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Schorsch Kamerun ist ein Tausendsassa. Er ist Theaterregisseur (u.a. in Zürich, Hannover, Hamburg, München oder Düsseldorf), Clubbetreiber (des „Golden Pudel Club“ in Hamburg) Autor, Musiker (das bekannteste seiner musikalischen Projekte ist wohl die Punkband „Die Goldenen Zitronen“) und er war auch schon Gastprofessor an der Akademie der Bildenden Künste in München. Er ist wohl die ideale Verkörperung des „erfolgreich Unangepassten“ (so genannt in einer Kritik auf laut.de). Auch auf seinem aktuellem Album „Der Mensch lässt nach“ klagt er die Generation der Angepassten und Konsumabhängigen an, so etwa in dem poppigsten Lied des Albums, „Unabhängigkeit ist keine Lösung für moderne Babys“. Diese modernen Babys wollen nur „PC und Jeans“, „sie wissen nicht wie man freien Geist benutzen kann“, denn sie wollen „einfach einfachen Fun“.

Seine Texte stammen zum großen Teil aus Interviews, die er für Theaterprojekte in Leipzig, Köln, Hamburg, München und Düsseldorf geführt hat. Im Gegensatz zum ironiegesättigten Zeitgeist will Kamerun nicht alles ironisch verstanden wissen, sondern er will pathetisch sein, zur Not bis zum Kitsch: „Ich mag das Pathos, das gebe ich zu, ich vertrete auch Kitsch. Und ich glaube, Beklemmung, die man ja durchaus hat in dieser Welt, davon muss es andererseits auch handeln. Ich bin jemand, der in ständigen Ängsten lebt, und in der künstlerischen Überwindung dieser ist mir nun mal unironisches Pathos lieber als zu Tode gebrochenes Augenzwinkern“. Andererseits weiß Kamerun, dass ein allzu streng erhobener moralischer Zeigefinger auch keine großen Erfolgsaussichten hat: „Es geht eher darum, [...] dass man bei aller, auch trockener Behauptung trotzdem attraktiv bleibt, das stimmt schon. Sonst hört auch keiner hin“ (die Zitate stammen aus einem taz-Interview).

Wenn ein gesellschaftliches Symptom wie die Banken-, Finanz- und Schuldenkrise vom akuten in den chronischen Zustand wechselt, verstetigen sich auch die literarischen Neuerscheinungen über dieses Symptom. Nachdem im vergangenen Jahr u.a. Rainald Goetz, Sibylle Berg und Ingo Schulze (siehe „Literatur in Zeiten der Dauerkrise“) oder auch Nora Bossong („Gesellschaft mit beschränkter Haftung“) Bücher über diesen Krisenkomplex veröffentlicht haben, griff in diesem Jahr der Schweizer Autor und Philosophie-Doktorand Jonas Lüscher dieses Thema in seinem Debüt, der Novelle „Frühling der Barbaren“, auf. Ort der Handlung ist ein Luxus-Resort in einer tunesischen Oase. Das „Thousand and One Night Resort“ entspricht dem, „was sich der von der Marktforschung errechnete typische Tunesientourist der Premiumklasse unter einer typischen Berbersiedlung vorstellte“. Dort findet sich eine britische Hochzeitgesellschaft ein, die auf Seiten des Bräutigams aus den Schönen und Reichen der Londoner Finanzwelt besteht, während die Angehörigen der Braut aus der Arbeiterklasse stammen und sich angesichts einer Zweihundertfünfzigtausend-Pfund-Hochzeit deplatziert fühlen. Erzählt wird die Geschichte von dem Schweizer Fabrikerben Preising, der die Eltern des Bräutigams – sie ist Lehrerin, er Soziologie-Professor – kennen lernt. In Europa kocht die Finanzkrise wieder hoch, das britische Pfund verliert massiv an Wert und Banken gehen pleite. In der Hochzeitsnacht kommt es in Großbritannien zur finanzwirtschaftlichen Kernschmelze und zum Staatsbankrott, sodass die Kreditkarten der jungen Banker gesperrt werden und das Mobilfunknetz zusammenbricht – die letzten Nachrichten, die es aus dem Netz in die Wüste schaffen, sind die Kündigungen der plötzlich Mittel- und Arbeitslosen. Das Brautpaar kann sich die soeben gefeierte Hochzeit plötzlich gar nicht mehr leisten, da die „Rechnung [...], die sie in Tunesischen Dinar zu bezahlen hatten, gerade den Wert ihres Londoner Reihenhauses in Pfund Sterling“ überstieg.

Das ist der Wendepunkt in Lüschers Novelle. Nun bricht im Luxus-Resort Gewalt und Chaos aus, der Firnis der Zivilisation wird brüchig und es kommt zu grotesken Szenen. Lüscher erfüllt formal Vieles, was als typisch für eine Novelle gilt: die „unerhörte Begebenheit“, Leitmotive (das Buch wimmelt zum Beispiel nur so von lebenden und toten Kamelen) und die Einbettung der Haupthandlung in eine Rahmenhandlung (Preising ist zu dem Zeitpunkt, als er die Geschichte erzählt, in einer psychiatrischen Klinik und erzählt einem Mitinsassen eine „Geschichte voller unglaublicher Wendungen, abenteuerlicher Gefahren und exotischer Versuchungen“). Verena Auffermann nennt das Büchlein eine „Gesellschaftsanalyse und Finanzmarktkritik, [...] die klug-groteske Fabel über eine Generation, die durch die Anziehung des Geldes alles riskiert“ (Deutschlandradio Kultur-Rezension). Die Rezension auf culturmag.de fällt zwiespältig aus: „Wer sich also gern auf intelligente Weise unterhalten lässt, wird das Büchlein mögen. Wer erwartet, dass sich ein Autor ernsthaft für seine Figuren interessiert und mehr bieten will als die Illustration einer Versuchsanordnung, dem saust es durchs Hirn“. Für Roman Bucheli von der NZZ wird die Novelle im zweiten Teil „zum Klamauk, die Sprache fällt ins Klischierte, und aus einer präzis angelegten Novelle um zwei Charakterköpfe wird Trivialliteratur. Immerhin verdammt gut gemacht – schon fast wie bei Martin Suter“.

Mit Sascha Reh legt ein anderer junger Autor mit seinem zweiten Roman „Gibraltar“ ein weiteres Buch über die Finanzkrise vor. Es geht um den Investmentbanker Bernhard Milbrandt, der sich im Frühjahr 2010 mit griechischen Staatsanleihen verspekuliert und damit die kleine Privatbank einer befreundeten Familie in den Ruin treibt. In den Kritiken wird Rehs Roman gelobt, Rainer Moritz von Deutschlandradio Kultur spricht von einem „spannenden, lehrreichen Wirtschaftskrimi“, der raffiniert gebaut, facettenreich und auch stilistisch gut erzählt sei. Außerdem mache der Roman die Motive der handelnden Personen nachvollziehbar und sei „kein moralinsaurer Thesenroman, der bösen Bankern sagen möchte, dass sie böse Banker sind“. Auch Florian Kessler von der SZ ist ganz angetan. Für ihn ist „Gibraltar“ „eindeutig das kluge Buch eines klugen Schriftstellers“. Für Maren Keller vom Spiegel ragt der Roman aus den Frühjahrsneuerscheinungen heraus, die aus der Perspektive von sechs Figuren erzählte Geschichte lasse „immer neue emotionale Abgründe erkennen“. Dass Sascha Reh von Beruf Familientherapeut ist, hat ihm beim Schreiben dieses Bankenfamilienromans und bei der Schilderung der psychologischen Hintergründe und Vorgänge sicher geholfen.

Auch im Bereich von Kunst und Kultur arbeiten Institutionen schon seit Längerem an ihrem Corporate Design. Der im Gestalten Verlag erschienene englischsprachige Band „Introducing: Culture Identities“ widmet sich genau diesem Thema: der visuellen Kommunkation von Museen, Theatern und anderen Kultureinrichtungen. Natürlich werden spätestens seit Adornos und Horkheimers Betrachtungen zur „Kulturindustrie“ die zunehmende Vermarktung von Kultur, der Warencharakter von kulturellen Erzeugnissen und Veranstaltungen sowie die damit einhergehenden Autonomieverluste des Ästhetischen von vielen Intellektuellen kritisch gesehen. Nichtsdestotrotz hat sich Kultur als Ware etabliert und Kultureinrichtungen versuchen sich durch „branding“ – auf Deutsch heißt das Markenführung und klingt ein bisschen nach Briefmarkensammeln – eine visuelle Identität und einen möglichst hohen Wiedererkennungswert zu schaffen. Jede Institution möchte sich im besten Fall als Kultmarke etablieren.

„Introducing: Culture Identities“ besteht aus drei Teilen. Im ersten Teil werden große Kultur-„Marken“ und ihr grafisches Erscheinungsbild vorgestellt, darunter die Kasseler documenta, das New Yorker Museum of Modern Art (MoMa), das Museum für moderne Kunst in Warschau, die Art Basel oder das Van Abbemuseum in Eindhoven. Im zweiten Teil folgt eine Auswahl von Designern und Designbüros sowie deren aktuelle Arbeiten, darunter das Münchner Grafikdesignstudio Bureau Mirko Borsche, das für das Hamburger Thalia Theater, die Bayerische Staatsoper oder die Pinakothek der Moderne tätig ist, den Hamburger Designer Johannes Erler und sein Büro ErlerSkibbeTönsmann, hier arbeitet man gerade an den grafischen Auftritten von Theaterbühnen (Theater Bremen, Staatsschauspiel Dresden), oder die vom Kommunikationsdesigner Chris Rehberger gegründete Agentur Double Standards, die u.a. für die Helmut Newton Stiftung, den Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart und das Schauspiel Frankfurt arbeitet. Im dritten und letzten Teil werden zahlreiche Design-Projekte ganz unterschiedlicher Kulturinstitutionen aus den letzten Jahren präsentiert, von der Kunstmesse abc - Art Berlin Contemporary bis zum Züricher Club Zukunft .

Das Buch ist üppig illustriert und eignet sich gut zum Schmökern. Die Institutionen und Designer bzw. Designbüros sowie die Projekte werden jeweils kurz vorgestellt. Der Schwerpunkt liegt weniger auf der Darstellung der historischen Entwicklung des Grafikdesign in den diversen Häusern, das Buch bietet vielmehr einen aktuellen und abwechslungsreichen Querschnitt der visuellen Kommunikation im Kulturbereich. Jan Füchtjohann von der Süddeutschen Zeitung stellt nach Betrachten des Bandes die Faustregel auf: „Wenn Sie nicht wissen, wofür ein Plakat wirbt, wirbt es wohl für eine Kulturveranstaltung“. Und das ist nicht als Kritik gemeint, sondern die zahlreichen Beispiele machen deutlich, dass viele der im Band gezeigten Design-Arbeiten nicht nur eine Dienstleistung sind, sondern auch als eigenständige Kunstwerke bestehen können.

Kann man ein wissenschaftliches Gutachten als Comic darstellen? Im Verlagshaus Jacoby & Stuart ist der Comic „Die große Transformation. Klima – Kriegen wir die Kurve?“ erschienen, in dem ein Bericht von 420 Seiten Umfang in eine Bildergeschichte transformiert wurde. Auf der Website des Verlages heißt es: „Neun Wissenschaftler kämpfen als Comic-Helden gegen den Klimawandel“. Dabei handelt es sich um die Mitglieder des von der deutschen Bundesregierung bestellten Wissenschaftlichen Beirats globale Umweltveränderungen (WBGU): die Klimaforscher Hans Joachim Schellnhuber und Stefan Rahmstorf, der Paläontologe Reinhold Leinfelder, die Politikwissenschaftler Dirk Messner und Claus Leggewie, der Ingenieur für Luft- und Raumfahrttechnik Jürgen Schmid, der Professor für Energiewirtschaft Nebojsa Nakicenovic, die Wirtschaftswisenschaftlerin Renate Schubert und die Rechtswissenschaftlerin Sabine Schlacke. Illustriert wurde das Buch von Jörg Hartmann, Jörg Hülsmann, Iris Ugurel, Robert Nippoldt, Christine Goppel und Astrid Nippoldt. Den Originalbericht kann man auf der WBGU-Website herunterladen.

Jede/r der neun Wissenschaftler/innen beleuchtet das Thema aus seiner/ihrer Perspektive in jeweils einem Kapitel. Hans-Joachim Schellnhuber erklärt die Labilität des Ökosystems Erde und plädiert für eine nachhaltige Entwicklung. Reinhold Leinfelder beschreibt den Einfluss des Menschen auf die Entwicklung der Erde und nennt unser Erdzeitalter das Anthropozän, das Zeitalter des Menschen. Stefan Rahmstorf behandelt den Klimawandel und seine Auswirkungen, Dirk Messner beschreibt die UN-Nachhaltigkeitskonferenzen wie die in Rio trotz aller trotz ihres Scheitern als aufklärerischen „Ausgang des Menschen aus seiner selbstverschuldeten Unmündigkeit“. Jürgen Schmid hingegen besucht einen Offshore-Windpark. Nebojsa Nakicenovic erläutert die Notwendigkeit, den CO2-Ausstoß zu reduzieren und die Lebensgewohnheiten zu ändern bis hin zu der Forderung, dass auch „in den Industrienationen Insekten verspeist werden“ sollten, weil die Aufzucht von Insekten viel weniger Ressourcen erfordere als die Fleisch- oder Fischproduktion. Renate Schubert stellt die (ungleich größeren) Kosten des Klimawandels den Kosten zur Reduktion der Treibhausgase gegenüber. Dass auch der Staat gefordert ist, dem Klimaschutz einen rechtlichen Rahmen zu geben, beleuchtet Sabine Schlacke. Schließlich appelliert Claus Leggewie im letzten Kapitel an uns alle, den „inneren Schweinehund“ zu überwinden und zum Beispiel weniger Fleisch zu essen, sich an politischen Entscheidungsprozessen zu beteiligen oder auch mit dem urbanen Gärtnern anzufangen.

Nun stellt sich natürlich die Frage: Geht das Konzept auf? Kann man ein derart faktenlastiges Thema schön und leichter rezipierbar im Comic-Stil darstellen, sodass sich eventuell auch Menschen für ein Thema zu interessieren beginnen, denen es bislang zu komplex und zu expertenlastig war? Dagmar Röhrlich vom Deutschlandfunk zieht ein positives Fazit: „Leicht lesbar, aber trotzdem voller Fakten und Ideen, über die nachzudenken sich wirklich lohnt. Der Nachmittag, den man mit diesem Comic verbringt, ist gewonnene Zeit“. Natürlich steht bei „Die Große Transformation“ der Inhalt über der Form und es handelt sich um keinen experimentellen Comic. Die Zeichnungen sind schwarz-weiß – „Farbe habe das Budget nicht hergegeben, räumte der Zeichner Jörg Hülsmann ein“ (laut Hamburger Abendblatt) – und sie dienen sehr stark der Illustration der wissenschaftlichen Ausführungen und fügen nicht viel Eigenständiges hinzu. Sprachlich biedert man sich nicht an ein junges Publikum an, sondern hat absichtlich auf eine „Comic-Sprache à la "Peng" und "Boing" verzichtet“, eine „Vorgabe des WBGU“.
Der Comic ist kein Selbstzweck, kein L'art pour l'art, sondern „in ein wissenschaftliches Kommunikationsprojekt eingebettet“, um herauszufinden, „ob sich das Comic-Format zur Vermittlung komplexer Zukunftsthemen eignet“. Deshalb gibt es auf der Website zum Comic „Die große Transformation“ eine Umfrage unter den Lesern. Vielleicht sind die Wissenschaftler (und die Zeichner) danach ja noch schlauer.

Es gibt ja bereits den einen oder anderen Musiker, der Bücher schreibt. Nun hat das Schreiben auch Frank Spilker, Sänger der Hamburger Band „Die Sterne“, gepackt. Mit „Es interessiert mich nicht, aber das kann ich nicht beweisen“ hat er einen Loser-Roman geschrieben, dessen Protagonist Thomas Troppelmann erst die Freundin und dann sein Graphikbüro verliert. Er flieht daraufhin aus Hamburg und reist per Bahn quer durch Deutschland, in die Arme einer Gelegenheitsgeliebten in Hildesheim, dann in die Arme von Mutti, aber es hilft alles nichts. Hat man die Laufbahn eines Verlierers erst mal eingeschlagen, muss man den Weg zu Ende gehen.

Thomas Troppelmann ist leicht gelangweilt, leicht depressiv: „Ich habe es mir abgewöhnt, sinnlos im Internet herumzuklicken, wenn ich mich geistig verabschieden will. Seit einiger Zeit benutze ich dafür einen Kuli [...]. Klick. Klick“. Nachdem so ziemlich alles schief läuft, was schief laufen kann, verabschiedet er sich aus seinem gegenwärtigen Leben. Doch sein Fluchtreflex führt ihn nicht nur an Orte, sondern auch in seine Vergangenheit. Bedrückende Kindheitserinnerungen sind immer wieder in den Text eingestreut. Und schließlich reist er an einen Ort seiner Kindheit, irgendwo im Schwarzwald, wo er seinerzeit zur Kur war. Troppelmann schrumpft „zurück auf Kindergröße“ und ist wieder der asthmatische Junge, dem eine grausame Krankenschwester mit Vergnügen einen demütigenden Einlauf verpasst, „schnell und ungefragt in den Arsch gerammt“. Spilker wollte einen „gesellschaftsrelevanten“ Roman über eine typische Lebenskrise eines Mitvierzigers schreiben (siehe taz-Interview). Der Buchtitel hat bei mir die Erwartung geweckt, etwas Heinz Strunk- oder Sven Regener-Ähnliches vorzufinden. Ich wollte den „leicht surrealistischen, aber etwas zu ernsten Roman“ (so Jan Wiele in der FAZ) wirklich gut finden, aber es ist mir nicht ganz gelungen. Auch ich bin also ein bisschen gescheitert.

Anna Prohaska wurde 1983 in Neu-Ulm als Tochter eines österreichischen Opernregisseurs und einer irisch-englischen Sängerin geboren und lebt heute in Berlin. Sie studierte an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin und ist seit 2006/07 Ensemblemitglied an der Staatsoper Unter den Linden. Sie wirkte auch schon bei den Salzburger Festspielen mit und konzertierte u.a. mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, den Berliner Philharmonikern und den Wiener Philharmonikern. Nun hat sie mit „Enchanted Forest“ ihr zweites Solo-Album aufgenommen, auf dem sie Arien von Cavalli, Händel, Monteverdi, Purcell und Vivaldi interpretiert. Die Kritiker im deutschsprachigen Raum sind überzeugt: „Das war bislang vor allem das Terrain von Cecilia Bartoli oder Simone Kermes. Doch nun hält Prohaska dagegen: mit ihrem leichten und hellen Sopran, der makellos geführt, weniger auf mediterane Hysterie wie bei Bartoli und schon gar nicht auf popmusikartige Überzeichnung wie bei Kermes abzielt. Stattdessen punktet Anna Prohaska mit blitzsauberer Intonation, schlankem Ton, vibratoarmen Strahlklängen - und vor allem mit dem Unschuldsschmelz ihrer blutjung wirkenden Stimme“ (BR-Klassik). Auch die Kulturradio-Kritik hebt hervor, dass Prohaska angesichts namhafter Konkurrenz bestehen und „durchaus eigene Akzente setzen kann. So wagt sie sich – mit Erfolg – an einige [...] der gefürchtetsten Koloraturarien Händels überhaupt: die Morgane-Arie aus Alcina, immerhin eine der Barock-Paradestücke von Joan Sutherland. Besonders ihr Mut und ihr Temperament gewürzt mit einer wunderbaren jugendlichen Leichtigkeit beim Bewältigen technischer Finessen könnten also durchaus ihr Markenzeichen werden“. Etwas kritischer fallen die Rezensionen im Guardian und in The Times aus.

Nach seinem erfolgreichen Romandebüt „Boxhagener Platz“ (2004), das in mehrere Sprachen übersetzt und 2010 verfilmt wurde, hat Torsten Schulz nun einen weiteren – wenn man denn unbedingt eine Schublade aufmachen möchte – DDR-Roman geschrieben: „Nilowsky“. Das Buch spielt im Ost-Berliner Niemandsland mit Kneipen, Malochern und einem Chemiewerk. Es geht um die ungleiche Freundschaft zwischen dem vierzehnjährigen Markus Bäcker und dem siebzehnjährigen Reiner Nilowsky. Nilowsky, der im Telegrammstil spricht, hält gerne Vorträge, in denen er schwer glaubliche Dinge mit optmistischem Trotz vorbringt. Gleich zu Beginn belehrt er seinen jüngeren Freund bezüglich der gesundheitsfördernden Wirkung des allgegenwärtigen Schwefelwasserstoffgestanks, die entstehe, wenn man den Schwefelwasserstoff unter dem Einsatz der ganzen Körperwärme tief einatme und in Wasser und Schwefeldioxid aufspalte: „Das ist gesund und gibt dir Kraft. Und riechen tut es dann auch nicht mehr“. Kraft braucht Nilowsky auch, denn er lebt mit seinem alkoholabhängigen Vater zusammen, der eine armselige Kneipe, das „Bahndamm-Eck“, betreibt und den Sohn regelmäßig verprügelt.

Markus Bäcker kommt dagegen aus sozialistisch wohlgeordneten Verhältnissen. Seine Eltern sind mit ihm vom Prenzlauer Berg an den Ost-Berliner Stadtrand gezogen, weil beide Arbeit im Chemiewerk fanden, die Mutter als Chefsekretärin und der Vater als leitender Angestellter, der sich mit den Problemen der internationalen Solidarität herumschlagen muss. Eine Gruppe von Mosambikanern soll im Chemiewerk arbeiten, doch ihr Arbeitsethos entspricht nicht dem Fünfjahresplan, was der Vater des Öfteren beklagt: „man muss aufpassen, dass sie nicht heimlich saufen oder rauchen und die Sicherheit gefährden“. Die in einer Baracke wohnenden Männer aus Mosambik verfügen durchaus über Qualitäten, die jedoch eher bei den älteren Damen der näheren Umgebung gut ankommen. Markus Bäcker ist anfangs wenig begeistert von dem Umzug, doch schon bald ist er von Nilowsky, vor dem er sich auch fürchtet, sowie dem skurrillen Vorstadt-Personal des Romans so fasziniert, dass er gar nicht mehr weg will. Aus der Freundschaft wird eine Dreiecksgeschichte, als Carola ins Spiel kommt. Nilowsky ist fest davon überzeugt, dass er Carola heiraten wird. Doch auch sein Freund verliebt sich in das Mädchen. Loyalitätskonflikte sind vorprogrammiert. Etwa in der Hälfte des Romans verkündet Markus Bäckers Vater, dass sie wieder in die Stadt zurückziehen, weil er in einer innovativeren Chemiefabrik Arbeit gefunden habe. Die Eltern glauben ihrem Sohn damit einen Gefallen zu tun, doch dieser fühlt sich verpflichtet Nilowsky, der mittlerweile als Brandstifter untergetaucht ist, mit Carola zusammenzubringen: „Ich beschloss, möglichst mein eigenes Leben zu führen, ganz gleich, wie meinen Eltern das gefiel. Und dazu gehörte auch, Nilowsky und Carola zusammenzubringen“. Während er sich in den kommenden Jahren zu einem Einser-Schüler und zum „Verantwortlichen für Solidaritätsmaßnahmen“ entwickelt, anschließend seinen Wehrdienst absolviert und sein Studium beginnt, lässt ihn seine Vergangenheit in Gestalt von Nilowsky und Carola nie los. Er steht im Bann der beiden und wartet wie auf Abruf auf deren Lebenszeichen, auch wenn das monate- oder auch jahrelang dauert. Am Ende verschwindet Nilowsky wieder und niemand weiß, wo er geblieben ist, doch in Markus Bäckers Gedankenwelt leben Nilowsky und seine verrückten Ideen fort. Ein schön schräges und trauriges Buch, das es auch als Hörbuch gibt.

Heinz Strunk ist als melancholischer Humorist und Musiker bekannt (siehe auch: „Telefonscherze und Multiorgasmen“). 2004 erschien sein stark autobiografisch gefärbtes, mittlerweile ebenfalls verfilmtes Buch „Fleisch ist mein Gemüse“, in dem eine Jugend im Zeichen der Akne beschrieben wird. Nun hat er mit „Junge rettet Freund aus Teich“ ein weiteres autobiografisch geprägtes Buch veröffentlicht, in dem die Hauptfigur Mathias Halfpape heißt, so lautet auch Strunks bürgerlicher Name. Es führt zurück in den Hamburger Stadtteil Harburg der 1960er und 1970er Jahre. Die Handlung spielt in den Jahren 1966, 1970 und 1974 und Halfpape tritt als Sechs-, Zehn- und Vierzehnjähriger auf. Er wohnt mit seiner depressiv veranlagten Mutter bei seinen Großeltern. Strunk fasst den Inhalt seines neuesten Romans in der SZ wie folgt zusammen: „Es geht darum, den Übergang von der Kindheit in die Pubertät als ein einziges Schrecknis zu erzählen, wobei die Besonderheit darin besteht, dass der Protagonist zu Beginn sechs Jahre alt ist und in der Sprache eines Sechsjährigen erzählt. Mit zehn Jahren spricht er anders. Und mit 14, am Ende des Buchs, wieder anders“.

Auch bei Strunk tauchen natürlich einige schräge Alltagsgestalten auf, wie etwa Frau Rusche, die „zerlöcherte Anziehsachen“ trägt und mit unzähligen Katzen zusammenlebt, oder der furchteinflößende französische Kindergärtner Monsieur Durand, der aus dem Mund riecht und in punkto Unfreundlichkeit nur noch von seiner Frau übertroffen wird. In den Text eingestreut ist auch der eine oder andere norddeutsche Begriff. So habe ich gelernt, was fünsch (= aufgebracht, erbost) und krüsch (= wählerisch im Essen) bedeuten. Strunks neues Buch ist nicht so lustig wie „Fleisch ist mein Gemüse“ und zwischendurch ist Einiges doch recht belanglos, aber so wollte Strunk die Geschichte wohl erzählen, denn gerade die Belanglosigkeit des Lebens ist ja das Schreckliche.
„Junge rettet Freund aus Teich“ ist auch als vom Autor gelesenes Hörbuch erschienen und war für Bernhard Jugel vom Bayerischen Rundfunk am 8. März das Hörbuch der Woche, weil es Strunk gelungen sei, „Momente der Scham, des Zwiespalts und der Trauer und Melancholie einzufangen“.

Henning Ritter hat 2004 einen Versuch über das Mitleid geschrieben und nun mit „Die Schreie der Verwundeten“ einen Versuch über die Grausamkeit folgen lassen. Ulrich Greiner von der ZEIT ist angetan und spricht von einem „wiederum wunderbaren Ritter-Buch“. Ritter hat ein sehr gelehrtes Büchlein geschrieben, in dem laut Titel die Grausamkeit die Hauptrolle spielt, in dessen Verlauf es jedoch mehr und mehr um die Frage geht, wie angesichts der historischen Grausamkeiten Mitleid entstanden ist und, in Form des Roten Kreuzes und anderer Hilfsorganisationen, institutionalisiert wurde.

Das Buch beginnt mit einem Essay über Jules Michelet, den Historiker der Französischen Revolution. Dieser Essay handelt auch von Robespierre, einem der Großmeister der modernen „Grausamkeit ohne Grausamkeit“ (ein Zitat aus Stendhals Roman „Rot und Schwarz“, der in der Zeit der Französischen Restauration spielt und in dem die Hauptfigur Julien Sorel, ein Emporkömmling aus der Provinz, seinen gesellschaftlichen Aufstieg erzwingen will). Diese Form der Grausamkeit, die nicht aus Lust oder Leidenschaft, sondern aus Pflichtbewusstsein oder aufgrund eines höheren Auftrags begangen wird, wird prägend für das 19. Jahrhundert, das im Zentrum dieses Buches steht, auch wenn Ritter an einigen Stellen auf die Grausamkeiten des 20. Jahrhunderts vorausweist. So ist Robespierre der „Typus des Vollstreckers, der im zwanzigsten Jahrhundert wieder auftauchen wird, der Ernst macht mit dem, was in der Situation bereit liegt: Worte zu Taten“. Robespierre sei weder gut noch böse gewesen, sondern nur konsequent: „Das mit letzter Konsequenz gewollte Gute wird böse“. Der zweite Essay handelt von dem liberalen Politiker und Denker Benjamin Constant, der sich mit der nachrevolutionären Gesellschaft befasste. Constants Lehre aus der Französischen Revolution und ihren Folgen war, dass „die Erfahrung für das Verhalten der Menschen bedeutungslos ist. [...] Auch aus dem Terror ließ sich nichts lernen“. Constant war auch skeptisch gegenüber der bis heute häufig vertretenen These der befriedenden Wirkung des Handels: „Die Überzeugung vom unversöhnlichen Gegensatz von Handel und Krieg beruhte auf einer Täuschung. Denn Krieg und Handel hatten das gleiche Ziel, sich anzueignen, was man besitzen wollte. Nur die Mittel waren verschieden“. Und auch in diesem Kapitel bietet Ritter wieder einen Ausblick auf das 20. und 21. Jahrhundert, wenn er schreibt, dass Benjamin Constant etwas „entdeckte, was sich seitdem immer wieder bestätigt hat: Friedlichen Völkern werden Kriegsgründe und Kriegsziele präsentiert, die so unkriegerisch erscheinen wie nur möglich. Dann kann die Verteidigung der Existenz eines anderen Volkes zum Kriegsgrund werden“. Im folgenden Essay schreibt Ritter über Alexis de Tocqueville, der angesichts der Ausrottung der Ureinwohner Nordamerikas feststellt, dass die „Vernichtung als Preis der Ausbreitung der Zivilisation“ hinzunehmen sei. Man habe die Indianer durch Absprachen und Verhandlungen in die „Falle der Legalität“ gelockt, „um sich ihrer straflos zu entledigen“. Somit habe Tocqueville die „Möglichkeit eines legalen und humanen Völkermords ins Auge“ gefasst.

Doch im 19. Jahrhundert gab es nicht nur Kriege von bis dahin ungekannter Grausamkeit, sondern auch das der Grausamkeit entgegengesetzte Gefühl des Mitleids rückte in den Mittelpunkt philosophischer Betrachtung und ethischen Handelns. Daher schreibt Ritter zunächst ein Kapitel über Arthur Schopenhauers Mitleidsphilosophie. Für den Philosophen war Mitleid Erkenntnisgewinn: „Denn wer sich gegen fremdes Leiden verschließe, setze sich in Widerspruch zu der Erkenntnis, dass Leben Leiden ist“. Im folgenden Essay widmet sich Ritter einem Pionier des Mitleids, Henry Dunant. Der Schweizer Geschäftsmann erlebte die Schlacht von Solferino (1859), eine der brutalsten und blutigsten Schlachten des 19. Jahrhunderts. Er war „wie ein Tourist in das Schlachtgeschehen hineingeraten“ (dieses Kapitel kann man auszugsweise auf der Website der FAZ lesen). Die Schreckensbilder entfachten in Dunant nicht nur Mitleid, sondern auch den Willen, etwas gegen diese Leiden zu unternehmen. Sein Engagement mündete schließlich in die Gründung des Roten Kreuz im Jahr 1863. Im abschließenden Kapitel geht es um Charles Darwin, für den das Leben in einem „großen Schlachthaus der sich bekriegenden Welt“ stattfindet. Der Mensch kann die durch Darwins Evolutionstheorie erfahrenen „Zumutungen und Kränkungen“ nur hinnehmen. An das religiöse Bild vom Menschen als der „Krone der Schöpfung“ konnte schon Darwin selbst nach dem Tod eines seiner Kinder nicht mehr glauben, obwohl er bis dahin „seinen Materialismus mit einer konventionellen frommen Einstellung vereinbaren“ konnte. Eine Leseprobe findet man auf der Website des C. H. Beck Verlags.

Ayla Güler Saied, Lehrbeauftragte an der Universität zu Köln (Forschungsstelle für Interkulturelle Studien) sowie an der Fachhochschule Bielefeld, hat im Januar ihre Dissertation in Buchform veröffentlicht: „Rap in Deutschland“. In ihrer Studie geht es um die aus ihrer Sicht „künstliche Differenz in der Präsentation von Rappern mit und ohne sogenannter Migrationsgeschichte“. Aufgrund der kulturalisierenden und defizitorierientierten Zuschreibungen werden Rapper und Rapperinnen in Deutschland „zu multikulturellen Objekten degradiert und die ethnische Zugehörigkeit erscheint in diesem Zusammenhang als unentrinnbarer Fluch, auf den sie aus einer nationalstaatlichen Perspektive immer wieder reduziert werden“. Aziza A., eine langjährige Rapperin aus Berlin, brachte das folgendermaßen auf den Punkt: „Ich kenne eine Schauspielerin und die hat mal einen ganz schönen Satz gesagt. Die hat gesagt: Wir sind in Deutschland erst mal von Beruf Türke. Dann sind wir Schauspieler oder Musiker oder Sänger oder Rapper. Hier in der Türkei kräht kein Hahn danach. Hier bin ich einfach nur Rapper. Nichts anderes“.

Nachdem Güler Saied in den ersten Kapiteln die historische Entwicklung des HipHop in den USA und in Deutschland skizziert, den Migrationsdiskurs in Deutschland analysiert und ihre Forschungsmethode (Grounded Theory, eine Methode der qualitativen Sozialforschung, die u.a. auf Interviews basiert) darlegt, werden in den folgenden Kapiteln die interviewten Rapper und Rapperinnen in Kurzbiografien vorgestellt und die empirischen Daten interpretiert. Die Kurzbiografien, die auf narrativen Interviews basieren, fokussieren sich u.a. auf den Bildungsweg der ersten Generation von Rappern in Deutschland sowie der „Rapper Generation 2000“ und sind somit auch eine Art Bildungsgeschichte des Rap in Deutschland (oder zumindest der Rap-Szene Kölns, da die meisten interviewten Musiker aus Köln stammen). Manche der frühen Rapper arbeiten heute als Lehrer, wie etwa Kutlu Yurtseven (alias Asia von der Kölner Rapgruppe Microphone Mafia) oder Hannes Loh, der bis 1998 bei der Polit-Rap-Gruppe Anarchist Academy mitmischte und nun Lehrer an einem Gymnasium ist. Andere studieren mittlerweile, wie Pierra Montenero aka MISS PM, die 2011 mit dem Studium von Wirtschaftsrecht begann.

Das Buch ist teils im sozialwissenschaftlichen, teils im Szene-Jargon verfasst und durch den aufklärerischen Impetus der Autorin sprachlich manchmal etwas überfrachtet. Immer wieder wird dem Leser erklärt, dass der „herrschende Diskurs“ eine stigmatisierende Konstruktion der Mehrheitsgesellschaft ist: „Die oftmals vertretene These, dass Rap-Musik das adäquate Ausdrucksmedium einer sogenannten migrantischen Unterschicht darstellt, wird von den empirischen Forschungsergebnissen dekonstruiert“. Auch werden die im Buch vertretenen Thesen des Öfteren wiederholt. Die Lektüre ist also nicht immer ein Vergnügen. Nichtsdestotrotz bekommt man durch die vielen O-Töne einen authentischen Eindruck von den interviewten Rapperinnen und Rappern und das Kapitel über „HipHop in der BRD“ bietet einen guten historischen Abriss der gesellschaftlichen Debatten um diesen Musikstil. Auf der Website des Transcript Verlages findet man eine Leseprobe.

„Zwei Bier für Haiti“ heißt ein im Kehrer Verlag erschienener Fotoband der Künstlerin Nathalie Mohadjer, die zwischen 2006 und 2010 mehrere Monate lang ein Obdachlosenheim in Weimar besucht und diese Zeit fotografisch dokumentiert hat. Sie hat mit den Bewohnern viel Zeit verbracht, ihre Rolle als Besucherin jedoch nie verleugnet. Ihre Aufnahmen strahlen Nähe und Distanz zugleich aus. Sie wirken wie journalistische Arbeiten. Viele Fotos zeichnen sich durch ein Augenzwinkern aus, ohne jedoch die Heimbewohner zu denunzieren. In der Wochenzeitung Der Freitag hat Mohadjer von ihrer Arbeit sowie von ihren Eindrücken und Erlebnissen berichtet: „Die Bewohner des Heimes sind sich ihrer eigenen Lage sehr bewusst – sie wissen, wo sie sind und auch, warum sie dort sind. Und sie können über sich selbst lachen. Dieser Humor hat manchmal etwas sehr Rustikales, es sind oft derbe Späße. Wenn man genau hinschaut, erkennt man aber auch in Situationen, die zunächst lustig wirken, eine gewisse Schwere“. Ihre Arbeit hat sie nach einer gleichnamigen Spendenaktion benannt: Nach dem verheerenden Erdbeben in Haiti im Januar 2010 haben Bewohner des Heims auf zwei Bier verzichtet, um einen Euro für die Erbebenopfer in Haiti zu spenden. Am Ende der Aktion wurden 15 Euro nach Haiti überwiesen.

Nathalie Mohadjer (*1979) studierte zwischen 2001 und 2007 an der Bauhaus-Universität Weimar und lebt heute in Paris. Für die Arbeit „Zwei Bier für Haiti“ erhielt die Künstlerin 2011 den Abisag-Tüllmann-Preis. In der Jurybegründung heißt es: „Basierend auf dem fotojournalistischen Ansatz entwickelt sie durch die Interaktion mit den Dargestellten ein neues, ganz eigenes visuelles Darstellungskonzept. Dadurch entstehen – gerade in ihrer Ambivalenz zwischen Schwere und Leichtigkeit – sehr berührende Bilder“. Auf der Website von Nathalie Mohadjer findet man eine Auswahl der Fotos.

Lisa Kränzlers zweiter Roman „Nachhinein“ war in diesem Jahr für den Preis der Leipziger Buchmesse nominiert. 2012 hatte die 1983 im schwäbischen Ravensburg geborene Autorin den 3sat-Preis beim Bachmann-Wettbewerb in Klagenfurt für einen Auszug aus „Nachhinein“ erhalten. Der Roman spielt in einer süddeutschen Kleinstadt und erzählt die Geschichte einer (zunehmend einseitigen) Mädchenfreundschaft. Zwei Mädchen leben in der gleichen Straße. Ihre Elternhäuser liegen zwar nur auf der jeweils anderen Straßenseite, doch sie leben in ganz unterschiedlichen Welten. Schon die Namen verdeutlichen das jeweilige soziale Milieu. Auf der einen Seite lebt die wohlsituierte Bildungsbürgertochter, sie heißt „vielleicht Lotta, vielleicht Luisa, vielleicht Luiza“. Sie spielt Klavier, liest die Biografie von Glenn Gould und eifert diesem Klaviergenie nach. Das Unterschichten-Mädchen heißt dagegen „Jasmin oder Celine oder Justine“. Sie flüchtet sich in die Computerspielwelt von „Streetfighter II“. Erzählt wird die Geschichte fast nur aus der Perspektive des gutbürgerlichen Mädchens, das anfangs die gegensätzlichen Soziotope so skizziert: „Hüben Lehrplan, drüben Schichtplan; da Eigenheim, dort Mietwohnung; rechts Standpauke, links Arschvoll“. Auch ihre Eltern zementieren Weltbilder mit Aussagen wie etwa: „Wer vor 20 oder nach 20.15 Uhr schon oder noch immer fernschaut, ist ein Prolet. So viel steht fest“.

Wie ist diese ungleiche Freundschaft entstanden? Während alle anderen Kindergartenkinder JasminCelineJustine hänseln, ist LottaLuisaLuzia fasziniert von dem nach einem Unfall kurzgeschorenen Schädel des anderen Mädchens und von der unter der Igelfrisur zu spürenden Narbe. In der gemeinsamen Kindergarten- und Grundschulzeit freunden sich die beiden an und erkunden ihre nähere Umgebung. Doch spätestens mit dem Ende der Grundschulzeit beginnt die Entfremdung, als es nur LottaLuisaLuzia auf das in einem Nachbarort gelegene Gymnasium schafft. Ihre Freundin bleibt in ihrem prekären Milieu zurück. Sie wird vom alkoholabhängigen und prügelnden Vater missbraucht und versucht sich verzweifelt an ihre sich abwendende Freundin von gegenüber zu klammern. Das Leben der behüteten Freundin jedoch geht ohne sie weiter. Die Ereignisse eskalieren, als das Unterschichtenmädchen einen Unfall verursacht, bei dem sich das Klavierkind an der Hand verletzt, sodass das Glück des Klavierspiels vorbei ist, was sie der Freundin nicht verzeiht. Im letzten Teil des Buches taucht das missbrauchte Mädchen dann kaum noch direkt auf, nur noch ganz am Ende als Schatten am Fenster, als Schatten der Vergangenheit.

Mit ihrem sozialkritischen Roman hat Kränzler einen – wie der Spiegel schreibt – „radikalen Gegenentwurf“ zu Wolfgang Herrndorfs Roman „Tschick“ geschrieben. Das Buch sei „unsentimental und bitter“. Florian Schmid lobt Kränzler in der Wochenzeitung Der Freitag für ihren Stil und spricht von einer zwar „sehr gedrechselten, aber dann stellenweise wiederum schlicht genialen Prosa“. Auch Volker Weidermann von der FAZ spricht – auch wenn nicht jede Passage gelingt – von einem „erschütternden Buch“. Lea Becker von der ZEIT und Christoph Schröder vom Tagesspiegel sehen Kränzlers Werk kritisch, ihnen missfallen vor allem die nicht immer stimmigen Formulierungen und der bisweilen überzogene Stil. Diese Kritik ist meines Erachtens überzogen, denn es gibt vermutlich kein Buch, bei dem man nicht über die eine oder andere Stelle stolpert bzw. die Lektüre der einen oder anderen Seite als nicht so flüssig oder stimmig empfindet. Insgesamt hat Kränzler einen stilistisch konsequenten Roman über gesellschaftliche Parallelwelten geschrieben.

„So, also hierher kommen die Leute, um zu leben, ich würde eher meinen, es stürbe sich hier. Ich bin ausgewesen. Ich habe gesehen: Hospitäler“. Das ist der Anfang von Rainer Maria Rilkes „Aufzeichnungen des Malte Laurids Brigge“. Wie Rilkes Brigge hat auch David Wagners Erzähler in seinen Aufzeichnungen namens „Leben“, für die Wagner gerade den Preis der Leipziger Buchmesse erhalten hat, Krankenhäuser gesehen. Und wie bei Rilke handeln auch Wagners Aufzeichnungen von einer existenziellen Krise, von Leben und Tod. Wagner litt selbst seit seiner Kindheit an Autoimmunhepatitis, einer Autoimmunkrankheit der Leber.

David Wagner hat ein Buch über diese Krankheit und die langen Klinikaufenthalte geschrieben. Der Ich-Erzähler im Buch musste lange auf eine Spenderleber warten. Und als er eines Tages einen Anruf bekommt und man ihm eine Spenderleber anbietet, lehnt er ab, weil seine kleine Tochter bei ihm schläft und er sie nicht wecken will. Das zweite Angebot nimmt er an. Da man im Krankenhaus viel Zeit zum Beobachten und Erinnern hat, sind tagebuchartige Aufzeichnungen entstanden. Der Erzähler reflektiert einerseits über das Leben und den allgegenwärtig drohenden Tod, hält andererseits aber auch Klinikalltäglichkeiten und die „kleinen Klinikfreuden“ fest. So beschreibt er etwa die stets wechselnden Zimmergenossen, mal ist es ein erzählfreudiger Kellner aus Ostdeutschland („Er war Ober im Operncafé, und als Ober des Operncafés, in der DDR waren Kellner mächtige Menschen, konnte er überall saufen. Umsonst. Na ja, das rächt sich heute, sagt er“), mal ist es ein Fleischer, der die Wurst aus der Wurstfabrik, in der er arbeitete, nicht mochte, mal ist es ein Getränkehändler, dessen Geliebte ein Nagelstudio betreibt, mal hat er einen Zimmernachbarn, der kein Wort mit ihm wechselt. Auch die Krankenhauslangeweile wird beschrieben und die altmodischen Fernseher („Vier Sekunden können sogar im Krankenhaus sehr lange sein, so macht Zappen keinen Spaß“). Der Erzähler beschreibt natürlich auch die schwer zu ertragende Passivität seines Zustands, sein Warten auf den Tod eines Anderen: „Ich warte auf ein Leben, ich warte auf den Tod. Ich warte, ja ich weiß, ich weiß es schon lange, auf dich“.

Der zweite Teil des Buches handelt von der Zeit nach der Transplantation, der Körper darf die neue Leber nicht abstoßen. Immer wieder geht es um die „guten“ Werte: „Ich bin meine Krankenakte, ich bin die Kurve meiner Werte“. Die Gedanken kreisen auch oft um den oder die unbekannte/n Spender/in. Soll er den Angehörigen des Spenders, deren Identität in Deutschland geheim bleiben muss, einen anonymen Dankesbrief schreiben? Er bleibt unschlüssig. Seine Gedanken driften ab. Er denkt an vergangene Brieffreundschaften. Am Ende ist ihm klar, was dieses Buch sein könnte: „Und all diese Erinnerungstrümmer, die Verzweiflung, die Peinlichkeiten, die kleinen Klinikfreuden, sie müssten vielleicht nur aufgeschrieben werden, das könnte eine Art Dankesbrief sein“.

Am Sonntag ist die diesjährige Leipziger Buchmesse zu Ende gegangen. Wieder wurde ein Besucherrekord (168.000) gemeldet. Und wieder gab es Preisträger. Den Preis der Leipziger Buchmesse gewann in der Kategorie Belletristik David Wagner für sein autobiografisch geprägtes Buch „Leben“, in der Kategorie Sachbuch wurde der Autor und Literaturkritiker Helmut Böttiger für „Die Gruppe 47“ ausgezeichnet und in der Kategorie Übersetzung ging der Preis an Eva Hesse für ihre Übertragungen der „Cantos“ von Ezra Pound. Klaus-Michael Bogdal erhielt für sein Buch „Europa erfindet die Zigeuner“ den Leipziger Buchpreis zur Europäischen Verständigung. Da Self-Publishing im Kommen ist, wurden in Leipzig auch erstmals Preise an Autoren verliehen, die ihre Bücher ohne Verlag herausgebracht haben. Die sog. autoren@leipzig Awards wurden in den Kategorien Belletristik und Sachbuch verliehen. Doch die Jury machte auch Erfahrungen mit den Qualtätsproblemen vieler selbstverlegter E-Books. „Von den 100 Titeln, die ich bewerten musste, waren vielleicht 2 richtig gut“, sagte Jurymitglied Wolfgang Tischer, Chefredakteur und Herausgeber von literaturcafe.de. „Da ist einfach auch viel Schrott dabei“.

Nachdem ja fast alle Medien von den verstopften Straßenbahnen und Messehallen berichten (die FAZ spricht von „permanenter Infarktgefahr“, die SZ erwähnt die wegen der Besuchermassen eingerichteten „Einbahnstraßen“), will ich ein wenig von dem berichten, was ich trotz Massenandrang sehen und hören konnte. Abbas Khider bleibt auch in seinem dritten Buch „Brief in die Auberginenrepublik“ dem Themenkomplex um sein Heimatland Irak und seine Landsleute treu. Amüsant war Volker Strübing mit seinem Erzählband „Das Mädchen mit dem Rohr im Ohr und der Junge mit dem Löffel im Hals“. Strübing spielte auch später im Rahmen der Langen Leipziger Lesenacht gemeinsam mit Mischa-Sarim Vérollet („Irgendwas mit Menschen“) gekonntes Witze-Pingpong. Auch Jakob Hein und die in Berlin lebende Engländerin Jacinta Nandi haben mit „Fish'n'Chips & Spreewaldgurken“ ein humoristisches Büchlein verfasst, in dem sie sich über Klischees und Wahrheiten über Ossis und Engländer austauschen.

Nach all den Messekilometern und überfüllten Lesungen in diversen Lokalitäten war es ein schöner Tagesabschluss, bei Nacht noch eine Runde durch den verschneiten Clara-Zetkin-Park zu drehen, um etwas zur Ruhe zu kommen. Dort spazierte ich auch an dem linkerhand abgebildeten stillen Örtchen vorbei, das ein bisschen aussah wie ein als Klohäuschen getarntes UFO, das von Außerirdischen einfach in dem Gestrüpp des Parks vergessen wurde und noch ein bisschen vor sich hinblinkt. Ich habe mich jedenfalls nicht näher ran- oder gar reingetraut. Man weiß ja nie...

2013 hätte Martin Kippenberger (1953-1997) seinen sechzigsten Geburtstag gefeiert. Das Berliner Museum für Gegenwart im Hamburger Bahnhof widmet ihm seit dem 23. Februar eine Werkschau: „sehr gut | very good“. Das Kunstmagazin art stellt lapidar fest: „der exzessive Lebenskünstler, ewige Querulant und Meister des strategischen Dilettantismus“ ist „endgültig im Museum angekommen“. Die Massen drängten sich am Eröffnungstag zu Hunderten vor dem Eingangsportal des Hamburger Bahnhofs. Und wie das bei Jubiläen so üblich ist, gibt es auch ein paar Neuerscheinungen. Der Deutsche Kunstverlag hat die kunstwissenschaftliche Studie „Martin Kippenberger und die Kunst der Persiflage“ herausgebracht. Es handelt sich dabei um die Dissertation von Stefan Hartmann, die er 2011 am Lehrstuhl für Kunstgeschichte/Bildwissenschaft der Universität Augsburg abgeschlossen hat.

Im Distanz Verlag ist außerdem das Interview- und Fotobuch „Kippenberger & Friends – Gespräche über Martin Kippenberger“ erschienen, das Interviews mit diversen Künstlern, Galeristen, Kuratoren, Museumsdirektoren und Wissenschaftlern enthält. Die Buchbesprechung in der Tageszeitung „junge Welt“ fällt allerdings wenig positiv aus: „Wie so oft in der kunstgeschichtlichen Literatur gibt es nichts Konkretes zu vermelden, keine persönlichen Peinlichkeiten, Kränkungen, Sensationen und Umsatzzahlen natürlich schon mal gar nicht. Wünschenswert wäre ein Gespräch darüber gewesen, warum Kippenberger nach seinem Tod so teuer wurde, beispielsweise mit dem Sammler Friedrich Christian Flick. »Das Gelaber bringt nix«, so hätte Kippernberger eine seiner Kunstserien nennen können“.

Eckhard Henscheid hat sich in seinen gut 70 Lebensjahren einen Ruf als allzeit zum Spott bereiter Satiriker, Sprachzerpflücker und Romancier („Trilogie des laufenden Schwachsinns“) gemacht. Seiner Häme entkommt fast nichts und niemand, höchstens ein paar ihm nahestehende Weggefährten wie F. K. Waechter, F. W. Bernstein oder Robert Gernhardt. Nun hat er mit „Denkwürdigkeiten“ seine Memoiren verfasst, in denen er natürlich wieder kräftig austeilt und „unnachsichtig abrechnerisch“ ist. Henscheid wurde „im Jahr 1941 unter der leidigen Knute Hüttlers rechtschaffen unfrei geboren“. Schon in seiner Kindheit haben ihn manche Wörter tage-, wochen- und monatelange zum Nachdenken gezwungen. Wörter, die er „trotzdem nicht kapiert habe, z.T. bis heute nicht“: Kasematte (laut Duden ein „durch starkes Mauerwerk [und Aufschüttung von Erde] gegen feindlichen Beschuss gesicherter Raum (Gewölbe) in Festungen“), Kas­se­rol­le („[flacher] Topf mit Stiel [zum Braten und Schmoren]“), Piedestal („1. (Architektur) Sockel; sockelartiger Ständer; 2. (bildungssprachlich) hohes Gestell mit schräg gestellten Beinen für Vorführungen (besonders von Tieren) im Zirkus“) usw.

Der Leser erfährt zahlreiche biografische Details. So war ein Brief ans Christkind Henscheids „erster literaturgeschichtlich relevanter Text“. Seine „Genese des Geistes, der Big Bang des Bücherlesens“ erfolgte, als er den Dachsriegel, ein Gipfelchen im Oberpfälzer Wald, auf dessen Hütte Henscheid als Achtjähriger übernachtet hatte, in der dritten Klasse in einem Lesebuch wiederentdeckte: „Es war ein Urknall, ein Blitzeinschlag, [...]. Ein Blitz aus Überraschung, Welterahnung und auch Stolz. [...] Dagegen, gegen diesen Choc d'amour, hatten viel später Goethe und Kafka keine Chance mehr“. Das Buch ist auch gespickt mit Selbsterkenntnissen: „Ich war früh kein Romantiker. Sondern halt ein Rechthaber“. In Henscheids Erinnerungen findet wohl jeder Leser etwas Interessantes, sei es Populärkulturelles wie Henscheids Leidenschaft für Fußball, insbesondere den FC Amberg, den 1. FC. Nürnberg und dann Eintracht Frankfurt, sei es Hochkulturelles wie seine jugendlichen Entdeckungen im Bereich der Klassischen Musik, sei es das Thema Religion: der Katholizismus sei eine „Frühlingsreligion, [...]. Die Karwoche samt Palmsonntag, Ostern, Maiandacht, Pfingsten, Fronleichnam – alles tendiert [...] ins Hoffnungsvollere, Bessere, ins Hibbelige, spirituell Fickrige“.

„Der Satiriker ist berufsmäßig ein Runtermacher, Entweiher und Destruierer“, so Jörg Magenau in der Rezension auf der Website von Deutschlandradio Kultur. Dementsprechend viele Zeitgenossen werden von Henscheid durch den Kakao gezogen und für verbale und sonstige Verfehlungen abgewatscht. In der Rubrik Intellektuellenbeschimpfung muss Theodor W. Adorno besonders viel einstecken, dieser „angeblich kritische Theoretiker in seinem finsterlingischen Ressentimentschwurbel“ mit seiner „Blondinen- und Langbeinigkeitsanfälligkeit“. Der Rhetorikprofessor Walter Jens bekommt für seinen Roman „Nein. Die Welt der Angeklagten“ eine übergebraten. Das Buch sei eine „bedeutungshuberische und vollkommen talentfreie Debut-Fuchtelei eines genuinen Aufsteigers und Karrierristen“. Auch nicht gerade eine Nettigkeit. Weitere Lieblingsschmähobjekte Henscheids sind Heinrich Böll (ein „steindummer, kenntnisloser und talentfreier Autor“), Günter Grass (dem Henscheid anlässlich eines „Schriftstellerauflaufs 1981 in Graz wohl oder übel die Hand reichen“ musste), Marcel Reich-Ranicki („ein Arschloch“), Jürgen Habermas (eine „Spezialkalamität“; Henscheid betont dessen „angestammte Dümmlichkeit“ und „Humorunfähigkeit“) und viele andere. Henscheid schildert auch ausführlich die gerichtlichen Auseinandersetzungen in Fragen der Kunstfreiheit mit der Unternehmensberaterin Gertrud Höhler und René Böll, dem Sohn des Nobelpreisträgers.

In seinem Buch geht es natürlich nicht fair und ausgewogen zu, aber es macht Spaß zu lesen, wie jemand (fast) ohne Rücksicht auf Verluste vom Leder zieht. Und es handelt sich bei dem Buch auch nicht nur um eine Generalabrechnung. Dietmar Dath findet z.B. in einer Besprechung in der FAZ „die dem Buch anvertrauten Arbeitsspuren des Romanschaffens vor allem der siebziger und achtziger Jahre“ besonders wichtig. Henscheid finde im allgemeinen „Gerede den Hauch der Ewigkeit, die Chance zur Überschreitung des blöde Gegenwärtigen in Richtung ästhetischer Lust. Angewidertes, aber fasziniertes Mitleid mit etwas, das gleichwohl nervt: keine schlechte Definition von Humor“.