Entries by Vinicius Spricigo

Se podemos hoje falar sobre pensamento curatorial, ou melhor dizendo pensamento sobre exposições, dois autores são fundamentais para a constituição desse campo e a abertura de novas perspectivas no âmbito da história da arte.

Bruce Altshuler, autor de uma obra de referência, “The AvantGarde in exhibition: New Art in the 20th Century” publicada em 1994 em New York, bem como da recente coletânea de documentos sobre exposições, "Salon to Biennial - Exhibitions That Made Art History", concebida e editada por Altshuler para a Phaidon Press. O livro é composto especialmente por fotografias de instalações e displays de exposições, mas também por textos de catálogos, jornais e revistas. No prefácio da obra, assinala o autor o interesse crescente da história da arte em exposições e instituições artísticas, abrindo novas abordagens para o entendimento das práticas artísticas e curatoriais contemporâneas.

No entanto, o primeiro volume editado reafirma uma seleção restrita à exposições ocorridas na Europa e nos Estados Unidos com exceção da primeira exposição do Grupo Gutai em Tóquio, e da última exposição de vanguarda em Petrogrado, São Petersburgo, antes da Revolução, definido uma geografia que inclui apenas Paris, Berlim (e outras cidades alemãs como Munique, Dresden e Stuttgart) Londres e Nova York. Ademais, a própria cronologia estabelecida para esse volume parece seguir uma determinada leitura da história da arte moderna que inicia com a ruptura dos impressionistas com os Salões da Academia Francesa e a Exposição Universal de Paris em 1867 e vai resultar na afirmação da abstração norte-americana no pós-guerra.

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O tema da 24ª Bienal de São Paulo, Antropofagia, foi retomado recentemente na exposição „Alles Kannibalen?“ no me Collectors Room Berlin que encerrou no último 21 de Agosto, contribuindo em apresentar no contexto alemão algo proposto em 1998 pela mega-exposição de Paulo Herkenhoff. Também Vanessa Ramos-Velasquez, uma brasileira radicada em Berlim, tem avançado, embora em outra direção, ao resgatar interdisciplinarmente (com um hídrido de teoria e performance) a tradição antropofágica brasileira através da linguagem digital, com sua "Digital Anthropophagy" e o "Anthropophagic Re-manifesto for the Digital Age", vencedor do Flusser Award Distinction (Vilém Flusser Theory Award / Transmediale 2011).
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A Hochschule für Gestaltung Karlsruhe (HfG) foi inaugurada em Abril de 1992, poucos anos depois do ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, inaugurado no ano emblemático da queda do Muro de Berlim e do final da Guerra Fria. Desde 1997, ambas instituições ocupam o mesmo espaço (histórico), um edifício industrial de 312 metros de comprimento que abrigou uma fábrica de munições a partir de 1918. Portanto, a relação entre ensino, pesquisa acadêmica e produção e mostração artística é aqui singular, afinal, poucos escolas de artes conseguem reunir teoria, prática e novos meios de comunicação tendo nomes como Peter Sloterdijk e Isaac Julien em seu corpo docente, conferindo à cidade de Karlsruhe o título de "Weimar do Século 21" e, por conseguinte, associando a escola à Bauhaus e à frágil democracia da República de Weimar.

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Em que consiste afinal uma prática estética? Talvez no sentido mais tradicional do termo de toda atividade voltada à produção de objetos considerados como obras de arte, sendo a beleza um de seus aspectos fundamentais, de acordo com a estética moderna fundada pelo filósofo alemão Alexander Baumgarten. Entretanto, desde algumas proposições vanguardistas do início do século 20 e definitivamente após a década de 60 do mesmo século, o termo estética abarca um espectro muito mais variado de ações e práticas retomando talvez o sentido etimológico da palavra na sua relação com os sentidos.

No campo que convencionou-se chamar de arte contemporânea,algumas exposições vem propondo práticas artísticas conhecidas como site-specific, nas quais artistas desenvolvem projetos in situ integrando comunidades e contextos locais, com plataformas ditas “horizontais” para a produção de conhecimento, as quais se configuram nas mais diversas formas, desde a organização de debates e seminários, até proposições mais radicais, de transformar uma exposição em escola de arte, como foi o caso da Manifesta 6; exposição que foi cancelada em junho de 2006 devido a divergências entre os responsáveis pelo projeto curatorial e as autoridades da cidade de Nicosia, Chipre, localizada nos limites da Comunidade Europeia e dividida entre os setores grego e turco.

Do fracasso e na ausência deixada por esse projeto surge uma questão: poderia portanto uma escola um grupo de leitura constituir-se como uma proposição estética? Continue reading "Aula" »

Perpétua frequência é o trabalho apresentado ao público por Fernanda Trevellin em seu estúdio na Universidade de Artes de Berlin (UdK), resultado de sua "passagem" pela academia, da colaboração interdisciplinar e do cruzamento de fronteiras entre arte e ciência. O trabalho consiste em conjunto de dutos conduzindo suco de jenipapo através de um sistema que conquista o espaço do estúdio e interage com os espectadores presentes através de sensores e mecanismos elétricos, bem como do som produzido e amplificado nesse ambiente. A imagem criada nos remete automaticamente ao funcionamento de organismos vivos e/ou sociais e à ideia da morte e/ou falência das organizações sociais: o sistema se retroalimenta constantemente, mas sua relação com o espaço do estúdio é provisória. Também o acaso parece contribuir para a realização do trabalho, através da vegetação que ganham o espaço do estúdio o contribui assim, inconscientemente, com a associação as ramificações e estratificações naturais/sociais. Continue reading "Estúdio" »

A criação da Universidade de Artes de Berlim é recente. O nome universidade passou a ser usado somente em 2001, embora sua história remonte à antiga Academia Prussiana de Artes criada em 1696 por Frederick I. É significativa a mudança do estatuto de "Hochschule", adotado quando da união das escolas de música e belas artes em 1975 na antiga Berlim Ocidental, para uma nova universidade agora situada na capital da Alemanha unificada, cidade que clama por um posição central no circuito artístico globalizado. Além de uma reforma estrutural, que reorganizou diversos departamentos em quatro faculdades (artes plásticas; arquitetura, mídia e design; música; artes performativas) o novo status universitário veio confirmar, por exemplo, o seu direito de conferir títulos de doutorado e pós-doutorado.

Tal mudança administrativa não está desassociada, entretanto, das estratégias que algumas cidades europeias adotaram para se reposicionar diante das mudanças econômicas e geopolíticas ocorridas após a queda do Muro de Berlim, nas quais a cultura aparece associada ao "branding" correspondente à imagem de "creative city". Cidades como Berlim são consumidas como imagens ao redor do mundo, enquanto os artistas que vivem nessas cidades fornecem os meios para a materialização desse imaginário global.

A universidade foi visitada no final do semestre letivo, nos seus dias de "portas abertas", onde é possível realizar um tour (rundgang) pelas suas instalações, bem como aos estúdios dos estudantes, entre eles uma brasileira, Fernanda Trevellin que lá apresentava sua "Meisterschüler Ausstellung".

Certamente o artigo "The Unstable Institution" (2003-2004) publicado pelo crítico de arte e curador Carlos Basualdo no "Manifesta Journals on Biennials" não pode deixar de ser considerado quando falamos sobre "pensamento curatorial". Embora nos últimos anos temos assistido a uma profusão de publicações (em inglês) sobre o tema, as questões levantadas naquela época pelo autor ainda são pertinentes e atuais. Há singularidades, é claro, no caso brasileiro, onde a instabilidade institucional deve ser compreendida de outra forma e os discursos institucionalizados têm se ocupado de outros temas e portanto o fenômeno, a saber, a virada curatorial ainda nos parece "invisível".

Se recupero tal texto é justamente para lembrar a necessidade de repensar os espaços instituicionalizados que abrigam e legitimam os discursos e as práticas artísticas: o ateliê, a galeria, o museu e porquê não dizer também a academia/universidade? A academia e/ou as escolas de arte de arte no Brasil têm suas histórias associadas ao período colonial e sua integração ao ensino universitário é algo recente que data dos anos 1970. A incorporação da Escola "Nacional" de Belas Artes, cuja história remonta à Academia Imperial de Belas Artes criada de acordo com o modelo da Academia Francesa, pela Universidade Federal do Rio de Janeiro é um bom exemplo disso. Por conseguinte, a história do ensino, das exposições e também dos museus de arte no Brasil segue essa tradição e, não é à toa, que muitos artistas ainda denominem o seu local de trabalho como ateliê.

Nesse sentido, a visita ao "studio" e a escritura dirigida ao trabalho ou à obra de arte é, sem dúvida, uma dessas práticas institucionalizadas que discursivamente ocultam e tornam invisíveis as mudanças ocorridas nos últimos anos. Portanto, tal fenômeno requer justamente uma postura curatorial que comente, afinal, o desaparecimento desses espaços e as "imagens" que nos lembram de sua ausência.



Os textos publicados no Blog Studio Visits foram postados durante minha pesquisa de pós-doutorado no Vilém Flusser Archive apoiada pela Fundação de Amparo à Pesquisa no Estado de São Paulo. As opiniões, hipóteses e conclusões ou recomendações expressas neste material são de responsabilidade do autor e não necessariamente refletem a visão da FAPESP