarque que les gens sont de plus en plus ouverts à cette musique plus riche en ambiance et en exploration sonore, à ce psychédélisme. « Tout ça revient! J’ai remarqué dernièrement, dit-il enthousiaste, que l’on peut jouer certains morceaux que l’on n’aurait jamais pu jouer il y a 3 ou 4 ans. Les gens sont là et disent: "Wooooow! Coooool!" Tout ça refait surface !» Qui aurait pu croire qu’un des grands représentants du techno minimal, techno allemand de surcroit, soit profondément animé par un psychédélisme musical… A la bonne heure!

Neige craquante soufflée par un vent saisissant mais en rien trop agressant, le décor de la deuxième soirée d'Igloofest était parfait. Vendredi soir, début de la fin de semaine, chacun plein de joie et d’excitation, l’ambiance électrique sur les quais du Vieux-Port de Montréal était palpable; comme toujours à ces rendez-vous de transes hivernales. Pour approfondir ce bonheur festif et le conduire dans des avenues inconnues, ou revisitées avec ce plaisir pleinement assumé, Basti de l’iconique duo Tiefschwarz était le maître invité. Le deep house allemand à -15 Celsius ressenti: une réconfortante et réchauffante couverture extatique.

Basti a en a vu d’autres. Et pourtant, il y a Igloofest. « À mon arrivée je me suis dit : “Mais où suis-je atterri? C’est vraiment extrême!” ». Ses yeux grands ouverts, étonnés et sa voix tendre clairement secouée montrent son dépassement mais aussi son ravissement. Bien que agréablement ébranlé, Basti, avec son quart de siècle d’expérience comme DJ et musicien invité de par le monde, dégage une aisance et un calme certains interrompus seulement par des éclats de rire sincères. Il est dans son environnement. La foule en transe, l’ivresse de la danse et la musique au cœur de tout cela font partie de sa vie, incrustés au plus profond de son être. «La musique est la plus belle chose que l’on vit, souligne-t-il. Simplement parce que la musique nous transporte dans des sphères que nous ne pourrions pas atteindre normalement. Chacun a le sentiment que la musique l’influence dans sa façon de penser et de ressentir. On peut faire confiance à la musique. On peut faire confiance à son goût musical. Si tu as confiance en la musique, là tu peux t’abandonner».


Le DJ Tanner Ross termine bientôt son set. A l’arrière de la scène, discret et admiratif, se tient Basti. Il avance un peu pour contempler la foule, le décor, l’atmosphère. Vraiment, il aime ça; tout dans ses gestes et son regard le démontre. Il pointe ces spécimens en habit de ski couleur fluo et ces survoltés qui font du body surfing sur une foule compactée au maximum. La musique arrête, le nom « Tiefschwarz » apparaît sur les écrans géants, la foule crie et applaudit. Il s’avance vers son poste de travail puis démarre avec un deep house soyeux et poignant qui vient percuter la foule enivrée. Heureux et vibrant délire : la foule est conquise.



Plus mature et plus deep
Dommage que son frère ne soit pas là pour vivre Igloofest. « Je vais tout lui raconter », assure Basti. Tiefschwarz c’est avant tout une histoire de collaboration entre deux frères. La communion est perceptible comme le démontrent ces nombreuses photos sur lesquelles ils se tiennent côte à côte souriant. « La collaboration est devenue très intéressante entre-temps. Au début, nous fonctionnions de manière fusionnelle. Maintenant, nos caractères se transforment : l’un pointe vers une direction, l’autre à l’opposé. C’est très intéressant et palpitant en ce moment. Nous éprouvons un énorme plaisir. La production de notre prochain album est la chose la plus excitante que nous avons faite jusqu’ici ».

Le dernier album du duo remonte à 2010. Chocolate est un album à plusieurs facettes, où le deep house côtoie des formes musicales jazzy, orchestrale voire même expérimentale pour ce genre assez délimité qu’est le house. La flûte, le xylophone et la batterie viennent se superposer de manière originale à des beats judicieusement feutrés et calibrés. Un album personnel où l’on sent que la musique house est pour Tiefschwarz davantage que de simple beats racoleurs servant à faire danser les masses. Vont-ils continuer avec cette approche multiple pour leur nouvel album? « Pas du tout. Nous allons précisément dans la direction opposée, tranche Basti. Ce sera bien sûr de la musique électronique, mais avec beaucoup plus de vocals (voix). Nous sommes en plein travail donc c’est difficile à évaluer, mais nous voulons absolument faire quelque chose de différent; plus mature et plus intéressant ».

La dernière production sortit sur leur label Souvenir donne le ton au futur album. Au titre évocateur « Dominate my sensation », une chanson de protestation (Protest song) précise Basti moqueur, la voix de la collaboratrice Mama domine nettement. L'ensemble est plus dance house , mais toujours avec cette touche deep célèbre à Tiefschwarz. « Écrire des chansons, créer des mélodies, mais autrement qu’avec la production de musique techno. Plus deep, ajoute-t-il. Écrire des chansons puis réfléchir, méditer. Avec le techno, c’est un morceau puis vite, vite un autre. Cette fois-ci nous voulons nous abandonner dans la chanson et prendre notre temps ». Faire en sorte de s’abandonner, toujours plus profondément : expression claire de la sagesse d’un maître du deep house resplendissant et heureux.



Voici l'intégral de sa performance à Igloofest 2012: