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Méconnaissable! Pour ceux qui n’avaient pas écouté le dernier album du berlinois Apparat, il y avait de quoi s’étonner hier lors de la première grande soirée de MUTEK intitulée «Synthimental Melodies». L’album « The Devil’s Walk », sorti en novembre 2011 et présenté avec le Apparat Band, témoigne d’un changement profond dans le travail de cet artiste connu depuis longtemps pour ses solides beats et ses riches compositions aux accents dramatiques. Terminé tout ça, du moins en partie, et plein cap sur le chant d'émotions et l’acoustique d’instruments propres à tout bon band post-rock versé dans une sorte de pop électronique au lyrisme sentimental. Émotion, quand tu nous tiens…



Dans une entrevue expliquant son dernier album réalisé en grande partie au Mexique, Sascha Ring a confié ne plus chercher à ce que son public danse. L’objectif poursuivi en studio était tout autre : beaucoup moins électronique, plus « humain » et davantage acoustique. Sur la scène, le Apparat Band ne ménage pas ses moyens pour maintenir cette visée. Entouré de musiciens qui semblent en avoir vu d’autres, Apparat se donne complètement dans son rôle de chanteur pleinement assumé. Plusieurs longs solos mélangeant synthétiseurs, percussions et guitares ont ponctué la performance, non sans créer un effet d’entraînement dans une foule réchauffée auparavant par le sompteux dark disco de DKMD et les beats soulevés par les synthétiseurs prenants de Blondes.

On s’est aussi réjoui du tonus apporté à plusieurs chansons de l’album qui résonnent avec ce trop plein de sentiments presque gênant. La chanson inédite « I’ll kill you » donnait une impression plus musclée de cet Apparat nouveau, alors qu’on a greffé sur un autre morceau des accents et des sonorités dubstep bien sentis. Après un milieu ponctué par le morceau ash black veil, la grande finale pour le moins prévisible avec Black Water, cette autre pièce-phare de l’album, a mis fin à la représentation du chanteur; un habitué de MUTEK mais sous un tout autre costume musical.



Une transformation annoncée
Jusqu’à aujourd’hui, on a pu entendre la voix de l’artiste percer en partie les fabuleux beats issus de sa collaboration fructueuse avec Modeselektor (Moderat, 2008). L’album solo «Walls» sorti en 2007 sur la vigoureuse étiquette Shitkatapult marquait également une avancée dans le parcours du chanteur: sa voix émergeait dans un drôle de moitié-moitié annonciateur.

Le chant d’Apparat se retrouve d’abord fort et engagé sur des constructions chargées et pleines de ce spleen numérique propre à sa signature (Hailing form the Edge, Holdon). Ensuite, la voix émerge dans des compositions plus douces, tendres et volant de cette harmonie conciliatrice repérable dans ce pop de qualité (Birds, Head up). Apparat a avoué dans une entrevue avoir détesté ce terme utilisé alors par les critiques pour qualifier l’album « Walls ». Maintenant, ce refus est bien oublié. « I don’t care now! », lance-t-il confiant.

Avec «The Devil’s Walk», on s’évade, on fuit sur la voix bien maîtrisée d’un Apparat épris d’un romantisme parfois léger, parfois plus déchiré. Un premier album, un premier chant affiché sur des compositions musicales excellentes – c’est là, comme toujours, la grande force d’Apparat. La critique est divisée et on attendra d’écouter la suite; si suite il y a.

Dimanche après-midi, le thermomètre indique 29 ºCelsius. La ville de Montréal surchauffe : au centre-ville sur fond de carrés rouges et de loi spéciale, au Piknic Elektronik sur fond de musique électronique. À toutes les fins de semaines durant les trois prochains mois, chacun pourra relâcher la pression accumulée sous la statue d’Alexander Calder aux rythmes des meilleurs DJs dont quatre originaires de l’Allemagne : Wolf+Lamb, Thomas Schumacher, Hubble et Oliver$. L’été promet d’être chaud et Dieu merci peut-on encore se rassembler pour danser et exulter!




Hier, la foule a répondu avec vigueur au premier piknic de l’année et a littéralement envahi le site du Parc Jean-Drapeau. Cette réunion dominicale compte parmi ces habitudes urbaines bien enracinées. Dix ans maintenant que la faune bigarrée des piknic-niqueurs se rencontre pour profiter de la fraîcheur de l’endroit et de ces beats qui résonnent et rythment l’après-midi montréalais jusqu’au coucher du soleil. Driss Skali, Tone of Arc et Art Department ont eu l’honneur d’ouvrir les festivités de l’édition 2012 sur la grande scène.




On a fait preuve d’une belle audace hier en invitant Tone of Arc. Ce musicien multi talentueux à la voix chaude et captivante a chanté quelques compositions suaves et riches en émotions sur un beat plus qu’accrocheur. Grâce à sa tendre expressivité, il a réussi à capter le cœur du public pourtant plus habitué à un 4/4 électronique bien tassé. Sa finale avec l’interprétation savoureuse de la légendaire chanson « Goodbye Horses » de Q Lazzarus vibrera dans notre corps pour longtemps encore.

Art Department a pris le relais et conclu cette première avec leur groove spécifique entièrement absorbé par la foule. Le duo de Toronto du label No.19 (nom inspiré par le 19e article de la Déclaration universelle des droits de l’homme : « Tout individu a droit à la liberté d'opinion et d'expression… ») a réussi à soulever les festivaliers enivrés et anonymes sous leur Ray-Ban à monture rouge, à large monture carrée (décidément la tendance estivale…) ou carrément en maillot de bain. La faune montréalaise en mode été, à son meilleur et débordante de joie!




Bien entendu, quelques « Beatmacher » de l’Allemagne seront au rendez-vous. Dans le cadre de MUTEK, le prolifique duo Wolf+Lamb pikniquera le dimanche 3 juin. Le vétéran super star de la house et du trance Thomas Schumacher cassera la croûte le 1er septembre. Le berlinois Hubble, plus discret mais tout autant vétéran de la scène techno allemande, jouera le 1er juillet alors qu' Oliver$, cet incontournable de la house music Made in Germany, titillera les oreilles le 16 septembre prochain. Wir sehen uns auf der Tanzfläche!

Samedi matin, onze heures. Déjà, de nombreux visiteurs patients et résolus contourne la magnifique Nationalgalerie de Berlin et attendent de voir la rétrospective consacrée au peintre Gerhard Richter. Une scène qui ne surprend plus personne dans la capitale allemande tellement l’exposition a attiré les amateurs d’art depuis son ouverture en février dernier : un succès monstre avec plus de 250 000 entrées ! Moment clé du calendrier culturel en Allemagne, cette rétrospective s’avère maintenant un événement social majeur. Âgé de 80 ans, l'artiste Gerhard Richter compte dorénavant parmi les grands maîtres de l’art allemand, admiré et vénéré en son pays.

Organisée avec le Tate Museum de Londres et le Centre Pompidou de Paris, la rétrospective présente plus de 130 œuvres et cinq sculptures jusqu’à dimanche prochain, toutes choisies en étroite collaboration avec l’artiste. C’est la première fois que la Nationalgalerie voue son espace principal uniquement aux œuvres de Richter. Dans son contenu, cette rétrospective se rapproche inévitablement de celle organisée par le Museum of Modern Arts de New York en 2002. Les grands classiques du peintre s’y retrouvent : Ema -Nu sur un escalier (1966), Betty (1977) et Deux chandelles (1986). Évidemment, certaines œuvres figuratives ainsi que plusieurs grandes abstractions réalisées depuis trouvent leur place parmi d’autres réalisations moins connues comme la série d’acrylique sous verre Aladin (2010) ainsi que des sculptures de verre plus récentes.

Avec en main la concise brochure de la rétrospective, le visiteur s’y retrouve aisément et progresse chronologiquement dans l’univers du maître, tous styles confondus. Richter ne se cloisonne pas à un style pendant une période donnée. Il voltige du figuratif à l’abstrait, du chromatisme géométrique au paysage et quelquefois à la sculpture de verre. Afin de respecter ce mouvement, les curateurs ont ordonné les œuvres selon leur réalisation plutôt que leur style. « Gerhard Richter peint le figuratif et l’abstrait en même temps, précise le directeur de la Nationalgalerie Udo Kittelmann. Ce ne sont pas des processus parallèles. Pour Richter, ces deux orientations stylistiques ont la même valeur. » Les grandes toiles abstraites côtoient ainsi les portraits, les vanités et les paysages si emblématiques de cet artiste né en 1932 et qui a grandi à Dresde en ex-RDA avant de fuir vers l’Allemagne de l’Ouest en 1961.



Estomper le réel
Après avoir mis en évidence les colossales peintures abstraites que forment Cage (2006) et l’étude chromatique imprimée en numérique Strip (2011) dès le début de l’exposition, ce sont les célèbres Foto-Bilder des années 60 qui occupent une place de choix. Avec raison d’ailleurs puisque que ces photos-peintures en noir et gris réalisées à partir de photographies ont marqué l’entrée du peintre dans l’arène du marché de l’art.

Fidèle à son époque, Richter souhaitait alors échapper aux normes de la composition classique ainsi qu’à l’intervention de l’artiste dans l’agencement du sujet à peindre. Il a trouvé en la photographie, dans son objectivité, son vocabulaire plastique et ses critères de compositions, le medium et l’inspiration pour ses peintures. Ce qui explique peut-être son affirmation de préférer 100 photos d’amateur à un Cézanne… Révélatrices de son travail critique sur la perception de la réalité, l’image et l’apparence des objets, on retrouve les toiles Famille (1964), Tigre (1965) ou encore Chaise (1965) qui côtoient d’autres images quotidiennes ou d’actualité peintes et estompées pour donner ce tremblé pictural, caractéristique centrale de ces œuvres et signature célèbre du peintre.




Aux cotés des Graue Bilder, ces tableaux peints uniquement de gris dans les années 70, des gigantesques toiles que forment Nuages (1970) ou encore de l’imposante présence des 196 petits tableaux de l’étude chromatique 4900 couleurs, les curateurs marquent un excellent coup avec la présentation de cinq sculptures de verre exécutées à différentes époques par Richter. Ces oeuvres complexes et rarement réunies, dont l’essentiel 4 Panneaux de verre (1967) et le fascinant 6 panneaux de verres sur un support (2002/2011), permettent d’approfondir sur un autre médium les thématiques travaillées par l’artiste tout au long des 50 dernières années.



Petit bémol à cette rétrospective impeccable à tous les niveaux : on regrette que certaines parties de l’œuvre du peintre ait été ignorées comme ses dessins ou encore les photographies peinturées (übermalte Fotografien). Ces dernières, pourtant un volet significatif de l’œuvre de l'artiste, auraient complété avec brio la présentation de son travail voué à saisir, par le figuratif ou l'abstrait, une certaine image photographique de la réalité. « L’apparence, note l’artiste en 1989, est le thème de toute ma vie. » Cette rétrospective permet d’en saisir toute l’étendue.

Gerhard Richter Painting
Ce soir et demain à 19 h, le Goethe-Institut présente le fascinant documentaire Gerhard Richter Painting (2011) de Corinna Belz. Dans ce film, on accompagne le peintre dans l’intimité ordonnée et paisible de son atelier de Düsseldorf. Pinceau ou grattoir à la main, le Richter des monumentales peintures abstraites se dévoile ainsi que le processus par lequel des couches de peinture sont grattées et raclées avec force et persévérance, encore et encore jusqu’au point culminant : lorsque l’artiste décide que tout est esthétiquement juste… ou non. Pour quiconque souhaite véritablement approcher le travail du maître allemand, en plus de savourer le pigment de ses œuvres sur grand écran, ce film s’avère un incontournable.




Site web de l’exposition Gerhard Richter: Panorama

Site web de l'artiste Gerhard Richter

Nietzsche disait que toute œuvre d’art résulte de la lutte féroce entre Apollon et Dionysos, les deux forces à l’œuvre dans toute création artistique. Inspiré par le dernier écrit du philosophe, l’opéra Dionysos - Scènes et Dithyrambes. Un opéra fantastique du compositeur et librettiste allemand Wolfgang Rihm en est un bel exemple. Imaginez un instant le combat : un opéra reporté trois fois à cause des aléas de la création échelonnée sur plus de quinze ans… Puis soudain, vlan! En moins de six mois, Rihm termine son opéra et ouvre le Festival de Salzbourg de 2010 en grande première mondiale; consécration. Bacchus lui-même serait surpris de ce déroulement.

Cet événement, la réalisatrice Bettina Ehrhardt l’a immortalisé. Elle est à Montréal pour présenter à la 30e édition du Festival international des films sur l’art (FIFA) le film en compétition officielle Je suis ton labyrinthe ? - Wolfgang Rihm. Nietzsche. Dionysos, qui plonge le spectateur dans le processus créatif de l’opéra entrecoupé d'une fiction insufflée par les derniers moments de la vie de Nietzsche. Par ailleurs, le Goethe-Institut projette la captation de deux heures de l’opéra que Ehrhardt a réalisée. Entretien en deux parties avec celle qui a observé, suivi et filmé l’éclosion dionysiaque de cet opéra couronné en Allemagne « Opéra de l’année 2010 ».



Dionysos ou l’écriture d’un opéra fantastique
En raison des renvois à plus tard ainsi que des difficultés liées à la composition comme telle de l’opéra, Wolfgang Rihm vivait une sorte de crise avec le projet Dionysos. Toutefois, après quinze ans d’insuccès, tout se bouscula : un engagement fut pris en décembre 2009 avec le Festival de Salzbourg, Rihm fit tabula rasa de tout le travail accompli, recommença et termina en avril 2010 presque tout le livret. Quelques semaines plus tard débutèrent l’orchestration et les répétitions de l’opéra en vue d’une présentation au festival tenu en juillet. Ouf!

Si l’écriture et la production de l’opéra Dionysos ne furent pas de tout repos, on peut en dire autant de la réalisation du documentaire et de la captation de l’opéra. « Ce fut une grande aventure! », avoue d’entrée de jeu Bettina Ehrhardt. Elle qui connaissait déjà le compositeur savait que ce dernier travaillait sur un projet d’opéra depuis longtemps. La réalisatrice avait d’ailleurs déjà entrepris des démarches pour obtenir les droits de filmer l’opéra. « Un véritable combat, conclut-elle. Pour la télévision, la musique contemporaine n’est pas ce qui attire le plus de cote d’écoute. »

Dès avril, Bettina Ehrhardt débute le tournage et les interviews. Wolfgang Rihm, qui n’avait pas complété le livret lui dit alors : « Comment voulez-vous que je parle de quelque chose que je n’ai pas encore terminé! » Qu’à cela ne tienne, la réalisatrice réussit malgré tout à suivre Rihm alors à Salzbourg, à filmer les répétitions et à interviewer les chanteurs Johann Martin Kränzle, Mojca Erdmann et Matthias Klink, le scénographe et enfant terrible de l’art contemporain allemand Jonathan Meese, le metteur en scène Pierre Audi et le chef d’orchestre Ingo Metzmacher. « C’était de la passion pure et c’est ce que j’ai cherché à filmer.»


Le labyrinthe de Nietzsche
Le recueil Dionysos-Dithyramben (Dithyrmabes à Dionysos) de Nietzsche constitue le dernier travail qu’il a édité avant de perdre la raison en janvier 1889. C’est ce texte, écrit à la limite de l’effondrement, qui a fourni les mots et l’inspiration pour l’opéra de Rihm. Lorsque Bettina Ehrhardt aborde cet épisode malheureux, sa voix douce et calme se remplit de compassion. « Les poèmes que Nietzsche a écrits à Sils-Maria sont très, très touchant. C’est passionnant de voir comment Rihm a travaillé avec cette poésie qui se laisse interpréter de plusieurs façons. » Pour la réalisatrice, il importait de situer et présenter ces moments dans le documentaire à la fois parce que Rihm s’en est inspiré, mais aussi pour que le film ne soit pas confiné à l’opéra et aux rues de Salzbourg. « Cela n’aurait eu aucun sens », tranche-t-elle.


Tourné dans les montagnes de Sils-Maria en Suisse, au lac Silvaplana et sur le rocher pyramidal près de Surlei, le film dévoile le décor fantasmagorique où Nietzsche eut plusieurs illuminations philosophiques. Des citations bouleversantes et évocatrices se superposent aux images splendides et bouclent ce portrait émouvant. « Sils-Maria était très important pour Nietzsche. J’ai cherché une manière d’en parler en insérant des poèmes ou des phrases écrites à cette époque. Avec ces citations, je pense que tout est dit », résume Bettina Ehrhardt. « Ces phrases extraordinaires traduisent l’état et la mentalité de Nietzsche. » Un bref silence, puis elle rajoute : « Une phrase me touche particulièrement lorsqu’il écrit : "Pendant un moment je baignais dans ma propre lumière et maintenant, c’est terminé." Ce pressentiment qu’il allait devenir malade est sidérant; cette intuition d’être en péril. »

Ce documentaire situe de manière admirable tous les éléments utiles à lacompréhension de ce complexe opéra contemporain à la réalisation presque tragique. C’est d’ailleurs ce qui captive Bettina Ehrhardt, une réalisatrice avec plusieurs documentaires musicaux à son actif. « Je suis toujours fasciné par ces situations qui sont comme des points de cristallisation. Ces instants où dans une phrase ou un moment particulier se concentre une complexité de sens à la fois riche en signification et très claire. » Que les dionysies commencent!

Site web: Ich bin dein Labyrinth. Wolfgang Rihm.Nietzsche. Dionysos - Ein film von Bettina Ehrhardt (En allemand)

P.s. À suivre : un portrait de la réalisatrice Bettina Erhhardt.

Lyonel Feininger (1871-1956), un artiste aux talents multiples : dessinateur, peintre, photographe et musicien. La rétrospective, la première en Amérique du Nord depuis 50 ans, que lui consacre le Musée des beaux-arts de Montréal jusqu’au 13 mai le prouve bien. Elle permet de parcourir l’œuvre impressionnante de cet artiste, né aux Etats-Unis de parents allemands, tous deux musiciens. D’ailleurs, la musique a occupé une place centrale dans la construction de l’univers artistique, du grand carnaval de Feininger. À ce sujet, Une fugue au Musée, l’événement musical de l’exposition élaboré par la Fondation Arte Musica, proposa la semaine dernière un captivant programme autour de celui qui a fortement inspiré l’artiste : Johannn Sebastian Bach. Après tout que serait un carnaval sans musique !


D’abord connu par ses caricatures et ses dessins publiés dans de nombreux magazines américains et allemands, Feininger s’est par la suite démarqué en peinture. Il a traversé les mouvements artistiques du début du XXe siècle et s’est imposé aux côtés d’autres grands artistes, comme Matisse et Klee. Bien qu’il ait pratiqué d'autres formes d'art, la peinture demeura son medium d’expression et de recherche formelle par excellence. Si les fugues de Bach ont été pour Feininger une indéniable source d’inspiration pour ses compositions, à la fois picturale et musicale, il faut cependant préciser que ce n’est pas la seule source à laquelle a puisé ce peintre aux nationalités américaine et allemande.

Pour Ulrich Luckhardt, directeur de la galerie des classiques modernes au Hamburger Kunsthalle en Allemagne et spécialiste reconnu de l’oeuvre de Feininger, la musique n’est pas tout pour Feininger. Court entretien avec celui qui présente une approche différente de l’œuvre de Feininger et un élément important, voire l’élément fondamental à l’origine de l’autonomie esthétique du peintre-musicien Lyonel Feininger.

Vous avez beaucoup écrit sur Feininger. Pour quelles raisons vous êtes-vous intéressé à cet artiste ?

Après la Deuxième Guerre mondiale, Feininger était très populaire à titre d’artiste moderne „tempéré“. Son oeuvre avait été condamnée par les Nazis comme „dégénérée“ et pour la jeune génération de l’époque, des soldats ou des prisonniers de guerre qui rentraient alors en Allemagne, l’art moderne était quelque chose de complètement nouveau. Comme les motifs des oeuvres de Feininger étaient reconnaissables et que ses compositions n’étaient jamais dénuées d’objet, ses tableaux ont rapidement été reproduits en grande quantité sous forme de gravures, de calendriers et de cartes postales. J’ai grandi dans ce genre de famille, où les reproductions des tableaux de Feininger étaient simplement toujours présentes.

Je me suis intéressé à l’art de Feininger pendant mes études lorsque j’ai découvert qu’il existait un „Feininger avant Feininger“, c’est-à-dire le caricaturiste.

Il s’agit de la première rétrospective de l’oeuvre de Feininger en Amérique du Nord depuis 50 ans. Comment expliquer cette longue attente ?

Aux yeux du public américain, Feininger était un peintre allemand. Le goût artistique nord-américain est aussi très francophile. L’art allemand a toujours éprouvé quelques difficultés aux États-Unis (à l’exception de l’art contemporain). Le Whitney Museum of American Art a récemment redécouvert le citoyen américain Feininger en tant qu’artiste.

Feininger est né en Amérique et il y est resté jusqu’à l’âge de 16 ans avant de quitter pour l’Allemagne. Il est resté attaché à l’Amérique tout en développant une appartenance à l’Allemagne. Comment décririez-vous cette double identité culturelle de Feininger ?

Feininger était citoyen américain, mais ce sur quoi toute son oeuvre repose provient de l’Allemagne et de la France. Il parlait couramment les trois langues. Son identité ne se laisse certainement pas réduire à une seule nationalité.

À l’origine, la littérature

Selon vous, le tableau « Émeute » est un point tournant dans l’œuvre de Feininger. Pourquoi?

« Émeute » est un exemple qui montre comment la composition et le contenu des premières oeuvres de Feininger renvoient à la littérature, dans ce cas-ci à la littérature française du 19e siècle. « Émeute » n’est pas l’illustration d’un modèle littéraire, mais bien une proposition artistique à part entière. Ainsi, pour la première fois dans son oeuvre, Feininger a trouvé des contenus autonomes.

Outre dans ses illustrations, le nom de Feininger n’est pas du tout associé à une oeuvre qu’on pourrait qualifier de «sociale», comme celle de certains peintres de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité). Est-ce un aspect de son oeuvre sur lequel on n’a pas assez insisté?

Je ne crois pas qu’il s’agisse pour Feininger de créer des contenus à caractère „sociaux“. Bien entendu, ces contenus sont fondamentaux pour cette littérature française du 19e siècle. Toutefois, dans la composition des tableaux de Feininger, ils demeurent sans importance.

Justement, comment expliqueriez-vous la relation, ou plutôt l’absence de relation chez Feininger avec la Neue Sachlichkeit?

Le mouvement de la „Nouvelle objectivité“ s’est toujours orienté sur la réalité sociale et l’a représentée. Pour Feininger, l’origine se trouve dans la littérature en tant qu’art et non en tant que réalité.

Ce positionnement de Feininger serait-il attribuable à sa spiritualité, à sa vision du monde (Weltanschauung)?

Je ne crois pas que Feininger ait eu une vision du monde. Avec „Émeute“ et d’autres oeuvres similaires, un monde artistique singulier s’est élaboré et ce dernier est demeuré longtemps caché jusqu’à ce que lien avec la littérature puisse être établi. Cela n’a rien à voir avec une spiritualité.

D'après vous, quelle est la quête ultime de l’artiste Feininger, depuis les caricatures jusqu’aux photographies et œuvres musicales?

Quelle est la dernière quête d’un artiste? Vraisemblablement le traitement artistique d’un instant respectif.

Vendredi soir à la Cinémathèque québécoise: l'habituel rendez-vous avec l'histoire du cinéma en compagnie de l'exceptionnel Gabriel Thibodeau au piano. Avant l'entrée en salle, une drôle de fébrilité se fait sentir: un mélange de joie et de tristesse. D'une part, en raison du film "La rue" (Die Straße) de Karl Grune présenté pour la première fois à la cinémathèque et sélectionné par le réalisateur Guy Maddin dans le cadre de sa Carte blanche au Goethe-Institut. D'autre part, à cause de la mauvaise nouvelle parue cette semaine concernant les problèmes financiers de la cinémathèque, vieille de presque 50 ans. La conservation du cinéma est dispendieuse. Mais cela en vaut largement l'investissement; doit-on vraiment le répéter?

Le pianiste attitré de la cinémathèque attend le début du film avant de lancer son improvisation (toujours étonnant de savoir que Thibodeau improvise son accompagnement à la vue même du film!). Il devra cependant patienter un peu plus. Produit en 1927, le court-métrage "Voyage à pied Munich-Berlin" (München-Berlin Wanderung) d'à peine quatre minutes présenté avant le film principal ne doit pas être accompagné de musique. C'est Oskar Fischinger, le réalisateur, qui a laissé ces directives de projection. Pas de musique, seulement le ciné-ma, seulement la projection d'images en mouvement. Trois minutes éblouissantes d'images en rafale, en format 35mm, dans l'obscurité de la salle, en silence, à voir des prises de vues superbes d'une vieille Allemagne, de ses paysages et de ses habitants. Fischinger les a captés lors d'un voyage à pied de trois semaines, équipé d'un sac à dos contenant de l’équipement cinématographique rudimentaire et une caméra. L'expérience même du cinéma, c'est-à-dire de l'image en tant que telle à une époque donnée. C'est aussi pour cela que la cinémathèque est importante, présenter l'image telle qu'elle s'est déployée au fil du temps.

A suivi le long-métrage réalisé par Karl Grune en 1923 qui fut tout aussi magistral. Un film sophistiqué, dans ses plans, ses éclairages, le jeu des acteurs ainsi que son récit. Une oeuvre qui révèle une compréhension avant-gardiste de la logique cinématographique, distincte du théâtre et de la photographie. Loin du fascinant expressionnisme allemand, l'approche réaliste du film et son écriture très "suspense", admirablement rendue par Thibodeau, capturent le spectateur dès le début. Ce pauvre homme, ennuyé chez lui et bientôt absorbé par la rue, symbole de la vie urbaine et de toutes ses possibles séductions, ne sait pas ce qui l'attend... Éternel combat entre l'appel de la rue et celui de la maison, ce "home sweet home" toujours trop calme et confortable!

Après le film, une partie du public, dont nombre d'habitués, se rencontrent et discutent. Ce professeur de cinéma, à l'âge fort respectable, avoue ne jamais avoir cru visionner ce film avant de terminer cette longue vie de cinéphile bien remplie. Il rajoute, l'oeil mélancolique et critique : "La cinémathèque doit continuer avec ces vendredis. C'est important. Montréal est maintenant la seule ville au Canada, où ces projections ont lieu et sont respectées." C'est bien connu, pendant les crises, les coupures s'effectuent toujours au niveau de la projection des "vieux" films, de ces vénérables classiques qui n'attireront jamais assez de public, ou de nouveau public. Le professeur invite à regarder du côté de la défunte Ontario Cinémathèque de Toronto, restructurée et intégrée au festival de cinéma de Toronto (TIFF)... "Avec tout ce que cela comporte", laisse-t-il entendre d'une voix acide.

Ces rencontres pour le cinéma sont précieuses. La projection de ces films anciens, premiers gestes du cinéma, et de leur expérience en salle sont essentielles pour quiconque veut saisir l'essence du cinéma, son évolution et tenter une expérience cinématographique autre; sans parler de celle que procurent ces autres films et genres. La cinémathèque doit continuer d'exister ne serait-ce que pour rendre possible cette expérience; autrement impossible à vivre ailleurs.

La semaine de relâche débute sous peu et la cinémathèque présentera pour une sixième édition un programme de cinéma muet destiné avant tout aux jeunes. Il faut souhaiter que la cinémathèque vive encore longtemps pour que d'autres générations aient la chance de voir sur grand écran les folies de Laurel, Hardy et des autres.

En Allemagne, la langue parlée des jeunes a son propre concours du mot de l’année, le Jugendwort des Jahres. Depuis 2008, la maison d’édition allemande Langenscheidt, bien connue pour ses dictionnaires bilingues jaunes, organise la compétition. À chaque année, elle publie aussi un recueil du jargon utilisé par les jeunes, surnommé Kiezdeutsch, sous le titre original «Hä?? Jugendsprache unplugged». Ce Kiezdeutsch fait preuve d’une incroyable inventivité et ses constructions langagières renvoient à l’essence même du langage : une puissance d’articulation du réel, d’association et de création sans borne. Survol de la linguistique à l’oeuvre chez les jeunes pour l’année 2011.

Le fonctionnement du concours annuel est simple. Les jeunes soumettent leur mot sur le site Internet de Langenscheidt et de ceux-ci, trente sont sélectionnés selon les critères d’originalité, de créativité et d’actualité, tant générale que jeunesse. La sélection est soumise aux votes des internautes et par la suite, une liste des quinze mots ayant récolté le plus de votes est dressée et remise à un jury. Enfin, celui-ci composé de journalistes, de rédacteurs, de linguistes et, évidemment, de jeunes choisit le lauréat ainsi qu’un top 5. L’an passé, c’est trois mille mots qui ont été présentés et plus de 40 000 votes enregistrés ! Qui a dit que les jeunes allemands ne s’intéressaient plus à leur langue ? Du moins à une forme particulière de la langue allemande…

Top 5 du Jugendwort des Jahres 2011
Swag / Fail &Epic fail / guttenbergen / Körperklaus / googeln

En 2011, le mot gagnant fut Swag. Issu de l’anglais, il signifie une présence, une attitude cool et enviable. Le succès musical Turn My Swag On du jeune rappeur américain Soulja Boy explique entre autres sa nomination. Le titre désigne littéralement « Je mets en marche mon butin », au sens de parader. Ce hit fut d’ailleurs traduit vers l’allemand par le rappeur autrichien Money Boy sous le titre Dreh den Swag auf et obtint lui aussi un grand succès chez les jeunes, comme en témoigne le prix du Jugendwort des Jahres.



On ne peut passer sous silence le verbe guttenbergen qui a décroché la troisième position du top 5. La signification est simple, «copier», mais sa provenance est extrêmement savoureuse et justifie presque à elle seule l’existence de ce concours. Elle est liée aux accusations de plagiat portées contre l’ex-ministre allemand de la Défense, le baron Karl-Theodor zu Guttenberg. Sa thèse de doctorat contiendrait plusieurs passages littéralement copiés de travaux universitaires non cités. Bien qu’il ait tout démenti, l’université de Bayreuth lui a retiré son titre universitaire après l’examen de son dossier et il a finalement dû démissionner de son poste. Vous êtes donc avertis, pendant un examen en Allemagne, il est interdit de guttenberguer…

Lien vers le site du Jugenwort des Jahres

Actualité du limbo
Compte tenu de sa pertinence, il convient de présenter le Jugendwort de l’année 2010, la construction Niveaulimbo. Formée de «niveau» et de «limbo», cette danse populaire en Afrique et dans les Caraïbes qui consiste à passer et à repasser sous un bâton horizontal placé à chaque tour plus près du sol, sans jamais le toucher (Wikipédia), ce néologisme a été sélectionné à l’unanimité par le jury. Il signifie le niveau de qualité continuellement descendant de quelque chose, en particulier celui des émissions de télévision produites par les chaînes privées. On l’utilise également lorsque les thèmes d’une conversation dégénèrent, lorsque la qualité des blagues s’effondre ou lorsqu’un party s’enlise dans l’ennui avant minuit.

La présente caricature de Garnotte, caricaturiste au quotidien québécois Le Devoir, représente les loisirs de deux politiciens en fonction de leur côte de popularité. Elle nous inspire une autre utilisation de Niveaulimbo : le niveau limbo en politique. Lorsque la qualité sociale des politiques d’un gouvernement descend à des niveaux toujours plus bas, on atteint le niveau limbo de la politique. Ces jours-ci, bien tristement, les exemples de Niveaulimbo en politique ne manquent pas.

Restons toutefois positif! Lorsqu’une politique sociale est vraiment encouragée et mise en œuvre, pourquoi ne pas lui associer une expression contraire à Niveaulimbo avec un mot allemand inspiré du saut en hauteur? En allemand, le saut en hauteur se dit Hochsprung et le niveau de la barre à dépasser Hochsprungniveau. Rêvons un peu et souhaitons que la politique atteigne un nouvel Hochsprungniveau… la haute barre de la politique.

Qu’est-ce qu’une langue peut être créative ! À ce sujet, la langue allemande se démarque particulièrement étant donné sa facilité de fusionner les mots et de substantiver à peu près tout ce qui peut être énoncé (adjectifs, adverbes, verbes, etc.). À chaque année en Allemagne, les créations de la langue allemande concourent pour le titre du «mot de l’année». Activité langagière élitiste ? Plutôt participative puisque la population est invitée à proposer les expressions et les mots aux différentes compétitions : le mot jeunesse de l’année (Jugendwort des Jahres), le mot de l’année en Allemagne (Wort des Jahres) et aussi, bien que paradoxal, le non-mot de l’année (Unwort des Jahres). Portrait en deux parties de cette vitalité linguistique et des différents couronnements.

Depuis 1971, la sérieuse Société pour la langue allemande (Gesellschaft für deutsche Sprache) décerne le Wort des Jahres. Un jury composé de la direction et de leurs collaborateurs scientifiques établit tout d’abord la liste des dix mots ou expressions illustrant de manière éloquente les discussions publiques ou les thèmes marquants de l’année. La popularité ainsi que la portée des expressions ou des mots envoyés par le public guident le jury dans son choix.

En 2011, le mot « Stresstest » est déclaré grand vainqueur devant « Arabellion » employé pour désigner les multiples rébellions du monde arabe, « Merkozy » soulignant l’unisson du président français Sarkozy et de la chancelière allemande Merkel durant la crise financière européenne et l’expression « Wir sind die 99% » au cœur du mouvement d’occupation. Le jury a choisi « Stresstest » parmi plus de trois mille suggestions. Ce mot relève du domaine médical et renvoie au test pratiqué sur le cœur d’un patient afin de déterminer sa santé cardiaque. De plus en plus appliqué à d’autres champs, le mot signifie l’aptitude d’une institution, d’un projet ou d’un pays à résister à différents stress. Ainsi en 2011, les banques européennes, la Grèce et le projet de réaménagement urbain entrepris par la ville de Stuttgart (Stuttgart 21) ont tous été soumis à un Stresstest. Le mot compte maintenant parmi le vocabulaire quotidien des Allemands... par ailleurs de plus en plus victime de surmenage ou de Burnout ; mot arrivé en 6e place pour son actualité dans le monde du travail. Trop de Stresstests au travail peut-être ?

Les mots de l'année 2011 en ordre décroissant:
Stresstest / Hebeln / Arabellion / Merkozy / Fukushima / Burnout / guttenbergen / Killersprossen / Ab jetzt wird geliefert! / Wir sind die 99 %

Lien vers le site du Wort des Jahres 2011

Un humanisme linguistique : le non-mot de l’année
Le Unwort des Jahres récompense depuis 1994 trois expressions ou néologismes utilisés dans l’espace public et jugés arrogants, antidémocratiques, discriminatoires et/ou trompeurs. Attribué par un jury formé d’un journaliste et de linguistes, ce titre veut attirer l’attention sur l’utilisation de la langue (Sprachgebrauchsweisen), promouvoir une conscience de la langue (Sprachbewusstein) ainsi qu’une sensibilité à la langue (Sprachsensibilität) chez la population.

Le non-mot "Döner-Morde" a remporté la palme en 2011 parmi les 923 mots différents présentés au jury par le public. Ce substantif dans lequel sont mélangés les mots « meurtre » et « Döner », renvoie aux meurtres de dix Allemands d'origine turque perpétrés sur plusieurs années par un groupe de néonazis. Les victimes opéraient des casse-croûtes, où est servi le « Döner », un plat populaire turc. Tout au long de l’enquête, le mot employé tant par la police que par les médias servait à qualifier cette affaire qui a trouvé son dénouement l’année dernière. De manière générale, explique le jury, ce mot a réduit toute une partie de la population allemande à un plat populaire en raison de son origine ethnique ; une autre façon de dire le racisme connoté par ce néologisme peu reluisant.

Les autres expressions retenues par le jury sont : la sardonique Gutmensch (bien-pensant) et l’intransigeante marktkonforme Demokratie. On recourt à la première pour disqualifier ou diffamer une personne qui argumente selon des principes sociaux ou démocratiques jugés utopiques ou naïfs. Quant à la seconde, elle rappelle une déclaration de la chancelière allemande Angela Merkel dans laquelle elle affirma que la participation parlementaire à la recherche de solutions aux problèmes économiques devait être conforme au marché (…Wege zu finden seien, „wie die parlamentarische Mitbestimmung so gestaltet wird, dass sie trotzdem auch marktkonform ist.“).

Le poète allemand Schiller disait de la langue qu’elle est le miroir d’une nation. Force est d’admettre que l’image renvoyée n’est pas toujours agréable ou remplie de l’espoir d’une meilleure société. C’est d’ailleurs là tout le mérite de cette Aktion que constitue le Unwort des Jahres : une intervention afin de dénoncer les dérives malheureuses de la langue et ainsi favoriser l'adoption d'un esprit critique proprement langagier.

Lien vers le Unwort des Jahres
La semaine prochaine : le dynamique concours pour jeunes Jugendwort des Jahres.

Depuis presque deux décennies, Ben Klock est une figure incontournable du techno allemand. Album, mix, remix, gestion de son étiquette, tournée et résidence au club berlinois Berghain décrivent la vie de cet artiste très sollicité. S’il y a bien une chose qui le distingue, outre ses DJ-sets épiques de plusieurs heures (parfois 8 ou 11 heures!), c’est l’importance qu’il accorde dans ses morceaux à la mélodie. Bien sûr le beat, mais superposé ou pigmenté de cette touche sensible et élévatrice qu’est la mélodie; parfois discrète en arrière champ ou bien mise en évidence. L’exploration qu’il fait avec le techno donne des résultats hypnotiques savamment orchestrés et avec un groove indéniable. Que ce soit avec des morceaux plus minimaux, ambiants ou durs, celui qui a jadis voulu être un pianiste jazz conduit le techno dans des sphères d’une qualité sonore exceptionnelle. Il a accepté de répondre à nos questions par courriel en vue de sa visite à Igloofest en compagnie de Marcel Dettmann pour un set en tandem de quatre heures... Achtung!

-Vous avez dit dernièrement dans une entrevue : « Techno is very popular at the moment, but I hope there will be some fresh ideas soon. … I definitely feel a lack of soul in many productions at the moment. »
Quelle serait cette âme dont vous parlez?

Ce que je veux dire, c’est que l’on sent que quelque chose de distinctif, d’authentique se transmet, que l’on perçoit l’artiste. Il existe une panoplie de styles en techno, c’est comme s’ils étaient faits d’après un patron. La musique provenant d’une machine doit montrer l’être humain derrière. Même la musique électronique dure peut toucher le cœur.

-On sent une attention porté aux mélodies dans votre travail, par exemple avec Init One sur l’album « One », Compressions Session 1 ou encore avec le récent Red Alert. Pourquoi cet aspect mélodique est-il si présent ?

C’est ma spécificité. Enfant et adolescent, j’ai joué du piano et les séquences mélodiques répétitives m’ont toujours intéressé. J’aime la conciliation entre un beat masculin dur et cet élément féminin qu’est la mélodie.

-Vous faites aussi beaucoup de remix et de mix (i.e. Berghain 04). Quelle importance accordez-vous à ce volet de votre travail?

Une très grande importance; presque aussi importante que pour un album.

-Vous jouez au Berghain depuis sept ans maintenant. Comment votre relation avec ce club si unique a-t-elle évolué au fil des ans?

J’aime le Berghain tout autant qu’il y a 7 ans – c’est ma cathédrale. Depuis quelques années je voyage beaucoup et je n’arrive plus à sortir au Berghain, simplement comme ça. Malgré cela, je me sens tout de même très attaché.



-Parlons de votre étiquette Klockworks. Que cherchez-vous à atteindre avec label, autrement dit comment s’inscrit-il dans votre exploration musicale par rapport au label Ostgut Ton?

Klockworks possède un autre caractère que la musique que je publie sur Ostgut. La musique n’est pas organisée de façon aussi épique. Elle est moins narrative et plus esquissée (skizzenartig). J’aime beaucoup cette esquissage (Skizzenhaftigkeit).

-Si vous deviez sortir un nouvel album, aurait-il la même dimension que « One » (2010), soit à la fois expérimental (Gold Rush), techno minimal « classique » (Check for Pulse) et atmosphérique (In a While) ?

Dans la deuxième moitié de l’année, je compte travailler sur un nouvel album.
Je ne peux pas encore dire quelle direction cela va prendre, plus monochrome ou bien plus différent en tant que tel. On verra bien.

-Le philosophe allemand Nietzsche a dit: „La vie sans la musique serait une erreur.“ Qu’en pensez-vous?

Cette citation me paraît un peu trop farfelue. Je suis plutôt de l’avis : sine musica nulla vita - sans musique, pas de vie. Car la vie et la musique sont inséparables. Tout est vibration, et cela n’est rien d’autre que de la musique. La distance séparant les planètes de notre système solaire est équivalente à celle séparant les notes de la gamme, et la trajectoire des planètes obéit à certains rythmes. Ça aussi, c’est de la musique. D’une certaine façon, l’univers entier est assujetti aux lois de la musique.

-Vous jouerez à Montréal avec Marcel Dettmann le 28 janvier prochain, dehors, en hiver, où les gens dansent en habit de ski. Avez-vous hâte? Que leur réservez-vous ?

Je m’en réjouis beaucoup. J’ai entendu de très bons commentaires sur ce festival et j’interromps même mes vacances pour y être. Nous allons bien réchauffer le plancher de danse. Peut-être quelqu’un va-t-il même retirer sa doudoune d’hiver!

Le techno de Marcel Dettmann est un envoûtant parfum sombre et inquiétant. C’est d’ailleurs là tout le charme du son dettmannien: une structure au beat clinique et métrique avec des sonorités rêveuses et hypnotiques qui nous laissent errer, divaguer, nous perdre dans une atmosphère contagieuse et stroboscopique; parfois plus gaie, parfois plus austère.

La grande finesse de Dettmann est de nous rendre accessible cette exploration. Rien n’y est à ce point accablant. Tout y est maîtrisé avec l’agilité de l’anesthésiste : des effluves émergent ici et là, des aguichages aux crescendos raffinés et absorbants, jamais vulgaires et jamais vite consommés. Juste assez de ce gaz pour nous permettre de continuer à avancer dans ce rêve enivrant, obscur et excitant. Cette inéluctable icône du techno allemand sera ce samedi à Igloofest en compagnie du tout aussi passionnant Ben Klock (à suivre demain, un Q/R avec lui). Il a bien voulu répondre par courriel à nos questions sur sa musique, le Berghain et ses remix.

-Vous avez déjà dit en entrevue :"Happy music is easy to consume, you can just put yourself in the music and see what happens. It's passive; you don't have to do anything for it. With techno, it is not only dark but also very subtle and intense. It can make you lose your mind, make you freak totally out."
Que recherchez-vous dans vos compositions, faire perdre la tête aux gens ?

J’avais fait cette déclaration en relation avec ma musique… Le « happy sound », que j’aime beaucoup d’ailleurs (par exemple le synthie pop dans les années 70/80), est simplement facile à consommer, à mon avis, car dans la plupart des cas tout est dicté à l’aide d’une mélodie claire.
Ma musique ne dicte rien... Elle laisse de la place aux interprétations individuelles ... Chacun peut découvrir sa propre mélodie. Cela peut devenir absolument hypnotique... On plonge dans un monde sonore, on disjoncte ou on ne fait qu’un avec la musique.

-Il me semble que vous avez trois grands genres techno : un techno plus ambiant et exploratoire (i.e. Landscape, Argon), un techno disons plus groovy (Reticle) et enfin un techno plus musclé et sombre (Motive, Translation One). Quel style aimez-vous le mieux composer, bref celui qui correspond le plus à ce que vous êtes?

Lorsque je compose, je me laisse toujours guider par mon état d’âme. Par conséquent, mes morceaux sont toujours très différents; parfois subtil, doux et à un autre moment plutôt brutal, rude et réduit.
Peu importe comment le morceau sonne à la fin, il correspond toujours à ma personnalité.

-Le EP « Translations » avec les morceaux Translation One/Two est vraiment ce à quoi on associe votre nom. Comment le situez-vous par rapport à l’album Dettmann paru en 2010 sur Ostgut Ton ?
On peut considérer mon album comme une sorte „d’œuvre d’art totale“ d’une certaine période de ma vie.
On retrouve sur Translation principalement des morceaux qu’on me demandait souvent dans les clubs. À un moment donné, j’ai fini par décider de les publier ensemble.



-Parlons de Marcel Dettmann Records. Que cherchez-vous à atteindre avec label, autrement dit comment s’inscrit-il dans votre exploration musicale par rapport au label Ostgut Ton?

J’ai fondé Marcel Dettmann Records en 2006 afin de publier avant tout la musique de mes amis. Cette année, aux côtés de Norman Nodge et Wincent Kunth, viendront peut être s’ajouter d’autres artistes… Je reçois constamment de très bons démos et ces jours-ci je mène de bonnes discussions à ce propos.

Ostgut Ton est mon étiquette principale pour mes propres productions.

-Planifiez-vous un autre album sur Ostgut Ton? Si oui, quelle direction prendra-t-il ?

Dernièrement, je me suis acheté du nouvel équipement et je suis en train de réorganiser mon studio. Au cours de l’année, je vais certainement réfléchir à un deuxième album. À ce sujet, je ne peux encore rien dire de plus.

-Vous faites aussi beaucoup de remix et de mix (i.e. Conducted). Quelle importance accordez-vous à ce volet de votre travail?

J’aime beaucoup faire des remix, particulièrement lorsqu’il s’agit de morceaux, qui sont différents des miens ... À la fin, il ne reste souvent plus grand-chose du morceau original.
Les mix sont très importants pour moi en tant que DJ. J’adore agencer un mix ; cela représente toujours, en quelque sorte, le portrait d’une phase musicale pour moi.

-Le Berghain est votre terrain de jeu depuis plus de 13 ans. Comment votre relation avec ce club si unique a-t-elle évolué au fil des ans?

C’est une relation très féconde. J’avais 21 ans lorsque j’ai joué la première fois dans l’ancien Ostgut. Depuis ce temps, j’ai quasiment grandi avec le club, j’ai évolué avec lui et j’ai beaucoup appris des personnes qui y travaillent.

-Je vous cite : “When you come back from a techno party, you should be dirty.”
Est-ce cela que Ben Klock et vous prévoyez à Igloofest, de salir les gens qui dansent dehors en plein hiver?

Laissez-vous surprendre