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Die Frankfurter Buchmesse hat in diesem Jahr wieder verschiedene Buchkollektionen zusammengestellt, darunter erneut eine zum Thema „Aktuelle Graphic Novels aus Deutschland“. Die vierzig Titel umfassende Auswahl an Büchern, die die Frankfurter Buchmesse in den kommenden Monaten auf verschiedenen internationalen Buchmessen präsentiert, wird – wie bereits im vergangenen Jahr – von einer Broschüre begleitet. In „Berlinoir – Aktuelle Graphic Novels aus Deutschland“ werden alle Titel kurz vorgestellt. Andreas Platthaus spricht in dem Vorwort von einem „Boom der deutschsprachigen Comicrezeption [...], die sich anschickt, die seit Jahrzehnten enteilten anderen Comickulturen zu überholen, ohne sie einzuholen“ – quantitativ könne der deutsche Comicmarkt zwar nicht mit den Märkten in Frankreich, Japan oder den USA mithalten, aber qualitativ sei das Niveau erreicht, zum Teil sogar übertroffen worden. Auffällig sei die große Zahl von Klassiker- bzw. generell Literatur-Adaptionen, diese reichen von der radikal reduzierten Version von Karl Kraus’ „Die letzten Tage der Menschheit“, die sich Reinhard Pietsch und David Boller ausgedacht haben, über Tim Dinters Adaption von Sven Regeners „Herr Lehmann“ bis hin zu Ralf Königs „Perry Rhodan“-Verschnitt „Barry Hoden“.

Neben bekannten Werken wie die in den letzten Monaten mit Preisen ausgezeichneten oder breit besprochenen Titel von Mawil („Kinderland“), Barbara Yelin („Irmina“) oder Simon Schwartz („Vita Obscura“) werden auch viele Titel von Zeichnern präsentiert, die (noch) nicht so bekannt sind. Christopher Burgholz hat mit „Penner“ etwa eine „fast schon dokumentarisch wirkende Geschichte über einen Obdachlosen“ gezeichnet. Frank Flöthmann erzählt in „Stille Nacht“ die Geschichte der Geburt Christi und kommt dabei zwar nicht ohne Sprechblasen, aber ohne Worte aus - in den Sprechblasen sind nur Piktogramme. Martina Peters hat mit dem ersten Band von „Tempest Curse“ ein deutsches Manga vorgelegt. Stephan Scheler (Text) und Nikolai Becker (Illustrationen) wagen es, in „Jahdolf und das Großkaribische Reich“ die Rastafari-Kultur der Karibik mit der Geschichte des Nationalsozialismus zu kreuzen. Jan Soeken erzählt in seinem Debüt „Friends“ von zwei Teilnehmern an einem deutschen Ku-Klux-Klan-Treffen, die sich mangels brauchbarer Wegbeschreibung verirren. Die Auswahl bietet ein buntes Potpourri der deutschen Comicszene.

Immer häufiger werden Sachthemen als Comic aufbereitet, in der Hoffnung, im neuen Gewand bislang nicht erreichbare Zielgruppen für diese Themen zu gewinnen – das kann der Klimawandel, der Afghanistan-Krieg oder die Situation von Asylbewerbern sein. Über den Ersten Weltkrieg gab es in Deutschland bisher keinen Comic (siehe FAZ-Blog), ganz im Gegensatz zu Frankreich, wo Jacques Tardi sicherlich der bekannteste Comickünstler ist, der das Thema aufgegriffen hat. Das hat sich nun geändert, wenn auch nur mit zeichnerischer Unterstützung aus Frankreich. Der Kölner TintenTrinker Verlag wurde 2013 als Schwesterverlag des französischen Kinder- und Jugendbuchverlags Le buveur d´encre gegründet, um sein erstes gemeinsames Buchprojekt, das „Tagebuch 14/18. Vier Geschichten aus Deutschland und Frankreich“ zum 100. Jahrestag des Ausbruchs des Ersten Weltkrieges umzusetzen. Die französische Verlagsleiterin Julie Cazier lebt seit 15 Jahren in Köln und will insbesondere jungen Menschen das Thema Erster Weltkrieg nahe bringen. Dieses deutsch-französische Gemeinschaftsprojekt von Alexander Hogh (Text) und Jörg Mailliet (Illustrationen) zeigt episodenhaft die Kriegsjahre aus der je eigenen Perspektive von Walter, René, Nessi und Lucien, vier jungen Menschen aus Frankreich und Deutschland, beginnend mit der anfänglichen Kriegseuphorie und mit der resignierten Frage „Wofür dann all die Opfer?“ endend. Die vier Handlungsstränge, denen historische Quellen zu Grunde liegen, machen nachvollziehbar, wie die anfängliche Kriegsbegeisterung angesichts der schrecklichen Realität auf den Schlachtfeldern in Ernüchterung umschlägt und wie der Krieg das Weltbild der jungen Leute nachhaltig erschüttert. Aus den Einzelschicksalen wird so ein soziales Panorama der Zeit des Ersten Weltkriegs aus der Sicht der jungen Generation. Wissenschaftlich begleitet wurde das Projekt von den Historikern Gerd Krumeich und Nicolas Beaupré. So wurden in diesem Comic pädagogische Intentionen, historische Forschung und künstlerische Gestaltung miteinander vereint. Die Koproduktion ist natürlich auch ein Beleg dafür, dass die Erbfeindschaft zwischen Deutschland und Frankreich – bei allen tagespolitischen Disputen – (hoffentlich) für immer überwunden ist.

Der 1985 in Paris geborene, heute in Berlin lebende Illustrator Sebastian Lörscher unternahm im November 2011 eine Reise nach Indien und verbrachte einen Monat in Bangalore. Er wusste vorher nicht viel über Indien und tat, „was man als Zeichner eben tut, wenn man an einem fremden Ort ist und sich nicht auskennt: Ich setzte mich auf die Straße – und zeichnete“. Aus diesem Material entstand eine „gezeichnete Reportage“, so Lörscher in einem ZEIT-Interview. Diese „Graphic Journey“ erschien in diesem Jahr bei der Edition Büchergilde unter dem Titel „Making Friends in Bangalore“. Das Buch enthält reduzierte, knallbunte Zeichnungen von Alltagsszenen mit Sprechblasen in Deutsch oder Englisch sowie einige Schwarz-Weiß-Skizzen, die mir persönlich am besten gefallen. Inhaltlich geht es um alle Themen, die einen Neuankömmling in Indien beschäftigen, von der freundlichen Neugier der Inder über den fluchenden Auto-Rikscha-Fahrer bis zur nahezu unvermeidlichen Durchfallerkrankung. Außerdem geht es natürlich auch um den typischen Business Talk, um verschiedene Rituale und Zeremonien, die in Indien viel stärker im öffentlichen Leben stattfinden als hierzulande, und im Epilog gibt es noch ein kleines Glossar zu Bangalore, in dem Begriffe wie Boomtown, Work, Education, Poverty oder Tradition & Modern Spirit mit Worten und Illustrationen skizziert werden. Für Pieke Biermann ist es ein „erstaunliches Buch“ voller „Selfies mit Feder, Tusche und Buntstift“ (Beitrag auf Deutschlandradio Kultur).
Auf der Website von Sebastian Lörscher kann man einen zahlreiche Einblicke in sein Werk gewinnen, auch in sein Original-Skizzenbuch.

In „Heute ist der letzte Tag vom Rest deines Lebens“, der diesjährigen Buchkollektion der Frankfurter Buchmesse, geht es um aktuelle Graphic Novels aus Deutschland. In der Einleitung charakterisiert der FAZ-Feuilletonist Andreas Platthaus Deutschland als verspätete Comic-Nation. Sein Essay ist ein Abriss der Geschichte des Comics in Deutschland. Platthaus erläutert die Rolle des Nationalsozialismus, den Einfluss amerikanischer Comics und interpretiert die Wiedervereinigung als Kreativitätsschub. Aktuell auffällig sei die „geradezu explodierende Zahl an Comic-Adaptionen von Romanen (und dabei bevorzugt der großen Klassiker wie Musil, Schnitzler, Kleist, Kästner) oder auch die besondere Stellung von Geschichtscomics“. Zwar sei der heimische Anteil an der Comicproduktion in den letzten Jahren gestiegen, doch diese Entwicklung sei zweischneidig, weil „auch etliches publiziert wird, das auf beklagenswert niedrigem Niveau steht“. Damit die guten ins Töpfchen und die schlechten ins Kröpfchen kommen, gibt es nun diese Comic-Kollektion – etwaige Assoziationen zu den zahlreichen Modekollektionen sind eventuell gewollt. Die Auswahl umfasst 63 Comics, „die künstlerisch und erzählerisch zum Besten zählen, das in den letzten Jahren in Deutschland publiziert worden ist“, so Kathrin Grün im Buchmesse Blog.

Für das Buchprojekt „Helden der Kindheit“ haben sich 50 Autorinnen und Autoren an verschiedene Comic-, Film- und TV-Serienfiguren aus den 1950er bis 1990er Jahren erinnert. 40 Design-Studenten der Fachhochschule Münster haben das Buch typografisch gestaltet und durchgehend illustriert. Roman Graf, der in diesem Jahr für seinen Roman „Niedergang“ für den Schweizer Buchpreis nominiert wurde, erzählt zum Beispiel aus seiner Pfadfinderzeit, als er an einem Sommerlager teilnahm, das unter dem Motto Asterix stattfand. Dort erhielt er einen neuen Spitznamen: Aus Frisbee wurde Frisbix. Das klingt zwar ein bisschen nach Hundefutter, aber mit dieser weiteren Identität konnte er noch tiefer in seine Parallelwelt eintauchen, die ihm „lieber war als die Wirklichkeit mit Schule und Lehrer“. Dass es durchaus Parallelen zwischen den Schlümpfen und dem kommunistischen Polen gab, stellt Sabrina Janesch rückblickend fest. In den Illustrationen sind die Schlümpfe kleine gehäkelte Figuren, die vor einer Riesin fliehen und am Ende im Suppenteller landen. Marie Pohl liebt Pumuckl, weil sie in dem kleinen Kobold und Worteverdreher – ein Wellensittich wird bei ihm ein Sittenwellich – einen Bruder im Geiste sieht und weil er Sachen sagt wie: „Koboldsein und Dichten ist eins“. David Wagner erinnert sich an den dunklen Vater aus „Star Wars“, Darth Vader, dessen Atemgeräusche dem Schnarchen des leiblichen Vaters ähnelten, welcher aber leider keinen Sternenzerstörer kommandierte. Die leider in diesem Jahr verstorbene Musikerin und Autorin Almut Klotz wurde von den Geschichten um den Räuber Hotzenplotz inspiriert. Insbesondere die Figur der Witwe Schlotterbeck, eine richtige Schlampe, die bis nachmittags schlief, hatte es ihr angetan. Es „war ausgemachte Sache, dass Witwe Schlotterbeck nicht gut roch“. Sie gefiel Klotz so gut, dass sie selbst ebenfalls eine Schlampe wurde. Für Tanja Dückers ersetzte die sonntägliche Sendung mit der Maus im kathedralenartigen Wohnzimmer den Kirchgang. Der Poetry Slammer Tobias Kunze war bei der Comicserie Tim und Struppi nicht von dem intelligenten Milchbubi Tim fasziniert, sondern von den verschrobenen Randcharakteren. Sein Augenmerk galt insbesondere Kapitän Haddock, dem schrullig-unbeholfenen Haudegen, dem Kunze auch die schönste Alliteration seiner Kindheit verdankt: „hunderttausend heulende Höllendhunde“.

Nicolas Mahler entführt uns mit seinen reduzierten Zeichnungen in bizarre Welten und merkwürdige Situationen. Gerne führt er Alltagserlebnisse ad absurdum. Auch sprachlich ist Mahlers Stil sehr lakonisch, weshalb er nicht nur als „Meister des Dahingekritzelten“, sondern auch als „Aki Kaurismäki der Comic-Cartoons“ bezeichnet wird (siehe Mahler-Artikel auf der Website „Deutschsprachige Comics“). Zuletzt hat er mit Literatur-Adaptionen auf sich aufmerkam gemacht. 2011 hat er „Alte Meister“, eine Komödie von Thomas Bernhard, als Comic umgesetzt. 2012 veröffentlichte Mahler „Alice in Sussex“, eine wilde Mischung aus Lewis Carrolls „Alice im Wunderland“ und H.C. Artmanns Erzählung „Frankenstein in Sussex“. Nun hat Mahler bei dem Verlag Edition Moderne den Cartoonband „Mein Therapeut ist ein Psycho!“ vorgelegt, in dem er sämtliche vor- und nicht vorstellbaren Therapieformen durch den Kakao zieht. Im November soll die nächste Literatur-Adaption folgen. Mahler setzt Musils Mammutwerk „Der Mann ohne Eigenschaften“ als Comic um.

Philip Cassirer (*1981) studierte zunächst Grafik an der Hamburger Kunstschule Alsterdamm und begann 2005 ein Studium im Fachbereich Gestaltung an der Hochschule für angewandte Wissenschaften (HAW). Für seine Diplomarbeit ist der Hamburger Zeichner durch Nepal, Indien und Bangladesch gereist. Aus dieser Reise entstand sein erster eigenständiger Comicband „Was kostet ein Yak?“. Das Ergebnis ist ein Comic von und für Rucksackreisende.
Es wird keine spannungsreiche Geschichte erzählt, sondern von typischen Reiseerlebnissen entlang der traditionellen Alternativtouristen-Routen berichtet. Es geht etwa um die Schwierigkeiten, sich für einen der vielen Taxifahrer, die einen Reisenden aus der westlichen Welt bestürmen, zu entscheiden, um die diversen Drogenerfahrungen, die abenteuerlichen Fahrten in den unterschiedlichen Fortbewegungsmitteln oder die üblichen Verdauungsprobleme von Asienreisenden. Inhaltlich bleibt der Comic dabei oberflächlich, die Reisesituationen werden einfach aneinandergereiht. Mit seiner pseudocoolen Sprache richtet sich der Comic eher an ein jüngeres Publikum (oder auch an ein nostalgiebedürftiges älteres Publikum), das sich in den verschiedenen Episoden wiedererkennt. Der Comic ist im Querformat erschienen, sodass ganz- bis doppelseitige Panoramazeichnungen z.B. einer Kreuzung in Varanasi möglich sind, die den Charakter eines Wimmelbildes haben können. In einem Tagesspiegel-Interview spricht Cassirer über seinen Comic. Und was kostet nun ein Yak? Fast doppelt so viel wie ein Esel und mehr als 60 Mal so viel wie ein Sherpa.

Im Kunstanstifter Verlag ist Kurt Tucholskys Bändchen „Der Zeitsparer“ neu erschienen, neu insbesondere deshalb, weil die Grotesken – die Neuausgabe enthält drei der ursprünglich vier Texte – mit ganzseitigen Bildern der Illustratorin und Buchgestalterin Franziska Walther angereichert sind. Dadurch ist das Buch – laut Freistil online – „überzeugend im Heute angekommen“. Tucholsky veröffentlichte das Büchlein 1914 unter dem Pseudonym Ignaz Wrobel, einem seiner vielen Decknamen. In seinen Kurzgeschichten hinterfragt Tucholsky Werte und Lebensrealitäten, die immer noch sehr aktuell sind. In der kleinen Vorrede schreibt Ignaz Wrobel eine Belehrung an sich selbst, die man auch heute durchaus noch beherzigen sollte. Dass das Leben eine ernste Sache sei, bekomme man schon in der Schule beigebracht, aber dem sei nicht so. Dass alles eine Ursache habe, sei auch eine Irrlehre: „Kausalität, mein Junge, ist, wenn man dran glaubt“. Und als Rat gibt der Autor sich selbst – und natürlich auch dem Leser – Folgendes mit auf den Weg: „Bleib äußerlich der ernste reputierliche Mann mit dem Bart, als den sie Dich kennen und schätzen. Innerlich aber, mein Junge, innerlich: Lache!“ Wenn man danach die Titelgeschichte liest, fühlt man sich vollends im Hier und Jetzt angekommen. Zeitgenössische Schlagworte wie digitale Informationsflut und Zeitmanagement müssen gar nicht fallen, um sich in dieser Geschichte heimisch zu fühlen, in der alle Menschen nur Zeit sparen sollen – ohne zu wissen, was sie mit der gesparten Zeit eigentlich anfangen sollen, außer an der Zeitbörse mit ihr zu handeln. Frei ist hier derjenige, der auf die Zeitsparer pfeift und statt dessen lieber seine Pfeife raucht und spazieren geht.

Der Wilhelm Fink Verlag hat im vergangenen Jahr eine neue Reihe aufgelegt: Philosophie für Einsteiger. Es handelt sich um relativ leicht verständliche und unterhaltsame Einführungen in das Denken von wichtigen Philosophen. Die im DIN A4-Format erschienenen Bände sind mit comicartigen Schwarz-Weiß-Zeichnungen illustriert. Nachdem es bereits Adorno, Foucault und Nietzsche für Einsteiger gibt, sind in diesem Jahr „Karl Marx“ und „Martin Heidegger“ hinzugekommen. Die Texte stammen jeweils von dem promovierten Philosophen und Lehrer Reiner Ruffing, die Illustrationen von Ansgar Lorenz.

Die Bände sind ähnlich aufgebaut. Die Philosophen werden in ihren historischen Kontext eingebettet. Bei Marx werden die Geschichte der Arbeiterbewegung, die Industrielle Revolution, das Entstehen der Sozialen Frage, die gescheiterte Deutsche Revolution von 1848/49 usw. skizziert. Im Heidegger-Band bilden der Erste Weltkrieg, die „Roaring Twenties“, der Zweite Weltkrieg und natürlich Heideggers Verstrickung mit den Nationalsozialisten den historischen Hintergrund. Außerdem werden zahlreiche Denker und Philosophen porträtiert, die den jeweiligen Philosophen beeinflusst haben oder von ihm beeinflusst wurden. Sind das bei Marx z.B. Vertreter des Frühsozialismus sowie Georg Wilhelm Friedrich Hegel, Heinrich Heine, Friedrich Engels, Adam Smith oder David Ricardo, gibt es im Falle Heideggers Exkurse zu Kierkegaard, Karl Jaspers, Hannah Arendt, Hans-Georg Gadamer, Ernst Cassirer oder Jürgen Habermas. In weiteren Exkursen werden auch Grundbegriffe und sonstige mit der jeweiligen philosophischen Lehre in Zusammenhang stehende Themen knapp umrissen. Bei Marx gibt es Exkurse zum Begriff Proletariat, zur Dialektik von Herr und Knecht oder zum Leib-Seele-Problem, bei Heidegger werden Fußball, Neukantianismus oder Hermeneutik thematisiert. Abschließend gibt es jeweils ein Glossar der etwa 20 wichtigsten philosophischen Begriffe. Am Ende des Heidegger-Bandes finden sich noch ein paar Anekdoten. So soll Heidegger Studenten, die sich allzu distanzlos des Jargons des Philosophen bedienten, angefahren haben: „Hören Sie sofort auf zu heideggern!“

Kann man ein wissenschaftliches Gutachten als Comic darstellen? Im Verlagshaus Jacoby & Stuart ist der Comic „Die große Transformation. Klima – Kriegen wir die Kurve?“ erschienen, in dem ein Bericht von 420 Seiten Umfang in eine Bildergeschichte transformiert wurde. Auf der Website des Verlages heißt es: „Neun Wissenschaftler kämpfen als Comic-Helden gegen den Klimawandel“. Dabei handelt es sich um die Mitglieder des von der deutschen Bundesregierung bestellten Wissenschaftlichen Beirats globale Umweltveränderungen (WBGU): die Klimaforscher Hans Joachim Schellnhuber und Stefan Rahmstorf, der Paläontologe Reinhold Leinfelder, die Politikwissenschaftler Dirk Messner und Claus Leggewie, der Ingenieur für Luft- und Raumfahrttechnik Jürgen Schmid, der Professor für Energiewirtschaft Nebojsa Nakicenovic, die Wirtschaftswisenschaftlerin Renate Schubert und die Rechtswissenschaftlerin Sabine Schlacke. Illustriert wurde das Buch von Jörg Hartmann, Jörg Hülsmann, Iris Ugurel, Robert Nippoldt, Christine Goppel und Astrid Nippoldt. Den Originalbericht kann man auf der WBGU-Website herunterladen.

Jede/r der neun Wissenschaftler/innen beleuchtet das Thema aus seiner/ihrer Perspektive in jeweils einem Kapitel. Hans-Joachim Schellnhuber erklärt die Labilität des Ökosystems Erde und plädiert für eine nachhaltige Entwicklung. Reinhold Leinfelder beschreibt den Einfluss des Menschen auf die Entwicklung der Erde und nennt unser Erdzeitalter das Anthropozän, das Zeitalter des Menschen. Stefan Rahmstorf behandelt den Klimawandel und seine Auswirkungen, Dirk Messner beschreibt die UN-Nachhaltigkeitskonferenzen wie die in Rio trotz aller trotz ihres Scheitern als aufklärerischen „Ausgang des Menschen aus seiner selbstverschuldeten Unmündigkeit“. Jürgen Schmid hingegen besucht einen Offshore-Windpark. Nebojsa Nakicenovic erläutert die Notwendigkeit, den CO2-Ausstoß zu reduzieren und die Lebensgewohnheiten zu ändern bis hin zu der Forderung, dass auch „in den Industrienationen Insekten verspeist werden“ sollten, weil die Aufzucht von Insekten viel weniger Ressourcen erfordere als die Fleisch- oder Fischproduktion. Renate Schubert stellt die (ungleich größeren) Kosten des Klimawandels den Kosten zur Reduktion der Treibhausgase gegenüber. Dass auch der Staat gefordert ist, dem Klimaschutz einen rechtlichen Rahmen zu geben, beleuchtet Sabine Schlacke. Schließlich appelliert Claus Leggewie im letzten Kapitel an uns alle, den „inneren Schweinehund“ zu überwinden und zum Beispiel weniger Fleisch zu essen, sich an politischen Entscheidungsprozessen zu beteiligen oder auch mit dem urbanen Gärtnern anzufangen.

Nun stellt sich natürlich die Frage: Geht das Konzept auf? Kann man ein derart faktenlastiges Thema schön und leichter rezipierbar im Comic-Stil darstellen, sodass sich eventuell auch Menschen für ein Thema zu interessieren beginnen, denen es bislang zu komplex und zu expertenlastig war? Dagmar Röhrlich vom Deutschlandfunk zieht ein positives Fazit: „Leicht lesbar, aber trotzdem voller Fakten und Ideen, über die nachzudenken sich wirklich lohnt. Der Nachmittag, den man mit diesem Comic verbringt, ist gewonnene Zeit“. Natürlich steht bei „Die Große Transformation“ der Inhalt über der Form und es handelt sich um keinen experimentellen Comic. Die Zeichnungen sind schwarz-weiß – „Farbe habe das Budget nicht hergegeben, räumte der Zeichner Jörg Hülsmann ein“ (laut Hamburger Abendblatt) – und sie dienen sehr stark der Illustration der wissenschaftlichen Ausführungen und fügen nicht viel Eigenständiges hinzu. Sprachlich biedert man sich nicht an ein junges Publikum an, sondern hat absichtlich auf eine „Comic-Sprache à la "Peng" und "Boing" verzichtet“, eine „Vorgabe des WBGU“.
Der Comic ist kein Selbstzweck, kein L'art pour l'art, sondern „in ein wissenschaftliches Kommunikationsprojekt eingebettet“, um herauszufinden, „ob sich das Comic-Format zur Vermittlung komplexer Zukunftsthemen eignet“. Deshalb gibt es auf der Website zum Comic „Die große Transformation“ eine Umfrage unter den Lesern. Vielleicht sind die Wissenschaftler (und die Zeichner) danach ja noch schlauer.

Nachdem der Carlsen Verlag bereits im Sommer einen Comic über den Afghanistan-Krieg veröffentlicht hat (Arne Jyschs „Wave and Smile“, siehe Blog-Beitrag „Der Afghanistan-Krieg als Comic“), folgte nun im Herbst „Kriegszeiten“, eine „grafische Reportage über Soldaten, Politiker und Opfer in Afghanistan“. Der Text stammt von dem Journalisten David Schraven, die Zeichnungen von Vincent Burmeister. Es handelt sich um einen Reportage-Comic mit politisch-aufklärerischem Anspruch, um eine Mischform von investigativem Journalismus und Graphic Novel. Dem Leser sollen die Augen für die Realitäten des Afghanistan-Einsatzes geöffnet werden, indem die Entwicklung seit 2001 dargestellt wird. Das Autorenduo will vor allem verdeutlichen, dass Worte wie „Friedensmission“ oder „Nation building“ nur Potemkinsche Dörfer sind, hinter deren Fassade ein Krieg tobt, den die verantwortlichen Politiker lange Zeit nicht so nennen wollten. „Also mir wäre es vor allen Dingen wichtig, zu zeigen, wie unrealistisch die Kriegsziele waren und wie lange es gelungen ist, dass Deutschland Krieg geführt hat, ohne dass wir tatsächlich „Krieg“ geführt haben“, so Schraven in einem SWR2-Interview.

Krieg und Comic beginnen am 11. September 2001 in New York. Schnell ist klar, dass sich die USA im Kriegszustand wähnen und alle Verbündeten – auch Deutschland – sich nicht entziehen können. Das Mantra in den ersten Jahren ist die Aussage des damaligen Verteidigungsministers Peter Struck aus dem Jahr 2004: „Unsere Sicherheit wird nicht nur, aber auch am Hindukusch verteidigt“. Der zweite Teil (mit dem Titel „Festgefahren“) beginnt mit dem Selbstmordattentat vom 7. Juni 2003 in Kabul, bei dem vier Bundeswehrsoldaten ums Leben kommen und 29 weitere verletzt werden. Spätestens seitdem, so erzählt der Comic, seien die Soldaten von den Politikern, die aus innenpolitischen Gründen nur an guten Meldungen Interesse haben, im Stich gelassen worden. Afghanistan selbst sei wieder in Korruption, Drogenhandel und der Herrschaft von Warlords versunken. Die Aufbauhilfe der Bundeswehr wie etwa die Schulung von einheimischen Polizeikräften sei eine Farce. Die Bundeswehrsoldaten dürfen – wenn überhaupt – nur noch in gepanzerten Fahrzeugen ausrücken. Viele leiden angesichts der eigenen Tatenlosigkeit unter Lagerkoller. Das dritte und letzte Kapitel namens „Krise“ beginnt mit der Afghanistan-Konferenz in London im Januar 2010 (im Comic ist die Londoner Konferenz fälschlicherweise auf das Jahr 2009 datiert), wo eine Strategie beschlossen wurde, die laut den Comic-Autoren darin bestand, „sich möglichst bald ohne Gesichtsverlust aus dem Staub [zu] machen“. Im Comic folgt dann als Beispiel für die geplante ISAF-Offensivstrategie eine ausführliche Schilderung der Operation Halmazag (Ende Oktober/Anfang November 2010), bei der die Bundeswehr erstmals an einer Offensivoperation zur Vertreibung von Aufständischen beteiligt war. Doch laut Schraven und Burmeister gibt es in Afghanistan nichts, was den Namen Strategie verdient. Der Westen kooperiere mit Warlords wie Abdul Raschid Dostum und sei deshalb für die Afghanen unglaubwürdig. Ein friedlicher Nationalstaat lasse sich mit Leuten wie Dostum nicht aufbauen. Und welches Fazit zieht der Comic? Da sich die Situation in Afghanistan in den vergangenen zehn Jahren massiv verschlechtert habe, sei der Afghanistan-Krieg entschieden: „Über etliche Regionen hat die Zentralregierung die Macht verloren. Aufständische kontrollieren die Drogenmärkte und das Land. [...] Der Krieg in Afghanistan ist verloren“. Für Schraven und Burmeister steht fest, dass – zumal die Bundeswehr nun eine Berufsarmee ist – Afghanistan „nur der Auftakt für die neuen Kriegszeiten“ ist.

Auch wenn die „Prätenziösität“ der Autoren, die „Pose des aufrechten Kämpfers für die Wahrheit in einem Meer vermeintlicher Ignoranz“, bisweilen ein bisschen nerven kann (so Michael Schmidt im Tagesspiegel), bietet ihr Comic doch einen gut recherchierten und interessanten Abriss des mehr als zehnjährigen Krieges in Afghanistan, in dem viele Soldaten zu Wort kommen, deren Erzählungen belegen, wie sich die Situation kontinuierlich verschlechtert hat. Die Zeichnungen sind in düsterem Schwarz-Weiß gehalten, Farbe kommt nur im gelb- bis ocker- sowie dunkelrot- bis braunfarbenen Hintergrund ins Spiel.

Passend zum jüngsten Trend im Bereich der Graphic Novels (siehe Blog-Eintrag „Klassiker als Comics“) hat sich nun auch der Illustrator Jakob Hinrichs einem Klassiker zugewandt: im Jahr von Arthur Schnitzlers 150. Geburtstag hat Hinrichs eine Comic-Interpretation von Schnitzlers „Traumnovelle“ vorgelegt (bei der Edition Büchergilde erschienen).

Die „Traumnovelle“ von Schnitzler erschien erstmals 1925. Die Geschichte handelt von der scheinbar harmonischen Ehe des Arztes Fridolin und seiner Frau Albertine. Unter der Oberfläche werden beide von ungestillten erotischen Begierden und Träumen heimgesucht. Schnitzler, der auch als praktizierender Arzt tätig war, hatte sich intensiv mit der Psychoanalyse beschäftigt und war auch mit Sigmund Freud bekannt. Er hatte Freuds „Traumdeutung“ (1900) kurz nach deren Erscheinen gelesen. Freud seinerseits schrieb in einem Brief an Schnitzler, dass er ihn für einen „psychologischen Tiefenforscher“ halte und als einen „Doppelgänger“ empfinde: „So habe ich den Eindruck gewonnen, daß Sie durch Intuition - eigentlich aber in Folge feiner Selbstwahrnehmung - alles das wissen, was ich in mühseliger Arbeit an anderen Menschen aufgedeckt habe“.

Wie Stanley Kubrick in seiner Verfilmung „Eyes Wide Shut“ (1999) löst auch Jakob Hinrichs die Novelle aus ihrem historischen Kontext. Es gibt Referenzen zu verschiedenen Epochen, insbesondere zu den 1960er und 1970er Jahren. So tönt etwa Tim Hardins Song „Hang on to a Dream“, der Ende der 1960er Jahre entstanden ist, aus dem Radio. Überhaupt erinnert Hinrichs Zeichenstil an bunte Retro-Drucke aus dieser Zeit. Ein tot im Bett liegender Käfer erinnert natürlich an Kafkas Gregor Samsa aus der 1912 erschienenen Erzählung „Die Verwandlung". Der Käfer ist bei weitem nicht die einzige tierische Gestalt in Hinrichs Comic, in dem es von Animalischem nur so wimmelt.

Hinrichs fokussiert sich in seiner Graphic Novel auf die rätselhaften und erotisch aufgeladenen Erlebnisse und Träume des Paares. Nachdem Fridolin von geheimen Sexualphantasien seiner Frau erfährt, streift er ziellos durch die nächtlichen Straßen, begegnet der Prostituierten Mizzi und erfährt zufällig von einem geheimen Maskenball, der sich als konspirativer Swinger-Klub entpuppt. Hinrichs erzählt die Novelle nicht originalgetreu nach, sondern fügt neue Episoden hinzu und setzt natürlich viel stärker auf seine Bildsprache als auf den Text. Wer die Graphic Novel mit Schnitzlers Originaltext vergleichen möchte, findet diesen am Ende des Bandes.

Die Adaption von klassischer Literatur ist derzeit bei vielen Comiczeichnern beliebt (siehe z.B. Graphic Novels-Meldung vom 30. Juli). Nach seiner erfolgreichen Faust-Adaption hat sich auch Flix einen weiteren Klassiker vorgeknöpft: Cervantes' Don Quijote. Zuerst erschienen ist diese „komische Mischung aus Klassiker und Popkultur, Slapstick und Tragik“ als Comicstrip in der FAZ. Bei Flix ist Don Quijote ein schrulliger Rentner in Brandenburg, der nicht gegen Windmühlen, sondern gegen einen Windpark kämpft. Die Rolle des Sancho Panza übernimmt sein dicklicher, sechs Jahre alter Enkel Robin, der sich für Batman hält. Laut einer Deutschlandfunk-Rezension ist Flix' Don Quijote bei „allem Schabernack [...] keine Parodie im Sinne eines Klassiker-Bashings. Sondern setzt sich auf berührende Art und Weise mit Themen wie Alter, Einsamkeit und dem Konflikt von Ideal und Wirklichkeit auseinander. Mit welcher Leichtfüßigkeit Flix dabei Ernst und Scherz miteinander verbindet - vor allem das macht ihn zu einem der besten Comicautoren seiner Generation“.
Mehr Informationen über Flix findet man auf der Website „Deutschsprachige Comics“.