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Nietzsche disait que toute œuvre d’art résulte de la lutte féroce entre Apollon et Dionysos, les deux forces à l’œuvre dans toute création artistique. Inspiré par le dernier écrit du philosophe, l’opéra Dionysos - Scènes et Dithyrambes. Un opéra fantastique du compositeur et librettiste allemand Wolfgang Rihm en est un bel exemple. Imaginez un instant le combat : un opéra reporté trois fois à cause des aléas de la création échelonnée sur plus de quinze ans… Puis soudain, vlan! En moins de six mois, Rihm termine son opéra et ouvre le Festival de Salzbourg de 2010 en grande première mondiale; consécration. Bacchus lui-même serait surpris de ce déroulement.

Cet événement, la réalisatrice Bettina Ehrhardt l’a immortalisé. Elle est à Montréal pour présenter à la 30e édition du Festival international des films sur l’art (FIFA) le film en compétition officielle Je suis ton labyrinthe ? - Wolfgang Rihm. Nietzsche. Dionysos, qui plonge le spectateur dans le processus créatif de l’opéra entrecoupé d'une fiction insufflée par les derniers moments de la vie de Nietzsche. Par ailleurs, le Goethe-Institut projette la captation de deux heures de l’opéra que Ehrhardt a réalisée. Entretien en deux parties avec celle qui a observé, suivi et filmé l’éclosion dionysiaque de cet opéra couronné en Allemagne « Opéra de l’année 2010 ».



Dionysos ou l’écriture d’un opéra fantastique
En raison des renvois à plus tard ainsi que des difficultés liées à la composition comme telle de l’opéra, Wolfgang Rihm vivait une sorte de crise avec le projet Dionysos. Toutefois, après quinze ans d’insuccès, tout se bouscula : un engagement fut pris en décembre 2009 avec le Festival de Salzbourg, Rihm fit tabula rasa de tout le travail accompli, recommença et termina en avril 2010 presque tout le livret. Quelques semaines plus tard débutèrent l’orchestration et les répétitions de l’opéra en vue d’une présentation au festival tenu en juillet. Ouf!

Si l’écriture et la production de l’opéra Dionysos ne furent pas de tout repos, on peut en dire autant de la réalisation du documentaire et de la captation de l’opéra. « Ce fut une grande aventure! », avoue d’entrée de jeu Bettina Ehrhardt. Elle qui connaissait déjà le compositeur savait que ce dernier travaillait sur un projet d’opéra depuis longtemps. La réalisatrice avait d’ailleurs déjà entrepris des démarches pour obtenir les droits de filmer l’opéra. « Un véritable combat, conclut-elle. Pour la télévision, la musique contemporaine n’est pas ce qui attire le plus de cote d’écoute. »

Dès avril, Bettina Ehrhardt débute le tournage et les interviews. Wolfgang Rihm, qui n’avait pas complété le livret lui dit alors : « Comment voulez-vous que je parle de quelque chose que je n’ai pas encore terminé! » Qu’à cela ne tienne, la réalisatrice réussit malgré tout à suivre Rihm alors à Salzbourg, à filmer les répétitions et à interviewer les chanteurs Johann Martin Kränzle, Mojca Erdmann et Matthias Klink, le scénographe et enfant terrible de l’art contemporain allemand Jonathan Meese, le metteur en scène Pierre Audi et le chef d’orchestre Ingo Metzmacher. « C’était de la passion pure et c’est ce que j’ai cherché à filmer.»


Le labyrinthe de Nietzsche
Le recueil Dionysos-Dithyramben (Dithyrmabes à Dionysos) de Nietzsche constitue le dernier travail qu’il a édité avant de perdre la raison en janvier 1889. C’est ce texte, écrit à la limite de l’effondrement, qui a fourni les mots et l’inspiration pour l’opéra de Rihm. Lorsque Bettina Ehrhardt aborde cet épisode malheureux, sa voix douce et calme se remplit de compassion. « Les poèmes que Nietzsche a écrits à Sils-Maria sont très, très touchant. C’est passionnant de voir comment Rihm a travaillé avec cette poésie qui se laisse interpréter de plusieurs façons. » Pour la réalisatrice, il importait de situer et présenter ces moments dans le documentaire à la fois parce que Rihm s’en est inspiré, mais aussi pour que le film ne soit pas confiné à l’opéra et aux rues de Salzbourg. « Cela n’aurait eu aucun sens », tranche-t-elle.


Tourné dans les montagnes de Sils-Maria en Suisse, au lac Silvaplana et sur le rocher pyramidal près de Surlei, le film dévoile le décor fantasmagorique où Nietzsche eut plusieurs illuminations philosophiques. Des citations bouleversantes et évocatrices se superposent aux images splendides et bouclent ce portrait émouvant. « Sils-Maria était très important pour Nietzsche. J’ai cherché une manière d’en parler en insérant des poèmes ou des phrases écrites à cette époque. Avec ces citations, je pense que tout est dit », résume Bettina Ehrhardt. « Ces phrases extraordinaires traduisent l’état et la mentalité de Nietzsche. » Un bref silence, puis elle rajoute : « Une phrase me touche particulièrement lorsqu’il écrit : "Pendant un moment je baignais dans ma propre lumière et maintenant, c’est terminé." Ce pressentiment qu’il allait devenir malade est sidérant; cette intuition d’être en péril. »

Ce documentaire situe de manière admirable tous les éléments utiles à lacompréhension de ce complexe opéra contemporain à la réalisation presque tragique. C’est d’ailleurs ce qui captive Bettina Ehrhardt, une réalisatrice avec plusieurs documentaires musicaux à son actif. « Je suis toujours fasciné par ces situations qui sont comme des points de cristallisation. Ces instants où dans une phrase ou un moment particulier se concentre une complexité de sens à la fois riche en signification et très claire. » Que les dionysies commencent!

Site web: Ich bin dein Labyrinth. Wolfgang Rihm.Nietzsche. Dionysos - Ein film von Bettina Ehrhardt (En allemand)

P.s. À suivre : un portrait de la réalisatrice Bettina Erhhardt.

Lyonel Feininger (1871-1956), un artiste aux talents multiples : dessinateur, peintre, photographe et musicien. La rétrospective, la première en Amérique du Nord depuis 50 ans, que lui consacre le Musée des beaux-arts de Montréal jusqu’au 13 mai le prouve bien. Elle permet de parcourir l’œuvre impressionnante de cet artiste, né aux Etats-Unis de parents allemands, tous deux musiciens. D’ailleurs, la musique a occupé une place centrale dans la construction de l’univers artistique, du grand carnaval de Feininger. À ce sujet, Une fugue au Musée, l’événement musical de l’exposition élaboré par la Fondation Arte Musica, proposa la semaine dernière un captivant programme autour de celui qui a fortement inspiré l’artiste : Johannn Sebastian Bach. Après tout que serait un carnaval sans musique !


D’abord connu par ses caricatures et ses dessins publiés dans de nombreux magazines américains et allemands, Feininger s’est par la suite démarqué en peinture. Il a traversé les mouvements artistiques du début du XXe siècle et s’est imposé aux côtés d’autres grands artistes, comme Matisse et Klee. Bien qu’il ait pratiqué d'autres formes d'art, la peinture demeura son medium d’expression et de recherche formelle par excellence. Si les fugues de Bach ont été pour Feininger une indéniable source d’inspiration pour ses compositions, à la fois picturale et musicale, il faut cependant préciser que ce n’est pas la seule source à laquelle a puisé ce peintre aux nationalités américaine et allemande.

Pour Ulrich Luckhardt, directeur de la galerie des classiques modernes au Hamburger Kunsthalle en Allemagne et spécialiste reconnu de l’oeuvre de Feininger, la musique n’est pas tout pour Feininger. Court entretien avec celui qui présente une approche différente de l’œuvre de Feininger et un élément important, voire l’élément fondamental à l’origine de l’autonomie esthétique du peintre-musicien Lyonel Feininger.

Vous avez beaucoup écrit sur Feininger. Pour quelles raisons vous êtes-vous intéressé à cet artiste ?

Après la Deuxième Guerre mondiale, Feininger était très populaire à titre d’artiste moderne „tempéré“. Son oeuvre avait été condamnée par les Nazis comme „dégénérée“ et pour la jeune génération de l’époque, des soldats ou des prisonniers de guerre qui rentraient alors en Allemagne, l’art moderne était quelque chose de complètement nouveau. Comme les motifs des oeuvres de Feininger étaient reconnaissables et que ses compositions n’étaient jamais dénuées d’objet, ses tableaux ont rapidement été reproduits en grande quantité sous forme de gravures, de calendriers et de cartes postales. J’ai grandi dans ce genre de famille, où les reproductions des tableaux de Feininger étaient simplement toujours présentes.

Je me suis intéressé à l’art de Feininger pendant mes études lorsque j’ai découvert qu’il existait un „Feininger avant Feininger“, c’est-à-dire le caricaturiste.

Il s’agit de la première rétrospective de l’oeuvre de Feininger en Amérique du Nord depuis 50 ans. Comment expliquer cette longue attente ?

Aux yeux du public américain, Feininger était un peintre allemand. Le goût artistique nord-américain est aussi très francophile. L’art allemand a toujours éprouvé quelques difficultés aux États-Unis (à l’exception de l’art contemporain). Le Whitney Museum of American Art a récemment redécouvert le citoyen américain Feininger en tant qu’artiste.

Feininger est né en Amérique et il y est resté jusqu’à l’âge de 16 ans avant de quitter pour l’Allemagne. Il est resté attaché à l’Amérique tout en développant une appartenance à l’Allemagne. Comment décririez-vous cette double identité culturelle de Feininger ?

Feininger était citoyen américain, mais ce sur quoi toute son oeuvre repose provient de l’Allemagne et de la France. Il parlait couramment les trois langues. Son identité ne se laisse certainement pas réduire à une seule nationalité.

À l’origine, la littérature

Selon vous, le tableau « Émeute » est un point tournant dans l’œuvre de Feininger. Pourquoi?

« Émeute » est un exemple qui montre comment la composition et le contenu des premières oeuvres de Feininger renvoient à la littérature, dans ce cas-ci à la littérature française du 19e siècle. « Émeute » n’est pas l’illustration d’un modèle littéraire, mais bien une proposition artistique à part entière. Ainsi, pour la première fois dans son oeuvre, Feininger a trouvé des contenus autonomes.

Outre dans ses illustrations, le nom de Feininger n’est pas du tout associé à une oeuvre qu’on pourrait qualifier de «sociale», comme celle de certains peintres de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité). Est-ce un aspect de son oeuvre sur lequel on n’a pas assez insisté?

Je ne crois pas qu’il s’agisse pour Feininger de créer des contenus à caractère „sociaux“. Bien entendu, ces contenus sont fondamentaux pour cette littérature française du 19e siècle. Toutefois, dans la composition des tableaux de Feininger, ils demeurent sans importance.

Justement, comment expliqueriez-vous la relation, ou plutôt l’absence de relation chez Feininger avec la Neue Sachlichkeit?

Le mouvement de la „Nouvelle objectivité“ s’est toujours orienté sur la réalité sociale et l’a représentée. Pour Feininger, l’origine se trouve dans la littérature en tant qu’art et non en tant que réalité.

Ce positionnement de Feininger serait-il attribuable à sa spiritualité, à sa vision du monde (Weltanschauung)?

Je ne crois pas que Feininger ait eu une vision du monde. Avec „Émeute“ et d’autres oeuvres similaires, un monde artistique singulier s’est élaboré et ce dernier est demeuré longtemps caché jusqu’à ce que lien avec la littérature puisse être établi. Cela n’a rien à voir avec une spiritualité.

D'après vous, quelle est la quête ultime de l’artiste Feininger, depuis les caricatures jusqu’aux photographies et œuvres musicales?

Quelle est la dernière quête d’un artiste? Vraisemblablement le traitement artistique d’un instant respectif.

Vendredi soir à la Cinémathèque québécoise: l'habituel rendez-vous avec l'histoire du cinéma en compagnie de l'exceptionnel Gabriel Thibodeau au piano. Avant l'entrée en salle, une drôle de fébrilité se fait sentir: un mélange de joie et de tristesse. D'une part, en raison du film "La rue" (Die Straße) de Karl Grune présenté pour la première fois à la cinémathèque et sélectionné par le réalisateur Guy Maddin dans le cadre de sa Carte blanche au Goethe-Institut. D'autre part, à cause de la mauvaise nouvelle parue cette semaine concernant les problèmes financiers de la cinémathèque, vieille de presque 50 ans. La conservation du cinéma est dispendieuse. Mais cela en vaut largement l'investissement; doit-on vraiment le répéter?

Le pianiste attitré de la cinémathèque attend le début du film avant de lancer son improvisation (toujours étonnant de savoir que Thibodeau improvise son accompagnement à la vue même du film!). Il devra cependant patienter un peu plus. Produit en 1927, le court-métrage "Voyage à pied Munich-Berlin" (München-Berlin Wanderung) d'à peine quatre minutes présenté avant le film principal ne doit pas être accompagné de musique. C'est Oskar Fischinger, le réalisateur, qui a laissé ces directives de projection. Pas de musique, seulement le ciné-ma, seulement la projection d'images en mouvement. Trois minutes éblouissantes d'images en rafale, en format 35mm, dans l'obscurité de la salle, en silence, à voir des prises de vues superbes d'une vieille Allemagne, de ses paysages et de ses habitants. Fischinger les a captés lors d'un voyage à pied de trois semaines, équipé d'un sac à dos contenant de l’équipement cinématographique rudimentaire et une caméra. L'expérience même du cinéma, c'est-à-dire de l'image en tant que telle à une époque donnée. C'est aussi pour cela que la cinémathèque est importante, présenter l'image telle qu'elle s'est déployée au fil du temps.

A suivi le long-métrage réalisé par Karl Grune en 1923 qui fut tout aussi magistral. Un film sophistiqué, dans ses plans, ses éclairages, le jeu des acteurs ainsi que son récit. Une oeuvre qui révèle une compréhension avant-gardiste de la logique cinématographique, distincte du théâtre et de la photographie. Loin du fascinant expressionnisme allemand, l'approche réaliste du film et son écriture très "suspense", admirablement rendue par Thibodeau, capturent le spectateur dès le début. Ce pauvre homme, ennuyé chez lui et bientôt absorbé par la rue, symbole de la vie urbaine et de toutes ses possibles séductions, ne sait pas ce qui l'attend... Éternel combat entre l'appel de la rue et celui de la maison, ce "home sweet home" toujours trop calme et confortable!

Après le film, une partie du public, dont nombre d'habitués, se rencontrent et discutent. Ce professeur de cinéma, à l'âge fort respectable, avoue ne jamais avoir cru visionner ce film avant de terminer cette longue vie de cinéphile bien remplie. Il rajoute, l'oeil mélancolique et critique : "La cinémathèque doit continuer avec ces vendredis. C'est important. Montréal est maintenant la seule ville au Canada, où ces projections ont lieu et sont respectées." C'est bien connu, pendant les crises, les coupures s'effectuent toujours au niveau de la projection des "vieux" films, de ces vénérables classiques qui n'attireront jamais assez de public, ou de nouveau public. Le professeur invite à regarder du côté de la défunte Ontario Cinémathèque de Toronto, restructurée et intégrée au festival de cinéma de Toronto (TIFF)... "Avec tout ce que cela comporte", laisse-t-il entendre d'une voix acide.

Ces rencontres pour le cinéma sont précieuses. La projection de ces films anciens, premiers gestes du cinéma, et de leur expérience en salle sont essentielles pour quiconque veut saisir l'essence du cinéma, son évolution et tenter une expérience cinématographique autre; sans parler de celle que procurent ces autres films et genres. La cinémathèque doit continuer d'exister ne serait-ce que pour rendre possible cette expérience; autrement impossible à vivre ailleurs.

La semaine de relâche débute sous peu et la cinémathèque présentera pour une sixième édition un programme de cinéma muet destiné avant tout aux jeunes. Il faut souhaiter que la cinémathèque vive encore longtemps pour que d'autres générations aient la chance de voir sur grand écran les folies de Laurel, Hardy et des autres.