Überblog

Depuis presque deux décennies, Ben Klock est une figure incontournable du techno allemand. Album, mix, remix, gestion de son étiquette, tournée et résidence au club berlinois Berghain décrivent la vie de cet artiste très sollicité. S’il y a bien une chose qui le distingue, outre ses DJ-sets épiques de plusieurs heures (parfois 8 ou 11 heures!), c’est l’importance qu’il accorde dans ses morceaux à la mélodie. Bien sûr le beat, mais superposé ou pigmenté de cette touche sensible et élévatrice qu’est la mélodie; parfois discrète en arrière champ ou bien mise en évidence. L’exploration qu’il fait avec le techno donne des résultats hypnotiques savamment orchestrés et avec un groove indéniable. Que ce soit avec des morceaux plus minimaux, ambiants ou durs, celui qui a jadis voulu être un pianiste jazz conduit le techno dans des sphères d’une qualité sonore exceptionnelle. Il a accepté de répondre à nos questions par courriel en vue de sa visite à Igloofest en compagnie de Marcel Dettmann pour un set en tandem de quatre heures... Achtung!

-Vous avez dit dernièrement dans une entrevue : « Techno is very popular at the moment, but I hope there will be some fresh ideas soon. … I definitely feel a lack of soul in many productions at the moment. »
Quelle serait cette âme dont vous parlez?

Ce que je veux dire, c’est que l’on sent que quelque chose de distinctif, d’authentique se transmet, que l’on perçoit l’artiste. Il existe une panoplie de styles en techno, c’est comme s’ils étaient faits d’après un patron. La musique provenant d’une machine doit montrer l’être humain derrière. Même la musique électronique dure peut toucher le cœur.

-On sent une attention porté aux mélodies dans votre travail, par exemple avec Init One sur l’album « One », Compressions Session 1 ou encore avec le récent Red Alert. Pourquoi cet aspect mélodique est-il si présent ?

C’est ma spécificité. Enfant et adolescent, j’ai joué du piano et les séquences mélodiques répétitives m’ont toujours intéressé. J’aime la conciliation entre un beat masculin dur et cet élément féminin qu’est la mélodie.

-Vous faites aussi beaucoup de remix et de mix (i.e. Berghain 04). Quelle importance accordez-vous à ce volet de votre travail?

Une très grande importance; presque aussi importante que pour un album.

-Vous jouez au Berghain depuis sept ans maintenant. Comment votre relation avec ce club si unique a-t-elle évolué au fil des ans?

J’aime le Berghain tout autant qu’il y a 7 ans – c’est ma cathédrale. Depuis quelques années je voyage beaucoup et je n’arrive plus à sortir au Berghain, simplement comme ça. Malgré cela, je me sens tout de même très attaché.



-Parlons de votre étiquette Klockworks. Que cherchez-vous à atteindre avec label, autrement dit comment s’inscrit-il dans votre exploration musicale par rapport au label Ostgut Ton?

Klockworks possède un autre caractère que la musique que je publie sur Ostgut. La musique n’est pas organisée de façon aussi épique. Elle est moins narrative et plus esquissée (skizzenartig). J’aime beaucoup cette esquissage (Skizzenhaftigkeit).

-Si vous deviez sortir un nouvel album, aurait-il la même dimension que « One » (2010), soit à la fois expérimental (Gold Rush), techno minimal « classique » (Check for Pulse) et atmosphérique (In a While) ?

Dans la deuxième moitié de l’année, je compte travailler sur un nouvel album.
Je ne peux pas encore dire quelle direction cela va prendre, plus monochrome ou bien plus différent en tant que tel. On verra bien.

-Le philosophe allemand Nietzsche a dit: „La vie sans la musique serait une erreur.“ Qu’en pensez-vous?

Cette citation me paraît un peu trop farfelue. Je suis plutôt de l’avis : sine musica nulla vita - sans musique, pas de vie. Car la vie et la musique sont inséparables. Tout est vibration, et cela n’est rien d’autre que de la musique. La distance séparant les planètes de notre système solaire est équivalente à celle séparant les notes de la gamme, et la trajectoire des planètes obéit à certains rythmes. Ça aussi, c’est de la musique. D’une certaine façon, l’univers entier est assujetti aux lois de la musique.

-Vous jouerez à Montréal avec Marcel Dettmann le 28 janvier prochain, dehors, en hiver, où les gens dansent en habit de ski. Avez-vous hâte? Que leur réservez-vous ?

Je m’en réjouis beaucoup. J’ai entendu de très bons commentaires sur ce festival et j’interromps même mes vacances pour y être. Nous allons bien réchauffer le plancher de danse. Peut-être quelqu’un va-t-il même retirer sa doudoune d’hiver!

Le techno de Marcel Dettmann est un envoûtant parfum sombre et inquiétant. Un parfum habilement élaboré, adéquatement sédatif, juste assez pour engendrer un léger inconfort au cœur de la lourde rêverie musicale qu’il propose. C’est d’ailleurs là tout le charme du son dettmannien. Une structure au beat clinique et métrique, avec des sonorités rêveuses et hypnotiques qui nous laissent errer, divaguer, nous perdre dans une atmosphère contagieuse et stroboscopique; parfois plus gaie, parfois plus austère. La grande finesse de Dettmann est de nous rendre accessible cette exploration. Rien n’y est à ce point accablant. Tout y est maîtrisé avec l’agilité de l’anesthésiste : des effluves émergent ici et là, des aguichages aux crescendos raffinés et absorbants, jamais vulgaires et jamais vite consommés. Juste assez de ce gaz pour nous permettre de continuer à avancer dans ce rêve enivrant, obscur et excitant. Cette inéluctable icône du techno allemand sera ce samedi à Igloofest en compagnie du tout aussi passionnant Ben Klock (à suivre demain, un Q/R avec lui). Il a bien voulu répondre par courriel à nos questions sur sa musique, le Berghain et ses remix.

-Vous avez déjà dit en entrevue :"Happy music is easy to consume, you can just put yourself in the music and see what happens. It's passive; you don't have to do anything for it. With techno, it is not only dark but also very subtle and intense. It can make you lose your mind, make you freak totally out."
Que recherchez-vous dans vos compositions, faire perdre la tête aux gens ?

J’avais fait cette déclaration en relation avec ma musique… Le « happy sound », que j’aime beaucoup d’ailleurs (par exemple le synthie pop dans les années 70/80), est simplement facile à consommer, à mon avis, car dans la plupart des cas tout est dicté à l’aide d’une mélodie claire.
Ma musique ne dicte rien... Elle laisse de la place aux interprétations individuelles ... Chacun peut découvrir sa propre mélodie. Cela peut devenir absolument hypnotique... On plonge dans un monde sonore, on disjoncte ou on ne fait qu’un avec la musique.

-Il me semble que vous avez trois grands genres techno : un techno plus ambiant et exploratoire (i.e. Landscape, Argon), un techno disons plus groovy (Reticle) et enfin un techno plus musclé et sombre (Motive, Translation One). Quel style aimez-vous le mieux composer, bref celui qui correspond le plus à ce que vous êtes?

Lorsque je compose, je me laisse toujours guider par mon état d’âme. Par conséquent, mes morceaux sont toujours très différents; parfois subtil, doux et à un autre moment plutôt brutal, rude et réduit.
Peu importe comment le morceau sonne à la fin, il correspond toujours à ma personnalité.

-Le EP « Translations » avec les morceaux Translation One/Two est vraiment ce à quoi on associe votre nom. Comment le situez-vous par rapport à l’album Dettmann paru en 2010 sur Ostgut Ton ?
On peut considérer mon album comme une sorte „d’œuvre d’art totale“ d’une certaine période de ma vie.
On retrouve sur Translation principalement des morceaux qu’on me demandait souvent dans les clubs. À un moment donné, j’ai fini par décider de les publier ensemble.



-Parlons de Marcel Dettmann Records. Que cherchez-vous à atteindre avec label, autrement dit comment s’inscrit-il dans votre exploration musicale par rapport au label Ostgut Ton?

J’ai fondé Marcel Dettmann Records en 2006 afin de publier avant tout la musique de mes amis. Cette année, aux côtés de Norman Nodge et Wincent Kunth, viendront peut être s’ajouter d’autres artistes… Je reçois constamment de très bons démos et ces jours-ci je mène de bonnes discussions à ce propos.

Ostgut Ton est mon étiquette principale pour mes propres productions.

-Planifiez-vous un autre album sur Ostgut Ton? Si oui, quelle direction prendra-t-il ?

Dernièrement, je me suis acheté du nouvel équipement et je suis en train de réorganiser mon studio. Au cours de l’année, je vais certainement réfléchir à un deuxième album. À ce sujet, je ne peux encore rien dire de plus.

-Vous faites aussi beaucoup de remix et de mix (i.e. Conducted). Quelle importance accordez-vous à ce volet de votre travail?

J’aime beaucoup faire des remix, particulièrement lorsqu’il s’agit de morceaux, qui sont différents des miens ... À la fin, il ne reste souvent plus grand-chose du morceau original.
Les mix sont très importants pour moi en tant que DJ. J’adore agencer un mix ; cela représente toujours, en quelque sorte, le portrait d’une phase musicale pour moi.

-Le Berghain est votre terrain de jeu depuis plus de 13 ans. Comment votre relation avec ce club si unique a-t-elle évolué au fil des ans?

C’est une relation très féconde. J’avais 21 ans lorsque j’ai joué la première fois dans l’ancien Ostgut. Depuis ce temps, j’ai quasiment grandi avec le club, j’ai évolué avec lui et j’ai beaucoup appris des personnes qui y travaillent.

-Je vous cite : “When you come back from a techno party, you should be dirty.”
Est-ce cela que Ben Klock et vous prévoyez à Igloofest, de salir les gens qui dansent dehors en plein hiver?

Laissez-vous surprendre

« I think heaven has sent you here, D.Diggler. » Cette courte phrase tirée du film Boogie Nights que le réalisateur de film porno Jack Horner (Burt Reynolds) émerveillé prononce à l’acteur Dirk Diggler (Mark Whalberg) dans un spa bien chaud et bouillonnant, il fallait se l’approprier. Il le fallait parce qu’elle exprime à souhait le sentiment éprouvé par ceux présents à Igloofest vendredi dernier lors du set de D.Diggler, musicien et DJ allemand. La musique jouée par Andreas Mügge (son vrai nom) semblait en effet venir d’une autre sphère céleste et envoyée sur terre afin d’envoûter nos corps et esprits possédés par l’hiver : sonorités techno fouillées, parfaitement texturées, atmosphériques avec des rythmes hypnotiques maintenus dans un élan maîtrisé par un DJ aguichant la foule avec justesse et sans relâche. L’essence de cette ambiance et de ce son techno par D.Diggler ? Infuser juste assez de psychédélisme! Long entretien avec un technoïde allemand, critique et psychédélique dans l’âme.



Précision. D.Diggler, ce nom qui chemine depuis plus de 15 ans les parcours du techno et du tech house, il faut l’expliquer. La rapide référence au splendide film de P.T. Anderson sorti en 1997 sur les tribulations d’un acteur porno dans les années 70/80 ne suffit pas. Ricanant, D.Diggler explique : « C’était à l’époque de la sortie de mon premier album en 1997/98 et je cherchais un nom d’artiste avec mon ami américain. Il m’a dit : “Choisis donc Dirk Diggler!”. J'ai trouvé ça vraiment cool et sur un coup de tête je l’ai adopté. Je dois t’avouer franchement que j’aurais peut-être dû choisir un autre nom. En fait, je prévoyais faire un ou deux albums sous ce nom puis changer. Chemin faisant, j’ai sorti plusieurs titres et puis tout le monde reconnaissait mon nom ainsi que la référence à ce film où se mélangent porno et cocaïne. C’était trop tard pour changer! », s’exclame-t-il en riant.

«Le nom est donc resté. Le changer aujourd’hui après 15 ans serait idiot.» D.Diggler se réconforte en sachant que la jeune génération ne connaît pas le film et toutes ses références décadentes. « C’est une partie de moi maintenant, même si je n’aime pas dire que je prends plein de cocaïne et possède la plus grosse queue du monde!», blague-t-il un peu gêné.

De l’importance du psychédélisme
Le froid de la nuit du vendredi était sec et mordant. Rien de bucolique dans le paysage montréalais; pas de petite neige tombante pour secourir un peu notre âme en quête de chaleur sur les Quais du Vieux-Port. Le set de qualité indéniable de Pearson Sound a su maintenir une confortable température corporelle. L’arrivée de D.Diggler avec son techno calibré, mais surtout riche d’ambiance a apporté cette chaleur spirituelle qui manquait. Une corde sensible et quasi transcendantale était touchée; à dessein. « Je viens de la scène psychédélique rock et c’est important pour moi de créer une certaine atmosphère. Seulement du beat boom boom boom ne m’apporte absolument rien. C’est froid et sans cœur. J’ai besoin d’une touche psychédélique, exprime-t-il en reculant la tête et projetant son regard vers un virtuel inconnu, j’ai besoin d’engendrer un certain paf! dans la tête. Sans cela, la musique m’apparaît morte. »



Son grand problème, concède-t-il, est sa tendance à exagérer cette touche psychédélique. Tout son travail consiste justement à bien doser chaque élément : juste assez de minimal, juste assez de psychédélisme. Nous ne sommes plus dans les années 70 et aux longues explorations musicales de cette touche psychédélique dont parle D.Diggler. « Aujourd’hui, déplore-t-il, ce psychédélisme n’est plus actuel. Les gens ne prennent plus de LSD, ne mangent plus de champignons magiques et n’écoutent plus ce genre de musique. Là est la différence. Je dois trouver un moyen avec le minimal. Bien que, admet-il, je produise aussi de simples morceaux tech house qui n’ont rien de psychédélique! J’essaie de le faire tout en restant fidèle à mon style et loin de ce boom boom commercial.»

Boom boom boom! Critique.
On sent d’ailleurs chez lui une autre nostalgie, celle des premières années du techno. « Jadis, le boom boom boom n’était qu’un déclencheur pour quelque chose de plus grand. Le beat était bien sûr à l’avant plan, mais tout ce qui l’entourait était encore plus intéressant. C’est à cause de cet enrobage précisément que tu avais la chair de poule. Aujourd’hui, il y a toujours le beat, mais seulement des petites choses qui gravitent autour, et pourtant les gens délirent! C’est cool, mais ce n’est pas la compréhension que j’ai de la musique et ce pour quoi j’ai commencé à en produire. La musique, c’est pour moi beaucoup plus que ça. »

Pour D.Diggler, le problème avec la musique techno actuelle relève entre autres de sa composition. « La musique produite numériquement est froide. Tout ce minimal produit numériquement est insensible. Ça fonctionne sur le plancher de danse, mais, pour moi, il manque quelque chose.» Et que manque-t-il ? « Le son lui-même. Depuis l'arrivée du logiciel de musique Ableton, chacun peut, de sa chambre, produire son petit morceau techno. Je m’ennuie de ces personnes qui créaient une ambiance avec des synthétiseurs analogues. Une ambiance, observe-t-il, qui ne pourrait jamais être produite par de l’équipement numérique. Du moins pas aussi facilement! Aucun clubber âgé de 20 ans aujourd’hui ne connait Pink Floyd. C’est ça qui manque : ce psychédélisme. Cette ouverture d’esprit manque.»

Mais il y a de l’espoir. Il remarque que les gens sont de plus en plus ouverts à cette musique plus riche en ambiance et exploration sonore, à ce psychédélisme. « Tout ça revient! J’ai remarqué dernièrement, dit-il enthousiaste, que l’on peut jouer certains morceaux que l’on n’aurait jamais pu jouer il y a 3 ou 4 ans. Les gens sont là et disent: "Wooooow! Coooool!" Tout ça refait surface !» Qui aurait pu croire qu’un des grands représentants du techno minimal, techno allemand de surcroit, soit profondément animé par un psychédélisme musical… A la bonne heure!

Neige craquante soufflée par un vent saisissant mais en rien trop agressant, le décor de la deuxième soirée d'Igloofest était parfait. Vendredi soir, début de la fin de semaine, chacun plein de joie et d’excitation, l’ambiance électrique sur les quais du Vieux-Port de Montréal était palpable; comme toujours à ces rendez-vous de transes hivernales. Pour approfondir ce bonheur festif et le conduire dans des avenues inconnues, ou revisitées avec ce plaisir pleinement assumé, Basti de l’iconique duo Tiefschwarz était le maître invité. Le deep house allemand à -15 Celsius ressenti: une réconfortante et réchauffante couverture extatique.

Basti a en a vu d’autres. Et pourtant, il y a Igloofest. « À mon arrivée je me suis dit : “Mais où suis-je atterri? C’est vraiment extrême!” ». Ses yeux grands ouverts, étonnés et sa voix tendre clairement secouée montrent son dépassement mais aussi son ravissement. Bien que agréablement ébranlé, Basti, avec son quart de siècle d’expérience comme DJ et musicien invité de par le monde, dégage une aisance et un calme certains interrompus seulement par des éclats de rire sincères. Il est dans son environnement. La foule en transe, l’ivresse de la danse et la musique au cœur de tout cela font partie de sa vie, incrustés au plus profond de son être. «La musique est la plus belle chose que l’on vit, souligne-t-il. Simplement parce que la musique nous transporte dans des sphères que nous ne pourrions pas atteindre normalement. Chacun a le sentiment que la musique l’influence dans sa façon de penser et de ressentir. On peut faire confiance à la musique. On peut faire confiance à son goût musical. Si tu as confiance en la musique, là tu peux t’abandonner».


Le DJ Tanner Ross termine bientôt son set. A l’arrière de la scène, discret et admiratif, se tient Basti. Il avance un peu pour contempler la foule, le décor, l’atmosphère. Vraiment, il aime ça; tout dans ses gestes et son regard le démontre. Il pointe ces spécimens en habit de ski couleur fluo et ces survoltés qui font du body surfing sur une foule compactée au maximum. La musique arrête, le nom « Tiefschwarz » apparaît sur les écrans géants, la foule crie et applaudit. Il s’avance vers son poste de travail puis démarre avec un deep house soyeux et poignant qui vient percuter la foule enivrée. Heureux et vibrant délire : la foule est conquise.



Plus mature et plus deep
Dommage que son frère ne soit pas là pour vivre Igloofest. « Je vais tout lui raconter », assure Basti. Tiefschwarz c’est avant tout une histoire de collaboration entre deux frères. La communion est perceptible comme le démontrent ces nombreuses photos sur lesquelles ils se tiennent côte à côte souriant. « La collaboration est devenue très intéressante entre-temps. Au début, nous fonctionnions de manière fusionnelle. Maintenant, nos caractères se transforment : l’un pointe vers une direction, l’autre à l’opposé. C’est très intéressant et palpitant en ce moment. Nous éprouvons un énorme plaisir. La production de notre prochain album est la chose la plus excitante que nous avons faite jusqu’ici ».

Le dernier album du duo remonte à 2010. Chocolate est un album à plusieurs facettes, où le deep house côtoie des formes musicales jazzy, orchestrale voire même expérimentale pour ce genre assez délimité qu’est le house. La flûte, le xylophone et la batterie viennent se superposer de manière originale à des beats judicieusement feutrés et calibrés. Un album personnel où l’on sent que la musique house est pour Tiefschwarz davantage que de simple beats racoleurs servant à faire danser les masses. Vont-ils continuer avec cette approche multiple pour leur nouvel album? « Pas du tout. Nous allons précisément dans la direction opposée, tranche Basti. Ce sera bien sûr de la musique électronique, mais avec beaucoup plus de vocals (voix). Nous sommes en plein travail donc c’est difficile à évaluer, mais nous voulons absolument faire quelque chose de différent; plus mature et plus intéressant ».

La dernière production sortit sur leur label Souvenir donne le ton au futur album. Au titre évocateur « Dominate my sensation », une chanson de protestation (Protest song) précise Basti moqueur, la voix de la collaboratrice Mama domine nettement. L'ensemble est plus dance house , mais toujours avec cette touche deep célèbre à Tiefschwarz. « Écrire des chansons, créer des mélodies, mais autrement qu’avec la production de musique techno. Plus deep, ajoute-t-il. Écrire des chansons puis réfléchir, méditer. Avec le techno, c’est un morceau puis vite, vite un autre. Cette fois-ci nous voulons nous abandonner dans la chanson et prendre notre temps ». Faire en sorte de s’abandonner, toujours plus profondément : expression claire de la sagesse d’un maître du deep house resplendissant et heureux.

La mort du créateur de la compagnie Apple Steves Jobs en a secoué plusieurs. Fortement même, si on se fie aux réactions élogieuses mais surtout très émotives de la part des utilisateurs de la marque au logo à la pomme croquée : des fleurs déposées devant les boutiques iStore, des minutes de silence observées sur des iPhone éteints, l’image de profil d’utilisateurs de Facebook changée pour le logo de Apple teinté en rouge, etc. Comment comprendre l’étendue de ces réactions qui révèlent un attachement émotif aux produits d’un industriel de génie ? Une réponse possible : la philosophie et le design singuliers des produits Apple; et derrière ceux-ci, se trouve un Allemand.

Au début des années 80, Apple veut s’implanter comme une marque véritable. Elle veut se distinguer et cherche donc à circonscrire son image et son design. C’est à ce moment qu’un Allemand et sa firme de design entre en jeu : Hartmut Esslinger et Frogdesign. C’est lui qui en 1982 créa le design et organisa la production du célèbre ordinateur Apple IIc et de ses périphériques (imprimante, disque dur, souris, etc.). La couleur Fog, le logo en couleur incrusté dans l’ordinateur, les lignes sur l’ordinateur créant l’impression d’un ordinateur compact sont entre autres des créations de Esslinger. Ce design nommé « Snow White design language », où la technologie coexiste avec la forme et la fonction selon une intelligence et une créativité exceptionnelle, fut à la base du premier vrai succès commercial de Apple. Esslinger sera par la suite conseiller de Jobs tout au long de sa carrière et une des rares personnes à le côtoyer à titre d’ami.

Tout aussi important que ce design est la philosophie qui orienta ces créations et que partagèrent Jobs et Esslinger dès le début de leur coopération. « Les produits Apple doivent être comme un être animé, soit comme une autre personne ou comme une extension de notre moi », raconta Esslinger en entrevue au journal Die Zeit en septembre dernier. Cette philosophie au cœur du succès de Apple explique sans aucun doute pourquoi la compagnie a réussi à se distinguer avec brio, hier et encore plus aujourd’hui : donner au produit une expression qui dépasse celui de sa simple utilité; réaliser des produits au design englobant et articulé autour d’une conception qui les « humanise ». En bref, rendre le produit vivant. Rien de moins. Un jour, lorsque Esslinger constata l’horreur des premiers robots commercialisés à des fins privées, il suggéra à Steve Jobs de se lancer dans la fabrication de ceux-ci. « Apple doit être de ce marché », lui dit le designer allemand fort de son intuition qui n’aura cependant aucune suite. Cette suggestion illustre très bien la philosophie de Apple. Même le plus critique des produits Apple et de sa philosophie (ainsi que de son marketing) se laisse prendre à imaginer dans une douce rêverie technologique à quoi pourrait ressembler un iRobot…

La perte du fondateur de Apple, c’est la perte du créateur de ces produits avec lesquels les utilisateurs ont une relation augmentée qui dépasse la simple utilisation; une relation quasi-vitale. Force est d’avouer que nulle autre compagnie n’est parvenue à créer des produits qui peuvent engendrer un tel sentiment de fusion entre le produit et son consommateur. Les réactions liées à la mort de son créateur en sont la preuve. Selon Esslinger, l’avenir du design se trouve dans cette philosophie que Apple a mis en oeuvre en tissant des liens toujours plus serrés entre l’objet de consommation et l’être humain/consommateur : «Aujourd’hui, nous vivons dans un monde d’abondance. Et nous avons la prétention que les produits nous transforment. […] Le prochain niveau sera que les produits techniques élargissent artificiellement notre identité. Know me, be me. Telle est la prétention qu’il devront satisfaire à l’avenir.»
Ajoutez à cela un marketing efficace et vous obtiendrez une révolution du même ordre que Steve Jobs inaugura il y a plus de 30 ans.

Cette année, le Grand Prix de l'Académie canadienne du cinéma et de la télévision fut décerné au prolifique -et polémique- auteur et dramaturge québécois Victor-Lévy Beaulieu. Lors du gala des prix Gémeaux, prix qui récompensent les meilleures productions télévisuelles de langue française du Canada, Victor-Lévy Beaulieu s'est vu remettre le prix des mains de... Stop! Stop! Non, détrompez-vous, cela ne s'est pas passé comme à l'habitude. C'est-à-dire, le lauréat monte les marches de la grande scène, tremblant de nervosité et de bonheur, sous les applaudissements ressentis des gens du milieu tous debout pour une ovation, et récupère sa statuette avant de se lancer dans de longs et sincères remerciements. Le tout diffusé en direct pour le plus grand plaisir des téléspectateurs. Non, rien de tout cela pour Victor-Lévy Beaulieu.

La réalité est qu'on ne lui a pas remis son prix en main propre lors de la diffusion du gala sur les ondes de la chaîne nationale Radio-Canada. On le lui a plutôt remis à l'occasion du gala hors d'ondes de l'avant-première. Oubliez le téléspectateur admiratif et les applaudissements des spectateurs. Oubliez le temps de parole consacré habituellement au lauréat. Oubliez aussi le grandiose et en quelque sorte la sincérité de la chose. Cette remise de prix en parallèle, était-ce pour éviter une sortie polémique de l'écrivain qui ne s'en prive jamais ? Pour éviter qu'il se prononce à propos de la qualité de la programmation télévisuelle actuelle au Canada ? A propos de la programmation du diffuseur public canadien ? Lorsque le romancier a appris qu'il ne serait pas honoré durant la cérémonie des Gémeaux, il a décidé de la boycotter. Le discours qu'il y aurait sans doute tenu, polémique et incisif, il l'a donc livré le lendemain dans les journaux : une lettre très critique quant à l'univers télévisuel contemporain du Québec. Son titre : "J'aime moins la télévision qu'avant".

Toute cette histoire me rappelle un événement semblable qui s'est déroulé en Allemagne lors du Fernsehpreis-Gala de 2008 qui récompensait le critique littéraire et animateur d'une émission littéraire pendant de nombreuses années, Marcel Reich-Ranicki. Cet équivalent de la cérémonie des Gémeaux fut pertubé lorsque le célèbre critique a refusé, en direct, le Prix d'honneur de la télévision allemande (Ehrenpreis der Stifter des Deutschen Fernsehpreises) avant de critiquer longuement la piètre qualité du spectacle qu'il endurait depuis deux heures ainsi que la mauvaise qualité de la télévision allemande dans son ensemble. Imaginez un peu si Victor-Lévy Beaulieu avait fait de même en direct...

Je vous renvois ci-dessous à mon billet publié jadis à propos de cet événement. Force est de constater que les questions soulevées alors sont toujours valables aujourd'hui et applicables à cette histoire peu reluisante de remise de prix décalée.

"Au-delà du scandale, de la provocation et finalement du divertissement que cet événement put provoquer -comment y échapper dans une culture médiatique qui ne vise avant tout que le divertissement ?- c'est l'importance de la critique pour la santé -mentale- d'une société qui fut énoncée de vive voix; et surtout de la nécessité pour la critique négative d'avoir un medium de diffusion afin de pouvoir être tout simplement présente dans l’espace public. Critiquer la nullité d’un gala ou d’un livre dans le dessein, peut-être, de permettre la diffusion d’oeuvres de qualité supérieure sans pour autant être ennuyantes, est-ce une question de courage ? Comment nommer cela "courage" le fait de dire qu’un livre, la télévision ou un gala est mauvais et/ou idiot ? En sommes-nous rendus à ce point, où le fait même d’énoncer une critique négative est une question de courage ?"

Site web de Victor-Lévy Beaulieu